ALCURE, Adriana Schneider. Notas sobre a encenação de um espetáculo de palhaços. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Rio de Janeiro - UFRJ. Professora Adjunta do Curso de Direção Teatral - ECO - Universidade Federal do Rio de Janeiro - UFRJ. Atriz e diretora.

palhaço, dramaturgia colaborativa, história do espetáculo

“Inaptos? a que se destinam” é um espetáculo de palhaços. Estreou em 2011 mar cando os 25 anos do grupo carioca Teatro de Anônimo, que atua no campo da palhaçaria, do circo e do teatro. A construção do espetáculo envolveu procedimentos específicos de criação dramatúrgica, composta de forma colaborativa pelos atores/palhaços e pela direção. A dramaturgia partiu do tema “vícios” e teve como inspiração a obra de Lysander Spooner, “Vícios não são crimes”, de 1875. Durante o processo, alguns debates foram relevantes, entre eles, interrogações sobre a poética e as técnicas de atuação do palhaço em oposição as do ator, ou ainda sobre abordagens dramatúrgicas exclusivas ao universo do palhaço, possibilitando a observação de algumas particularidades desta linguagem, bem como as estratégias discursivas que vêm norteando o campo da palhaçaria no Brasil nos últimos 20 anos. Estacomunicação fará um breve histórico deste debate, problematizando noções e conceitos do campo da palhaçaria, evidenciando aspectos práticos e teóricos vivenciados na criação deste espetáculo.

clown, collaborative playwriting, history of the spectacle

“Inaptos? a que se destinam” is a spectacle of clowns. Premiered in 2011 marking the 25th anniversary of the Teatro de Anônimo, which operates in the field of comic, circus and theater. The construction of the performance involved specific procedures for creating drama, made collaboratively by the actors / clowns and direction. The drama was based on the theme of "vices" and was inspired by the works of Lysander Spooner, "Vices Are Not Crimes: A Vindication of Moral Liberty", 1875. During the process, some discussions were relevant, among them questions about the poetry and acting techniques clown in opposition to the actor, or even about dramaturgical approaches unique to the world of the clown, enabling the observation of some particularities of this languag e, as well how the discursive strategies that have been guiding the field of clown the past 20 years in Brazil. This communication will make a brief history of this debate, questioning notions and concepts of the field of clown, showing practical and theoretical aspects experienced in creating this spectacle.




"AMIM, Péricles Vanzella. Encantamento e interação teatro-música na formação do teatro brasileiro. Rio de Janeiro: UNIRIO.
Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro; mestrado; Maria de Lourdes Rabetti. Bolsista CAPES."

personagem: estudos do feminino em cena: teatro musicado no Brasil

Margarida Gauthier, personagem de A Dama das Camélias, de Alexandre Dumas Filho, e Violetta Valéry, protagonista da ópera de Giuseppe Verdi A Traviata, inspirada na peça, além de partilharem trajetórias e destinos, fazem parte de uma “sina” feminina, percebida por Jean Starobinski (2010): da encantatriz, figura marginal, sedutora, que atrai para o desvio do caminho o herói íntegro. Os dois autores trabalham a mesma personagem em linguagens diferentes, o que aponta, simultaneamente, para sua densidade enquanto manifestação do feminino no palco, e para a proximidade dos universos teatral e musical. No Brasil, em 1844 Martins Pena escreve O diletante, comédia baseada na oposição entre a idolatria de José Antônio pela música erudita, por Norma e por Augusta Candiani, e a “simplicidade” de Marcelo, que prefere uma viola a embalar um fado dançante. Aqui, do mesmo modo, nota-se a proximidade entre música e teatro, e mais ainda: sua integração, elaborada desde a inclusão de um piano e uma viola no cenário até o diálogo entre as personagens.

character: studies of the feminine on the scene: musical theatre in Brazil

Margarida Gauthier, character of La Dame aux Camélias, by Alexandre Dumas Fils, and Violetta Valéry, protagonist of Giuseppe Verdi’s opera La Traviata, based on the play, share ways and destinations, and they have a typical feminine fate, perceived by Jean Starobinski (2010): of the enchantactrice, a marginal, seductive figure, that diverts the hero from his path. The two writers work on the same character in different languages, what points, simultaneously, to its density while a feminine manifestation on stage, and to the proximity between the theatrical and musical universes. In Brazil, in 1844, Martins Pena writes O diletante, comedy based on the opposition between José Antônio’s idolatry of classical music, of Norma and of Augusta Candiani, and the “simplicity” of Marcelo, that prefers a guitar playing a dancing fado. Here, likewise, it is visible the proximity between music and theatre, and even more: their integration, prepared from the inclusion of a piano and a guitar in the scenario to the dialog between the characters.
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ARANTES, Luiz Humberto Martins. Memória e cena: entre teorias da lembrança e do esquecimento. Uberlândia/MG: UFU; Professor Associado.

Memória:história:teatro

RESUMO: Esta proposta de comunicação pretende apresentar debates que tem ocorrido, tradicionalmente e nos dias atuais, acerca da questão da memória. Observar que este campo de estudos tem se notabilizado por um debate, em várias áreas do conhecimento, o que envolve pensamentos que localizam a memória como uma potencialidade humana calcada na lembrança, mas também sublinhar a existência de caminhos de reflexão que a definem a partir da idéia de esquecimento. Neste sentido, ambas podem dialogar com a cena teatral nas suas múltiplas possibilidades: tema dramatúrgico, biografias em cena, e tantas outras, como por exemplo, a relação entre memória e história.

Memory:history:theater

ABSTRACT: This proposal intends to present discussions of communication that has been traditionally and today, on the question of memory. Note that this field of study has been notable for a debate in several areas of knowledge, which involves thoughts that locate memory as a human potential grounded in memory, but also to highlight the existence of paths that define reflection from the idea of oblivion. In this sense, both can talk eat theatrical scene in its many possibilities: dramaturgical theme, biographies on the scene, and many others, such as the relationship between memory and history.




CASTAMAN, Aline. Sobre o discurso retórico: a elocução na representação do ator elizabetano e jacobino. Porto Alegre. Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS). Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas; Mestrado (2012) – Segundo Ano; Bolsista CAPES. Orientador: Clóvis Dias Massa. Atriz e Pesquisadora.

Shakespeare: Ator: Retórica: Elocução.

Esta pesquisa elucida particularidades a respeito da representação do ator no período elisabetano e jacobino. Entre os vários elementos do teatro elisabetano destacamos o discurso retórico (no sentido da elocução) como um fenômeno significante na arte do ator elisabetano. Os estudos indicam que os atores não criavam propriamente, mas executavam um conjunto de regras com o intuito de dar vida às palavras do poeta variando de acordo com o estilo das palavras, sendo que cada palavra e seu respectivo sentido dentro da frase o guiariam até chegar a excelência de sua representação. Neste sentido, os atores empregavam uma energia excepcional com o objetivo de manter a qualidade estilística através da gestualidade, ritmo, eloquência, como da modulação correta com sua variedade de cadências e inflexões da voz. O trabalho está centrado nos estudos que desenvolvem uma investigação sobre a perfomance do ator tais como os estudos de Thomas Wright, John Bulwer, B. L. Joseph e Mariko Ichikawa Who are relevant references on the theoretical approach of the essay. O trabalho destes estudiosos trazem contribuições em relação ao ator no teatro elisabetano e jacobino como um todo.

Shakespeare: Actor: Rhetoric: Elocution.

This research elucidates particularities regarding to the actor´s performance on the Elizabethan and Jacobean period. Among the various elements of the Elizabethan theatre we pointed out the rhetorical delivery (in the sense of elocution) as a significant phenomenon in the art of the Elizabethan actor. The studies indicate that the actors did not create properly, but executed a set of rules in order to give life to the words of the poet, being each word and its meaning within the sentence that would lead the actor to reach the excellence of his representation. To that effect, the actors employed an exceptional energy with the aim of maintaining the stylistic quality through gesture, rhythm, utterance, the correct modulation with its variety of cadencies and inflections in the voice. The work is focused on the studies which display an investigation into the actor´s performance of the period such as the works of Thomas Wright, John Bulwer, B. L. Joseph e Mariko Ichikawa who are relevant references on the theoretical approach of the essay. The work of scholars on this matter brings forth contributions regarding to the actor in the Elizabethan and Jacobean theatre as a whole.




CHIARADIA, Filomena. Iconografia teatral:relato de trajetória de pesquisa.Rio de Janeiro:Cedoc/Funarte,pesquisadora.Atriz e doutora em Artes Cênicas (UNIRIO).

Iconografia Teatral; Fotografia de Cena; Teatro de Revista

Situando-se no campo da iconografia teatral, a comunicação discute a importância da fotografia de cena na escrita da narrativa historiográfica de companhias teatrais, responsáveis pela constituição, manutenção e preservação de acervos fotográficos, gerados a partir do registro do cotidiano de sua produção artística.

Theatre Iconography; Scene Photography; Teatro de Revista genre

Situated on the theatre iconograpphy field, this paper discuss the importance of the scene photography through the historiographic trajectory of theatre companies, responsible for the creation, maintenance and preservation of photographic collections, generated from the everyday record of its artistic production.
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CHRISTÓFARO, Bruna. A cenografia como elemento de ressonância da criação no espetáculo “Amores Surdos”. Ouro Preto: Universidade Federal de Ouro Preto. Professora assistente, DE. Cenógrafa e Diretora de Arte.

cenografia: Amores Surdos: criação: composição espacial

Tendo como objeto de estudo a cenografia do espetáculo “Amores Surdos”, do grupo de teatro espanca! e de minha autoria, será visto como a cenografia é a tradução por imagem da idéia da criação; contendo e sendo condicionada pela história da formação do espetáculo, pelo texto, pelas escolhas criativas do cenógrafo, do diretor e dos atores. A cenografia se torna potente imagem visual que suplementa as palavras da peça criada com os atores no espaço. O público, estimulado pela imagem da peça, reconhece o acontecido no teatro como algo de sua vida. Isto é possível pela escolha de elementos que expressam mais do que apenas sua própria presença física no lugar. A imagem tridimensional no palco não é puramente decorativa. Toda definição do espaço e da disposição dos objetos e suas características tem o objetivo de fornecer foco ao olhar da platéia e de mostrar a verdade que ressoa por trás do texto. Pela significação dos espaços de representação, a compreensão da dramaturgia torna-se mais fácil. A eficácia da composição de uma cenografia é atingida quando o que o espectador vê é a tradução da criação, uma repercussão e ressonância de um sentimento, de uma ideia.

scenography: the writing of the stage space

With the object of study the scenography of the play "Amores Surdoswill be seen as the set design is the translation by the idea of image creation, containing and being conditioned by the formation history of the creative choices of the set designer, director and actors. The scenery becomes powerful visual image that supplements the words of the piece created with actors in space. The public, encouraged by the image of the part, acknowledges what happened in the theater as something of his life. This could be possible by choice of elements which express more than their own physical presence in place. The three-dimensional image on stage is not purely decorative. Every definition of space and arrangement of objects and their characteristics is intended to give focus to look at the audience and show the truth that resonates behind the text. For the significance of spaces of representation, understanding the drama becomes easier. The effectiveness of the composition of a set design is achieved when the viewer sees is the translation of creation, an impact and resonance of a feeling, an idea.
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COLLAÇO, Vera. Nas trilhas formativas da direção cênica como agente transformador. Florianópolis: Centro de Artes/Universidade do Estado de Santa Catarina - UDESC. Professora Associada com Dedicação Integral. Diretora.

RESUMO
O ensino de teatro nas Universidades brasileiras é um fato recente, e teve seus primeiros cursos localizados na Bahia, Rio Grande do Sul e São Paulo. As universidades de Porto Alegre e São Paulo foram as primeiras a oferecer cursos para a formação do diretor teatral. Até então o foco formativo se direcionava para o ator. Essa tendência se fez presente, no Brasil, desde 1857 quando João Caetano propôs a criação da primeira escola para preparar atores. Formar o diretor teatral significa gestar o pedagogo, a figura responsável pelas relações grupais e pela disseminação desse conhecimento. De maneira geral, percebe-se que cabe ao diretor fazer ecoar seu trabalho e expandir o campo de ação da prática teatral. Nessa comunicação pretende-se debater como se procedeu e se procede à formação do diretor nos estados brasileiros que não possuem essa habilitação em seus cursos superiores de teatro. Apontando para as redes que se estabelecem nos processos pedagógicos, e que ressoam e permitem a formação de futuros gestores da cena. Para as exposições explicativas adota-se como fonte o curso de teatro do Centro de Artes da UDESC.
PALAVRAS-CHAVE: Diretor; Ensino de direção; Circulação do conhecimento.

ABSTRACT
The teaching of theater in Brazilian universities is a recent fact, and had its first courses located in Bahia, Rio Grande of Sul and São Paulo. The universities of Porto Alegre and São Paulo were the first to offer courses for the formation of theater directors. Until then, the formative focus was directed for the actor. This trend was present in Brazil since 1857 when João Caetano proposed the creation of the first school to prepare actors. Forming the theater director means to gestate the pedagogue, the figure responsible for group relations and the dissemination of this knowledge. In general, one realizes that lies with the director to echo his work and to expand the sphere of action of the theater practice. In this communication we intend to discuss how it proceeded and proceeds to the training of directors in the Brazilian states that do not have this qualification in their higher education courses in theater. Pointing to the networks that are established in the pedagogical processes, and that resonate and allow the formation of future managers of the scene. For explanatory exhibition it is adopted as a source the theater course at the Center for the Arts of UDESC.
Keywords: Director; Teaching of direction; Circulation of knowledge.

 

 

CORONATO, Vívian de Camargo. É como ver sem ver: audiodescrição, acessibilidade e criação. Florianópolis: UDESC. Programa de Pós-Graduação em Teatro (PPGT), Doutorado, Vera Collaço. UDESC, PROMOP

audiodescrição: acessibilidade: deficiente visual: espetáculos teatrais: criação teatral.

Em um encontro cujo tema é Tempos de Memória este artigo aborda esquecidos. Pessoas que muitas vezes são deixadas de fora do pensar e dos espetáculos de artes cênicas em geral. Deste extenso grupo, que abarca pessoas com algum tipo deficiência, este texto trata de um recurso que torna espetáculos acessíveis a pessoas com deficiência visual, a audiodescrição. A audiodescrição consiste em uma tradução visual onde, através de um canal de áudio com transmissão via rádio ou infravermelho e fones de ouvido, é possível ouvir informações visuais essenciais e relevantes para a compreensão de uma obra. Além de ser um recurso que possibilita o usufruto do direito à informação, à cultura e ao lazer, ele é fundamental para que o espectador com deficiência visual realize uma análise do espetáculo, tenha domínio da linguagem teatral e torne-se um espectador emancipado no sentido cunhado por Rancière. O presente artigo aborda um panorama da questão da audiodescrição de espetáculos teatrais no contexto mundial, defende que este recurso é essencial para um espectador emancipado e, ainda, sugere que o estudo e análise desta tradução visual possa ser um elemento útil para a própria criação teatral.

audiodescripcion: accesibilidad: discapacidad visual: espectáculos teatrais: creación teatral

En una reunión cuyo tema es Tempos de Memória este artículo trata de los olvidados. Las personas que a menudo quedan fuera del pensar teatral y de los espectáculos de artes escénicas en general. A partir de este amplio grupo, que incluye a las personas con algún tipo discapacidad, este texto aborda un recurso que hace espectáculos accesibles a los discapacitados visuales, la audiodescripción. La audiodescripción consiste en una traducción visual en la que, a través de un canal de audio transmitido via radio o infrarrojo y auriculares se puede escuchar las informaciones que resulten esenciales y relevantes para la adecuada comprensión de la obra. Además de ser un recurso que permite el disfrute del derecho a la información, cultura y ocio, es fundamental para que el espectador con discapacidad visual haga una analise del espectáculo, tenga dominio de la lenguaje teatral y se torne emancipado en la concepción de Rancière . Este artículo incluye un resumen de la cuestión de la audiodescripción de espectáculos teatrales en el contexto mundial, defiende que este recurso es fundamental para un espectador emancipado y sugiere que el estudio y análisis de esta traducción visual.




DE PAULA, Leon. NO AR! – Os artistas de teatro no rádio. Florianópolis: Programa de Pós-Graduação em Teatro (PPGT-CEART). UDESC; Nível Doutorado; Vera Regina Martins Collaço. Bolsista CAPES/CNPq – PPGT CEART/UDESC, Nível Doutorado. Ator e diretor.

Teatro: Rádio: Procedimentos artísticos radiofônicos.

Este artigo tratará, destacando o rádio e o ambiente decorrente do seu surgimento, do trânsito realizado pelos artistas de teatro em direção a este novo meio de comunicação e a sua então nascente linguagem nas primeiras décadas do século XX; do manifesto sobre o rádio elaborado por Enzo Ferrieri e a resposta de Anton Bragaglia a esse mesmo manifesto; e da polivalência de artistas de teatro, tais como Oduvaldo Vianna, e seu desempenho no ambiente radiofônico brasileiro.

Theatre: Radio: How artistic radio.

This article will deal with, especially the radio and the environment arising from its inception, the traffic carried by theater artists toward this new medium and its nascent language in the first decades of the twentieth century, the manifesto on the radio designed by Enzo Ferrieri and Anton Bragaglia response to the same manifest, and the versatility of theater artists such as Oduvaldo Vianna, and their performance in the radio environment in Brazil.




DELDUQUE, Carolina. FABRINI, Verônica. Eugênio Kusnet e o Método da Análise Ativa: vestígios e atualizações do Sistema de Stanislavski para atores brasileiros. Campinas: Unicamp. Unicamp, mestrado, Verônica Fabrini. FAPESP, bolsista de mestrado. Atriz e pesquisadora.

Eugênio Kusnet: Análise Ativa: Trabalho do ator: Procedimentos de criação.

Este artigo é resultado parcial da pesquisa de mestrado em andamento “Rastros da tradição stanislavskiana: elementos para o trabalho de criação do ator”, que busca refletir sobre as repercussões e pertinências de procedimentos de criação derivados dessa tradição para o ator atual. No recorte abordado por esta reflexão, será rememorado o trabalho iniciado por Eugênio Kusnet com atores brasileiros nas décadas de 50 e 60, no que diz respeito a criação do ator a partir de um texto dramático, com a utilização do que nomeou de Método da Análise Ativa. Seus ensinamentos, ainda que fortemente influenciados pela tradição stanislavskiana, tiveram um modo de operar voltado para o ator brasileiro. Tendo como referência um conjunto de procedimentos que fizeram parte das últimas descobertas do mestre russo ainda em vida, no trabalho com os atores brasileiros, Kusnet acabou por criar procedimentos de criação próprios. Com o intuito de trazer a discussão para a prática do ator atual, serão abordadas experiências da atriz-pesquisadora em que o trabalho de criação foi inspirado por essa metodologia, seja como intérprete/perfomer, ou em oficinas ministradas.

Eugenio Kusnet: Active Analysis: Work Actor: Procedures creation.

This article is the partial result of the master's research in progress "Traces of Stanislavsky´s tradition: elements for the actor´s creative work," which seeks to reflect on the impact and pertinence of procedures for creating derivatives of this tradition to the actor today. In the analysis covered by this reflection, it will be recollected the work begun by Eugene Kusnet with Brazilian actors in the 50 and 60, regarding the creation of the actor from a dramatic text, using the method called Analysis active. His teachings, though heavily influenced by Stanislavsky´s tradition had a way of working toward the Brazilian actor. Taking as reference a set of procedures that were part of the latest findings, when the russian master was still alive, in working with Brazilian actors, Kusnet eventually created his own procedures. In order to bring the discussion to practice the actor's current experiments, we will comment on the work of the actress-researcher, as an interpreter / performer, or taught in workshops, in which the actor´s creative work was inspired by this methodology.
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DUTRA, Sandro de Cássio; RABETTI, Maria de Lourdes. A improvisação na memória do ator: histórias contadas por Nelson Xavier. Rio de Janeiro: UNIRIO. UNIRIO; doutorando; orientadora: Maria de Lourdes Rabetti. UNIRIO; professora aposentada; CNPq.

PALAVRAS-CHAVE: improvisação; Nelson Xavier; Teatro de Arena.

Este trabalho insere-se no âmbito de preocupações com noções de improvisação presentes no teatro brasileiro e, especificamente, com a noção presentificada na memória de depoimentos de atores. Tomamos como ponto de partida duas entrevistas com Nelson Xavier. Tanto a primeira, de 1984, concedida à professora Beti Rabetti, como a segunda, de 2011, concedida ao doutorando Sandro de Cássio, foram realizadas com fins acadêmicos. Se em ambas, o foco estava direcionado à participação de Nelson Xavier – em fins dos anos cinquenta – no Teatro de Arena, de São Paulo, a segunda voltou-se mais pontualmente para a questão da improvisação possivelmente ali experimentada. Nosso objetivo é analisar a noção de improvisação tal como aflora na memória de Nelson Xavier, a partir de seus dois depoimentos, levando em consideração os contextos em que foram realizados. Assim, as avaliações que o depoente explicitou nas entrevistas caracterizaram-se por serem, também, reavaliações, que o próprio tempo, somado às experiências vividas pelo ator, acabou por tecer no corpo da memória, tal como esta aflorou no momento de cada depoimento, presentificando o passado vivido.

KEYWORDS: improvisation; Nelson Xavier; Arena Theather.

This work is inserted in the ambit of preoccupations with the notions of improvisation in Brazilian theater, and particularly with the presentified notion in the memory of the actors’ testimonies. We take as starting point two interviews with Nelson Xavier. Both the first interview, in 1984, conceded to the Professor Beti Rabetti, and the second one, in 2011, conceded to the PhD student Sandro de Cássio, were carried out with academic purposes. If in both the focus was directed to the participation of Nelson Xavier – at the end of the fifties – in the Arena Theater, in São Paulo, the second focused specially on the question of improvisation, possibly experienced in that theater. Our objective is to analyze the notion of improvisation such as it emerges in Nelson Xavier’s memory, from two of his testimonies, taking into account the contexts in which they were carried out. Thus the evaluations that the interviewee explained in the interviews are characterized also by being reevaluations, which time itself, in addition to the actor’s experiences, has ended up weaving in the body of his memory, such as it emerged in the moment of each testimony, making present the past lived.




DUTRA, Sandro de Cássio; RABETTI, Maria de Lourdes. A improvisação na memória do ator: histórias contadas por Nelson Xavier. Rio de Janeiro: UNIRIO. UNIRIO; doutorando; orientadora: Maria de Lourdes Rabetti. UNIRIO; professora aposentada; CNPq.o

improvisação; Nelson Xavier; Teatro de Arena

Este trabalho insere-se no âmbito de preocupações com noções de improvisação presentes no teatro brasileiro e, especificamente, com a noção presentificada na memória de depoimentos de atores. Tomamos como ponto de partida duas entrevistas com Nelson Xavier. Tanto a primeira, de 1984, concedida à professora Beti Rabetti, como a segunda, de 2011, concedida ao doutorando Sandro de Cássio, foram realizadas com fins acadêmicos. Se em ambas, o foco estava direcionado à participação de Nelson Xavier – em fins dos anos cinquenta – no Teatro de Arena, de São Paulo, a segunda voltou-se mais pontualmente para a questão da improvisação possivelmente ali experimentada. Nosso objetivo é analisar a noção de improvisação tal como aflora na memória de Nelson Xavier, a partir de seus dois depoimentos, levando em consideração os contextos em que foram realizados. Assim, as avaliações que o depoente explicitou nas entrevistas caracterizaram-se por serem, também, reavaliações, que o próprio tempo, somado às experiências vividas pelo ator, acabou por tecer no corpo da memória, tal como esta aflorou no momento de cada depoimento, presentificando o passado vivido.

improvisation; Nelson Xavier; Arena Theather.

This work is inserted in the ambit of preocupations with the notions of improvisation in Brazilian theater, and particularly with the presentified notion in the memory of testimony of actors. We take as starting point two interviews with Nelson Xavier. Both the first, of 1984, conceded to the professor Beti Rabetti, and the second interview, of 2011, conceded to the PhD student Sandro de Cássio, were realized with academic purposes. If in both the focus was directed to the participation of Nelson Xavier – at the end of fifty years – in the Arena Theather of São Paulo, the second especially focused on the question of improvisation, possibly experienced in this theather. Our objective is to analyze the notion of improvisation such as it emerges in memory of Nelson Xavier, from two his testimonies, taking into account the contexts in which they were realized. So, the evaluations that the deponent explained in the interviews are caracterized also by being reevaluations, that the proper time added to the actor’s experiences, has ended by weaving in the body of memory, such as this memory emerged in the moment of each testimony, making present the lived past.
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GADELHA, Carmem. Memória e tragicidade. Rio de Janeiro: Escola de Comunicação/Universidade Federal do Rio de Janeiro; Professor Associado; Dedicação Exclusiva.

PALAVRAS-CHAVE: Tragicidade. Política. Memória. História.

"RESUMO
Esta proposta dá sequência a trabalhos anteriormente apresentados à ABRACE e indaga sobre o trágico na sociedade contemporânea e na cena teatral. Agora será abordada a memória: sua relação com os mitos e a política no interior do conflito trágico, tomados os gregos como modelo lógico. Na modernidade, a perda de vigor dos mitos insere a memória no terreno do psiquismo e da subjetividade; ao mesmo tempo, surgem confrontos com a História. É necessário observar desempenhos relacionados a tempo e espaço, para compreender novas inscrições do trágico no capitalismo pós-moderno. Superado o fordismo e posta em crise a noção de “povo”, há que buscar analogias entre a categoria de “multidão” e o sujeito coletivo que faz corresponder o esvaziamento da idéia de personagem à não-ação (situação, narratividade) teatral. Na relação memória/história, as preocupações recaem sobre as novas condições de linguagem de um teatro político. Pequenos estudos de caso atuam como pontos de localização de indicadores. A pesquisa é dramatúrgica e de observação de espetáculos, além da leitura e elaboração de material teórico. O estudo encontra-se em andamento e os resultados são parciais."

KEYWORDS: Tragedy. Policy. Memory. History.

"ABSTRACT
This proposal is a response to papers previously filed to ABRACE and inquires about the tragic in contemporary society and in the theater scene. Now the memory is discussed: its relation with the myths and politics within the tragic conflict, taken the Greeks as the logical model. In modernity, the loss of force of myth puts memory in field of the psyche and subjectivity; at the same time, there are clashes with history. It should be noted performances related to space and time, to understand new enrollments of tragic in post-modern capitalism. After the overcome of Fordism and the crisis of notion of ""people"", we have to seek analogies between the category of ""multitude"" and the collective subject that matches the emptying of the idea of character and the non-action (situation, narrative) in theater. In relation memory / history, the concerns fall on the new conditions of political theater language. Small case studies serve as location of indicators. The search has a dramaturgical and observation of spectacles proposal, besides reading and elaboration of theoretical material. The study is ongoing and the results are partial."




GUILARDUCI, Cláudio. Teatro de Revista: história e memória. São João del-Rei: UFSJ. UFSJ; Professor Adjunto.

Teatro de Revista: Memória: História

"GUILARDUCI, Cláudio. Teatro de Revista: história e memória. São João del-Rei: UFSJ. UFSJ; Professor Adjunto.
RESUMO
Discussões realizadas por diferentes teóricos indicam a característica híbrida das peças de Teatro de Revista (ROCHA JÚNIOR, 2002) a partir de cinco traços – (i) coexistência de diferentes elementos culturais, (ii) reunião alegre de todos os personagens ao final das peças convivendo dentro de suas diferenças, (iii) retrato dos acontecimentos ocorridos no espaço urbano (SUSSEKIND, 1986), (iv) polissemia da cena revisteira com uma multiplicidade de olhares (MENCARELLI, 1999) e (v) opção temática pela pátria e pelo carnaval (VENEZIANO, 1996). Essa característica híbrida permite pensar as peças de teatro de revista como um documento histórico que, ao serem desvelados seus cacos, registros e vestígios, propicia uma interpretação do passado. Obviamente, devido às suas especificidades, um documento fragmentado e incompleto. A presente comunicação tem por objetivo problematizar essa prova documental a partir dos conceitos Memória e Identidade que podem ser traduzidos como campos temáticos de pesquisa da História Cultural."

Theatre magazine: Memory: History

"GUILARDUCI, Cláudio. Theatre Magazine: history and memory. São João del-Rei: UFSJ. UFSJ; Adjunct Professor.
ABSTRACT
Discussions held by different theorists show the hybrid characteristic of “Teatro de Revista” plays (ROCHA JÚNIOR, 2002) from five features – (i) coexistence of different cultural elements, (ii) joyful gathering of all characters at the end of the plays - living within their differences, (iii) portrayal of events which take place in urban areas (SUSSEKIND, 1986) , (iv) polysemy of the teather magazine press scene with a multiplicity of perspectives (MENCARELLI, 1999) and (v) thematic choice for the homeland and for the carnival (VENEZIANO, 1996) . Such hybrid characteristic allows thinking of “Teatro de Revista” plays as a historical document which, having its pieces, records and traces unveiled, provides an interpretation of the past. Obviously, due to its singularities, it constitutes a fragmented and incomplete document. This communication aims to discuss the documentary evidence from the Memory and Identity concept which may be rendered as thematic field of survey of Cultural History."
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LIMA, Fátima Costa de. Cenografia censurada: as alegorias proibidas do carnavalesco Joãosinho Trinta. Florianópolis: PPGT-UDESC. Cenógrafa, figurinista e atriz.

Joãosinho Trinta: cenografia: alegoria: proibição: política.

Breve trajetória da produção carnavalesca do artista Joãosinho Trinta (1922-2011) coloca em foco seus carros alegóricos proibidas nos desfiles das escolas de samba do Grupo Especial (Rio de Janeiro, Brasil): as alegorias do Cristo Mendigo (Beija-Flor, 1989) e do Kama Sutra (Grande Rio, 2004). O referencial teórico destaca os conceitos de “alegoria” de Walter Benjamin (1982-1940) com o intuito de transitar da noção barroca para a moderna; e de “profanação”, de Giorgio Agamben como a operação que devolve ao uso humano aquilo que foi consagrado ao divino. O objetivo do artigo é desdobrar as censuras jurídicas e eclesiásticas em considerações políticas sobre a cenografia carnavalesca.

Joãosinho Trinta: cenography: allegory: prohibition: art politics.

A brief trajectory of Joãosinho Trinta’s (1922-2011) carnival work put on focus his prohibited allegorical cars in Special Group of Samba Schools Championship (Rio de Janeiro, Brazil): Cristo Mendigo (Beija-Flor, 1989) and Kama Sutra (Grande Rio, 2004) allegories. The theoretical references put on relief Walter Benjamin’s (1982-1940) “allegory” in order to transit from its baroque to modern notion; and Giorgio Agamben “profanation” as a concept to think the give back to human beings of what was consecrated to the Holy. The article aims to unfold the juridical and ecclesiastical censures in political considerations about carnival cenography.




"LIRIO, Gabriela. Entre imagens e dispositivos: novas cartografias da cena. Rio de Janeiro: Direção Teatral/ECO,UFRJ. Prof. Adjunto. 
Pesquisa: A teatralidade cinematográfica e o uso de novos dispositivos na produção de imagens (CNPQ/FAPERJ)."

História, ator, dispositivos

O estudo pretende investigar as relações entre o ator e os novos dispositivos audiovisuais na cena contemporânea, a partir de uma abordagem histórica que tem o seu começo nas primeiras experiências do século XIX e início do século XX (Craig, Piscator, Meyerhold) à inserção de novas tecnologias na cena atual (Lepage, Wooster Group, Bob Wilson). Faz-se necessário, sobretudo, ampliar o campo de discussão com o objetivo de refletir sobre as possibilidades de articulação entre as artes cênicas e as demais artes. Nesse sentido, a noção de dispositivo é problematizada com o intuito de pesquisar as crescentes transferências tecnológicas entre mídias diversas. A hipótese é de que esta nova “cartografia”, cuja riqueza reside na sua complexidade e nas diferenças que a compõem, aponta para um hibridismo artístico em que fronteiras, antes demarcadas, cedem lugar a cenas e modos de criação cada vez mais plurais e fragmentários.

Histoire, acteur, dispositifs

Cette étude vise à étudier la relation entre l'acteur et les nouveaux dispositifs audiovisuels dans la scène contemporaine, à partir d'une approche historique qui a ses débuts dans les premières expériences de la dix-neuvième siècle et au début du vingtième (Craig, Piscator, Meyerhold) jusqu’à l'insertion de nouvelles technologies dans la scène actuelle (Lepage, Wooster Group, Bob Wilson). Initialement, il est nécessaire d'élargir le champ de la discussion afin de réfléchir aux possibilités de l’articulation du théâtre avec les autres arts. En ce sens, la notion de dispositif est analysé afin d'étudier la croissance transfert de technologie entre les différents médias. L'hypothèse est que cette nouvelle «cartographie», dont la richesse réside dans sa complexité et ses différences , désigne un hybridisme artistique dont les frontières, avant démarquées, sont remplacés pour des scènes et des créations de plus en plus plurielles et fragmentaires .




MACIEL GUIMARAES, Pedro. Helena Ignez : ator-autor entre a histeria e a pose, o satélite e a sedução. São Paulo : Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Pós-doutorando ECA-USP. Supervisão : Ismail Xavier. Fapesp (Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo).

poéticas da colaboração; atores de cinema; estética do cinema; cinema marginal; história do cinema brasileiro.

A obra de um ator de cinema, da mesma maneira que a obra de um diretor-autor, pressupõe a utilização e repetição de constantes formais e temáticas, assim como o estabelecimento de relações de proximidade com colaboradores de criação. A atriz Helena Ignez utiliza de “orientações essenciais de interpretação”, segundo a fórmula analisada por Luc Moullet, para singularizar seu aparecimento na obra de diferentes cineastas identificadas. Essas figuras essenciais, que Helena Ignez vai repetir e modelar de filme a filme, podem ser identificadas como o “satélite”, a “histeria”, a “pose” e a “sedução” e colocam a questão da imobilidade do corpo do ator e das relações extrafílmicas entre ator e diretor. Ignez se torna uma verdadeira “atriz-autora”, conceito criado por Patrick McGilligan, quando colabora com o cineasta que foi seu companheiro, Rogério Sganzerla. Assim, ela é capaz de definir e orientar não somente a criação de um personagem ficcional, mas também a organização formal de planos, sequências e até de filmes inteiros, tornando-se coautora dos processos coletivos audiovisuais, sobretudo os filmes da época Belair, em que atua.

poétiques de la collaboration ; acteurs de cinéma ; esthétique du cinéma, cinéma marginal ; histoire du cinéma brésilien.

: Tout comme l’œuvre d’un auteur-réalisateur, celle d’un acteur de cinéma présuppose l’utilisation et la répétition de constantes formelles et thématiques, tout autant que l’établissement de relations de proximité avec des collaborateurs de création. L’actrice Helena Ignez utilise des « orientations essentielles de jeu », selon la formule de Luc Moullet, pour singulariser ses performances dans l’œuvre de plusieurs cinéastes. Ces figures essentielles peuvent être identifiées comme le « satellite », « l’hystérie », la « pose » et la « séduction » et mettent la question de l’immobilité de l’acteur au centre du jeu, ainsi que celle des relations extrafilmiques entre acteur et réalisateur. Ignez devient alors un « acteur-auteur », selon le concept créé par Patrick McGilligan, lorsqu’elle collabore avec le cinéaste que fut aussi son compagnon, Rogério Sganzerla. Ainsi, elle est capable de définir et orienter non seulement la création d’un personnage de fiction mais aussi l’organisation formelle de plans, séquences et même de films dans sa totalité, et devient l’auteur des processus créatifs collectifs auxquels elle participe, notamment les films de l’époque Belair.




MARTINS, Laédio José. A Continuidade do Pensamento de Stanislávski. Florianópolis:UDESC. Mestrado; José Ronaldo Faleiro.

Análise Ativa: Stanislávski:Encenadores Russos.

O artigo discorre sobre a transmissão dos ensinamentos de Constantin Stanislávski (1863-1938) através do trabalho de seus discípulos diretos, EvgueniBogratiónovichVakhtângov (1833-1922), VassiliOsipovitchToporkov (1889-1970), Nikolai Mikhailovich Gorchakov (1898-1958), Maria OsípovnaKnébel (1898–1985) e GueorguiTosvtonógov (1913-1988). Seu conteúdo é parte integrante da pesquisa de mestrado desenvolvida na UDESC/Florianópolis - SC entre os anos de 2008-2011, e aponta as principais frentes de trabalho que seguiram esses discípulos do mestre russo e de que forma cada um adaptou o ‘sistema’ a seu modo particular. O ponto de vista de cada um destes homens de teatro é observado em virtude de suas abordagens do trabalho de Stanislávski, mais precisamente sobre o desenvolvimento e continuidade do Método da Análise Ativa, tema central da dissertaçãoda qual a pesquisa faz parte.

Active Analysis: Stanislavsky: RussianDirectors.

The paper discusses the transmission of the Konstantin Stanislavsky’s(1863-1938) teachings through the work of his direct disciples, Evgueni Bogratiónovich Vakhtangov (1833-1922), Vassili Osipovitch Toporkov (1889-1970), Nikolai Mikhailovich Gorchakov (1898-1958) Mary Osípovna Knebel (1898-1985) and Georgy Tosvtonógov (1913-1988). Its content is part of the Master’s Degree research developed at UDESC/Florianópolis – SC between the years 2008-2011, and outlines the main areas of work that followed these disciples of the Russian master and how each has adapted the 'system' in its own particular way. The view point of each these theater’s men is observed as a result of their approaches to the Stanislavsky’s work, specifically on the development and continuity of the Active Analysis Method, a central theme of the dissertation which belongs the research.




MIRANDA, Cássia. Construção da memória do fazer teatral operário através dos periódicos: possibilidades e limitações. Florianópolis: Centro de Artes/Universidade do Estado de Santa Catarina - UDESC; PPGT; Mestrado em Teatro; orientadora Vera Collaço; bolsa PROMOP-UDESC.

Teatro operário; Memória teatral; Fontes documentais.

O trabalho trata de como o advento da Histórica Cultural influenciou no estudo do movimento operário; mais especificamente, para a construção da memória teatral do movimento operário brasileiro. Para tal, é utilizada a historiografia sobre o tema relacionada com a pesquisa em andamento - referente ao Teatro Operário em Pelotas, na década de 1910. O texto destaca o resgate das fontes documentais no formato de periódicos bem como a forma como podem e devem ser utilizadas a fim de contribuir para o resgate do fazer teatral operário, de cunho anarquista. Essas informações são obtidas através da análise de notícias, relacionadas ao panorama do período já obtido por pesquisadores que se empenharam, anteriormente, em se debruçar sobre tão rico tema. As fontes relacionadas a essa temática ainda estão em processo de análise. Mas se percebe uma carência de fontes sobre o teatro operário, no início do século XX. Isso se dá, principalmente pela distância temporal do objeto e pelo fato de ter sido esse tipo de pesquisa considerada inadequada pelos pesquisadores e só ter sido resgatada após a década de 1970.

Worker’s theatre; Memory of the theater; Documental sources.

This article discusses how the Cultural Historic advent has an important influence in labor movement studies, specifically for the construction of their memory in theater of the Brazilian labor movement. To build this, a historiographical reference is used and related to the research in process - referring to the Worker’s Theatre in Pelotas, in the 1910s. The text put in relief the redemption of documentary sources by newspapers and how they can and should be used to contribute to rescue the worker’s theater way of doing theatre, with anarchist inclination. This information come through the analysis of news related to the panorama of the historical period already obtained by researchers who had work previously in this rich theme. The sources related to this theme are still under review. But there is a lack of sources in worker’s theater, in the early twentieth century. This happens because there is a temporal distance of the object and this kind of research was considered as inadequate by researchers and was only rescued after the 1970s.




MONTEIRO, Cássia Maria F. Corpo, cor, matéria e espaço: dos Parangolés de Hélio Oiticica ao figurino cênico. Rio de Janeiro: UNIRIO. Setor de Cenografia da EBA-UFRJ; Professora Assistente. PPGAC-UNIRIO; Doutorado; Evelyn Furquim Werneck Lima. Cenógrafa e Figurinista.

Parangolés: Figurino: Arte Ambiental: Artes Cênicas

Este paper pretende relacionar as obras Parangolés de Hélio Oiticica e o figurino nas atividades cênicas. O estudo põe em relevo a exaltação sensorial e como esta toma força na Arte Ambiental. Embora uma das principais questões não seja considerada no âmbito da utilização dos figurinos - a literal participação do espectador; outra precede e elucida tal conexão: a obra não assume o corpo como seu suporte, mas o torna elemento fundamental para sua existência. As capas, como os figurinos, não encerram sua função como objetos; se consolidam graças sua utilização e cumprem sua função quando abrigam um corpo em movimento. Interessa perceber como o elemento música - samba carioca e o rock novayorkino, em associação à dança e ao movimento, reverbera na plasticidade sob a fluidez no espaço, a dinâmica e sua efemeridade. Realocando a mancha do pincel do pintor, a obra realça que sua existência é condicionada pela coexistência inseparável entre corpo, dança e estrutura. À luz de OITICICA(1986), FAVARETTO(1992), CARLSON(2009), PAVIS(2003); o estudo aponta à consciência desses fatores para a eficiência estética do figurino em uma atividade cênica - dança, teatro ou de performance.

Parangolés: Costume: Environmental Art: Scenic Arts

This work intends to relate Parangolés of Hélio Oiticica and costume on the scenic activities. The study highlights the sensory exaltation and how it gains force on Environmental Art. Although one of the main issues is not considered by the costume utilization - the literal participation of the spectator, another precede and elucidate such conection: the work does not assume the body as its support, but makes it a fundamental element of its existence. The capes, as well as the costumes, do not close their function as objetcs; they consolidate themselves thanks to its utilization and meet their function when they encompass a body in movement. The music element -carioca's samba and rock from New York, associated with dance and movement, reverberate on the plasticity under the space's fluidity, dynamics and frailty. Reallocating the painter's splotch, the work underlines that its existence is conditioned by the inserepable coexistence of body, dance and structure. Considering OITICICA(1986), FAVARETTO(1992), CARLSON(2009), PAVIS(2003), the study points to the conscience of these factors to the costume's aesthetical efficiency in a scenic activities: dance, theater and performance art.




MOREIRA, Carina Maria Guimarães. A política dos grupos: processos de “enraizamento” ou como equacionar as contradições cotidianas. Rio de Janeiro: UNIRIO. Doutoranda; orientadora Beatriz Vieira de Resende. Bolsista FAPERJ. Diretora Teatral.

Teatro de Grupo: Desenraizamento: Estética e dimensão política.

Falaremos sobre algo que batizei de “Processos de enraizamento”, como tentativas de contra corrente aos processos históricos de desenraizamento empreendidos pelo capitalismo, estudados e nomeado por Simone Weill, que percebemos em alguns trabalhos atuais de grupos teatrais de São Paulo. Tomando a “Cia. São Jorge de Variedades” como base para a discussão, pretendo explorar aqui o seguinte fenômeno: ao se instalar em determinados local quanto do trabalho, ou seja, do resultado formal e estético apresentado pelo grupo pode ser contaminado pela realidade local, compreendida como as relações sociais ali pulsantes, e, a título de norteamento, quais as consequências estético/políticas disto?

Theater groups: Rootlessness: Esthetics and political dimension.

We are going to speak about something that I baptized as “Rooting Process”, as a way to fight against those rootlessness historical processes made by capitalism - studied and named by Sinome Weill - which were noticed in some current plays by theater groups of São Paulo. Taking the “Cia. São Jorge de Variedades” as a base for discussion, we intend to explore here is how much of the work, i.e. the formal and esthetic result, showed by the group can be contaminated by its local reality, seen as its social relationships established there. And as something to guide us, what are the esthetic and political consequences of that?




NECKEL, Inajá. Titulo. Chapecó: Universidade Comunitária da Região de Chapecó – UNOCHAPECÓ. Unochapecó; Técnico de Extensão – Diretora de Teatro.

Pedagogia teatral: Prática laboratorial: K. Stanislávski: Estúdio de Ópera Bolshói: Condição Criadora.

Os estúdios e a constituição de uma prática laboratorial no trabalho de Stanislávski é o tema central da presente pesquisa. A partir da análise do trabalho desenvolvido pelo encenador no Estúdio de Ópera Bolshói será apresentada a abordagem dada pelo encenador ao seu tema de pesquisa constante, ou seja, a condição criadora neste espaço de pesquisa e experimentação teatral. Para isso, tomou-se como ponto de partida um direcionamento do olhar aos movimentos próprios do estabelecidos pelo mestre russo junto aos atores-cantores daquele estúdio. A partir desse percurso que os atores-cantores realizaram junto ao mestre russo, acredita-se possível estabelecer um aprofundamento nas pesquisas sobre a dimensão que antecede e transcende o espetáculo no trabalho de K. Stanislávski.

Theatrical pedagogy: laboratorial Practices: K. Stanislavsky: Bolshoi’S Opera Studio: Creative Condition.

The studios and the establishment of a laboratory practice in the work of Stanislavski is the central theme of this research. From the analysis of the work of the director in the Bolshoi Opera Studio will be presented with the approach given by the director to his constant research topic, in other words, the condition in the creative area of research and experimental theater. For this, we took as a starting point to look at the direction of the proper motions established by the Russian master with the actors-singers from that studio. From this route that the actor-singers performed with the Russian master, it is believed possible to establish a deeper research on the dimension that precedes and transcends the show in the work of K. Stanislavski.




NOSELLA, Berilo Luigi Deiró. Metateatralidade, inacabamento, história e dramaturgia: possíveis conclusões de uma pesquisa. Rio de Janeiro: UNIRIO. UFOP; Professor Adjunto. Iluminador Cênico.

Metateatralidade: Dramaturgia e história: Formação cultural: Luigi Pirandello: Jorge Andrade.

A presente comunicação configura-se como uma apresentação dos resultados finais do doutorado intitulado “Luigi Pirandello e Jorge Andrade entre o texto e a cena: a metateatralidade como espelho de nossa formação estético cultural moderna”, defendido em 2011, sob orientação da Profa. Dra. Beti Rabetti e com apoios do CNPq e CAPES. Selecionou-se partes das análises dramatúrgicas das obras metateatrais de Luigi Pirandello e Jorge Andrade, previstas na pesquisa. A proposta de análise assumiu a pertinência da (inter)relação dramaturgia e história buscando-se internamente nas obras seus elementos históricos e políticos externos. Para tal, a análise fundou-se na hipótese de que a metateatralidade das obras em questão abarca em si um inacabamento que é, na verdade, um ato histórico e político.

Metatheatricality: Dramaturgy and history: Cultural Formation: Luigi Pirandello: Jorge Andrade.

This communication sets out as a presentation of the final results of the doctorate untitled “Luigi Pirandello and Jorge Andrade between the text and the scene: the metatheatricality as a mirror of our modern cultural esthetic formation” defended in 2011, oriented by Professor PhD Beti Rabetti with the support of CNPq and CAPES. Parts of dramaturgical analyses of the metatheatricality works of Luigi Pirandello and Jorge Andrade were selected for this work. The proposal of the analyses was took over by the need of the (inter)relationship dramaturgy-history seeking internally, external historic and politic elements. For so, the analyses founded in the hypothesis that the metatheatricality of the works at issue have in themselves an unfinished state, which in fact is an historic and political act.




OLIVEIRA, Alexandra Marinho de. Teatro e fotografia – diálogos brechtianos. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). Mestrado em Artes Visuais da Escola de Belas Artes da UFRJ; Ângela Leite Lopes e Wolfgang Bock.

teatro: fotografia: Bertolt Brecht

A partir da experiência brechtiana este artigo reflete sobre a importância do diálogo criativo entre teatro e fotografia na cena teatral. Além de Bertolt Brecht, cuja produção está intrinsicamente ligada à fotografia, seus comentadores e interlocutores tornam-se essenciais nesta reflexão, em especial Ruth Berlau, fotógrafa do Berliner Ensemble. As principais obras brechtianas presentes nesta pesquisa são: os Diários de Trabalho (Arbeitsjournal), Trabalho de Teatro (Theaterarbeit), Abecedário da Guerra (Kriegsfiebel) e os Cadernos de Encenação (Modellbücher). Walter Benjamin discute o advento da fotografia como obra de arte em Pequena História da Fotografia e em diversos escritos do diálogo com Brecht em Conversas em Svendborg. Georges Didi-Huberman, em Cuando las imágenes toman posición, nos fala da função política primordial das imagens e de como elas exercem enorme influência em nossa postura crítica. Roland Barthes em seus Escritos sobre Teatro analisa criticamente as fotografias de Roger Pic, tiradas de apresentações do Berliner Ensemble em Paris.

theater: photography: Bertolt Brecht

From Brecht´s experience this article reflects on the importance of the creative dialogue between theater and photography in the theatrical scene. In addition to Bertolt Brecht, whose production is intrinsically linked to the photography, his commentators and interlocutors become essential in this reflection, in particular Ruth Berlau, Berliner Ensemble´s photographer. The main brechtian works present in this research are: Arbeitsjounal, Theaterarbeit, Kriegsfiebel and Modellbücher. Walter Benjamin discusses the advent of photography as a work of art in Small history of photography and in various writings from dialogues with Brecht in Conversations in Svendborg. Georges Didi-Huberman, in Quand les images prennent position, tells us about primordial political function of images and how they perform huge influence in our critical attitude. Roland Barthes in his Écrits sur le Théâtre critically analyses Roger Pic photographs, taken in Parisian presentations of Berliner Ensemble.




PAIVA, Ana Carolina. Investigação sobre as Duplas Cômicas no Universo Popular. Uberlândia: UFU; professor e pesquisador; atriz e dramaturga.

cômico, dupla, popular.

"Ração e Vassoura, personagens marcados pela comicidade levam o público a desfrutar de situações hilariantes, causando-lhes alívio em meio àquelas terríveis catástrofes marítimas presentes no Auto da Nau Catarineta.
Da Península Ibérica aportaram em nossa terra, via cordel, textos com fortes marcas da espetacularidade oral. Aqui chegaram imbuídos da estética barroca e seus elementos religiosos e moralizantes, impressos em espetáculos festivos, marcados por forte sensualidade e visualidade que destacavam da liturgia religiosa o espírito cômico.
Diversos personagens cômicos presentes nos espetáculos populares brasileiros descendem do antigo teatro popular e profano bem como das criações populares do Medievo, do Renascimento e da Commedia dell'Arte. 
Algumas semelhanças aproximam ao mesmo tempo os personagens das Farsas Atelanas, dos espetáculos populares do Medievo e do Renascimento, da Commedia dell’Arte e do Auto da Nau Catarineta. São tipos fixos, sem psicologia, se movimentam de modo improvisado e falam diretamente à plateia. Porém sua característica comum mais marcante é a relação de dupla: Maccus e Buccus, Arlequim e Briguella, Ração e Vassoura, Mateus e Birico."

comic, comedy duo, popular

"Ration and Broom, characters markedly comical, lead the public to enjoy hilarious situations bringing them relief amidst all those terrible maritime catastrophes present in the Auto da Nau Catarineta.
Texts with strong marks of oral spectacularity, via pamphlet literature, arrived from the Iberian Peninsula. They came imbued with baroque aesthetics and their religious and moralizing elements are impressed on festive spectacles marked by strong sensuality and visuality, thereby making the comic spirit stand out from religious liturgy.
Several comic characters present in popular Brazilian spectacles are descended from the old popular theatre as well as from the popular creations of the Middle Ages, Renaissance and Commedia dell’Arte.
Some similarities bring near the characters of the Atelan Farces, the popular spectacles of the Middle Ages and the Renaissance, the Commedia dell’Arte and the Auto da Nau Catarineta at the same time. They are fixed types, with no psychology, a great part of their movements is made in an improvised way and they talk directly to the audience. However, their most marked common characteristic is the two element relationship: Maccus and Buccus, Arlequin and Briguella, Ration and Broom, Mateus and Birico."




PARANHOS, Kátia Rodrigues. Os grupos Opinião e Teatro Moderno de Lisboa: o fazer teatral no Brasil e em Portugal na década de 1960. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia. Instituto de História da Universidade Federal de Uberlândia; Professora Associada

Grupo Opinião; Teatro Moderno de Lisboa; teatro engajado; arte

"RESUMO
Teatro social e teatro engajado são denominações que ganharam corpo em meio a um vivo debate que atravessou o final do século XIX e se consolidou no século XX. Seu ponto de inflexão estava na tessitura das relações entre teatro e política ou mesmo entre teatro e propaganda. Este trabalho aborda os sentidos de resistência e contestação político-cultural dos grupos Opinião e Teatro Moderno de Lisboa, levando em consideração os discursos produzidos sobre os seus processos coletivos de criação, pesquisa teórica e intervenção social."

Grupo Opinião; Teatro Moderno de Lisboa; engaged theater; art.

"ABSTRACT
Social theater and engaged theater are denominations that took shape in the midst of a hot debate throughout the end of the 19th century having been consolidated in the 20th century. Their novelty rested on the relationship they have established between theater and politics or even between theater and propaganda. This work approaches the meanings of resistance and political-cultural contestation of the groups Opinião and Teatro Moderno de Lisboa while taking into account the discourses produced on their collective processes of creation, theoretical research and social intervention."




PEDREIRA, Juliana. (Juliana Pedreira de Freitas). A tecnologia teatral como resgate da memória da cena. São Paulo: ECA/USP. Escola de Comunicações e Artes – Universidade de São Paulo; Doutorando; orientação Ana Maria de Abreu Amaral. Fapesp; bolsa Doutorado.

tecnologia teatral; história do teatro; William Shakespeare.

Pretende-se aqui abrir uma discussão sobre as tecnologias de uma determinada época e a sua relação com a produção na cena teatral. É pertinente criar-se uma reverberação entre os avanços tecnológicos da sociedade e mudanças nos conceitos de encenação. As invenções da mecânica nas realizações cenográficas, a eletricidade nos conceitos de iluminação, o cinema nas teorias de cineficação (inicialmente visualizadas por V. Meyerhold) e as mídias digitais no teatro contemporâneo. A partir desta constatação, a intenção aqui é traçar um breve histórico do teatro ocidental através da sua relação com as novas tecnologias, visando frisar alguns dos recursos técnicos de palco e da estrutura do edifício teatral, tais como: maquinaria cênica (os recursos mecânicos); concepções cenográficas: (bidimensional, tridimensional e virtual); técnicas de iluminação (fogo, gás, eletricidade); efeitos especiais (técnicas ilusionistas) e técnicas de sonoplastia. Para tal utilizar-se-á como fio condutor o espetáculo “A Tempestade” de William Shakespeare desde a sua encenação no século XVI, na Inglaterra elisabetana, até os dias atuais com Lemieux-Pilon.

theater technology, theater history, William Shakespeare.

The intention here is to open a discussion on the technologies of a particular period and its relationship with the production on the theatrical scene. It is pertinent to creating a reverberation between the technological advances of society and changes in the concepts of staging. The mechanical inventions of the achievements scenographic, electricity in lighting concepts, the theories of film in theater (initially visualized by V. Meyerhold) and the digital media in contemporary theater. On this basis, the intention here is to trace a brief history of Western theater through its relationship with new technologies in order to emphasize some of the technical resources of stage and theater building, such as scenic machinery (mechanical features) ; scenographic concepts: (two-dimensional, three-dimensional and virtual); lighting techniques (fire, gas, electricity), special effects (technical illusionists) and sound design techniques. For this use will be as a guideline the play "The Tempest" by William Shakespeare since its enactment in the sixteenth century, in Elizabethan England, until the present day with Lemieux-Pilon.




SAMPAIO, José Roberto Santos. A maquiagem nas formas espetaculares. Salvador: UFBA. PPGAC/UFBA, Doutorando, Ewlad Hackler. Não bolsista. Ator, diretor, figurinista e maquiador.

Maquiagem: máscara:encenação: teatro: história. 

O trabalho que pretende ser apresentado trata-se de um breve panorama de momentos da história do teatro em que a maquiagem e ou a máscara foram um elemento preponderante, assumindo um protagonismo na encenação: O teatro grego, a farsa atelana, a commédia dell'arte, o teatro expressionista, por exemplo. Este trabalho propõe apresentar também as mudanças em que a maquiagem precisou fazer para se adequar aos espaços, épocas e o surgimento das tecnologias como o advento da invenção da lâmpada elétrica.

Maquillage: le masque: scène: le théâtre: l'histoire.

Le travail, il est un bref panorama des moments de l'histoire du théâtre où le maquillage et / ou le masque était un élément preponderant, en assumant comme un protagoniste dans la scène: le théâtre grec, la farce atelana, la commedia dell'arte, le théâtre expressionniste, par exemple. En outre, le présent document se propose de présenter les modifications que le maquillage faites pour répondre à des espaces, des temps et l'émergence de technologies, comme l'avènement de l'invention de l'ampoule.

 

SANTOS, Sarah Monteath dos. Panorama do ensino-aprendizado de clown: das Escolas de Circo às mulheres palhaças. São Paulo: Universidade Estadual Paulista Júlio de Mesquita Filho – UNESP; Capes; Mestrado em curso; orientadora: Ermínia Silva.

Mulheres Palhaças. Palhaço. Artes circenses.

O presente trabalho visa entender como ocorreu o processo de construção histórica da personagem palhaça. A produção da memória circense denominada “tradicional” sobre a presença de mulheres palhaças nos espetáculos é quase inexistente. Entretanto, a partir do início da segunda metade do século XX, por diversos movimentos que serão investigados, há a constituição de mulheres palhaças. Com o intuito de investigar como ocorreu este processo, a pesquisa se vale- nesta fase inicial- de uma abordagem teórica. Observando o panorama da Revolução Cultural Russa, ocorrida na década de 1920, encontramos algumas pistas que podem contribuir para uma melhor compreensao desta construção. Naquele contexto vislumbrou-se, tanto uma valorização social e política da personagem palhaço, quanto uma maior participaçao feminina nos campos de trabalho antes destinados aos homens, inclusive, no que se refere ao meio artístico. Sendo a personagem palhaço um campo tradicionalmente masculino, investigou-se a existência de alguma possível menção à atuação feminina nas artes da palhaçaria. A ausência desta menção nos levou a rever o conceito de femininsmo, e entender sua importância para a construção da palhaça.

Mots Clès : Femmes Clowns. Clown. Arts de la piste.

La présente recherche veut faire comprendre le développement historique des femmes clowns. Dans les arts de la piste, la production appelée "traditionnelle" vers le rôle des femmes au cirque est presque absent. Toutefois, dans le début de la deuxième moitié du XXeme siècle, parmi les divers mouvements que seront étudiés, il y a eu des femmes clowns. Afin d'étudier la façon dont ce déroulement a eu lieu- la recherche a, chez ce moment-ci, une approche théorique. En regardant le contexte de la Révolution Culturelle en Russie dans les années 1920, on trouve quelques indices qui peuvent contribuer à une meilleure compréhension de cette construction. On sait que dans ce contexte on a donné une valeur sociale et politique au clown et aussi la participation des femmes aux champs de travaux traditionnellement connus comme masculins, y compris, surtout l'artistique. En étant le clown un champ traditionnellement masculin, on a étudié à ce moment-ci, s'il n'y avait aucune mention du rôle féminin aux arts de la piste. L'absence de cette mention, c'est une conclusion à réexaminer la dimension du concept féministe et réaliser l'importance de cette notion dans le développement des femmes clowns.




SCANDOLARA, Camilo. Evguiêni Vakhtângov nos estúdios do Teatro de Arte de Moscou. Londrina: Universidade Estadual de Londrina – UEL. Professor Assistente.

Vakhtângov: tradição teatral: estúdios

Esta comunicação analisa aspectos do trabalho de Evguiêni Vakhtângov nos estúdios do Teatro de Arte de Moscou, principalmente no que concerne ao surgimento e à consolidação das noções de diretor-pedagogo e de estúdio/laboratório teatral. Desde seu ingresso no TAM Vakhtângov destacou-se por sua inclinação pedagógica e foi um dos principais colaboradores de Stanislávski na exploração e aprofundamento do seu “sistema” articulando os ensinamentos de Stanislávski e Sulerjítski dentro de poéticas cênicas particulares e profundamente diferenciadas. Vakhtângov foi um diretor-pedagogo no mais evidente sentido do termo: suas encenações resultam de processos formativos realizados com atores-aprendizes; suas preocupações estão prioritariamente voltadas aos processos. Aprofundou e experimentou o “sistema” não o encarando como um restritivo impositor de uma poética cênica realista-naturalista, mas como um eficaz instrumento de desvendamento dos processos criativos do ator. Conseguiu, enfim, articular a tradição do TAM, sua cultura teatral, dentro de um percurso artístico próprio, caracterizado por uma constante busca de um fazer teatral renovado e organicamente ligado ao seu tempo.

Vakhtângov: theatrical tradition: studios

This paper analyses the aspects of Evguiêni Vakhtangov`s work at the Moscow Art Theatre studios, mainly regarding the emergence and consolidation of educator-director and studio / lab theatre notions. Since his entrance at TAM, Vakhtangov excelled for his teaching fondness and was a leading contributor of Stanislavski in the exploration and deepness of his "system" articulating Stanislavski`s and Sulerjítski `s teachings within the particular scenic poetics and profoundly differentiated. Vakhtangov was a chief educator in the most evident sense of the term: his performances are the result of formative processes performed with actor-apprentice; his concerns are chiefly directed to processes. He heightened and experienced the "system" not facing it as a restrictive imposer of a realist-naturalist scenic poetic, but as an effective tool of actor`s creative processes revealing. Finally, he managed to articulate TAM`s tradition, its theatrical culture within its own artistic route, characterized by a constant search of a renovated theater accomplishment and organically linked to its time.




SEMPLE, Danielle M. B. Walter Bacci e o teatro brasileiro dos anos 70: o cenário da peça “Gota D’Água”. São Paulo: Universidade Estadual Paulista Júlio de Mesquita Filho - UNESP/Instituto de Artes. Programa de Pós-Graduação em Artes - UNESP/Instituto de Artes; Mestrado em curso; orientador: Wagner Francisco Araujo Cintra.

Walter Bacci; Gota D’Água; cenografia; teatro brasileiro.

"A proposta do artigo é promover uma reflexão acerca do artista plástico/cenógrafo/figurinista teatral Walter Bacci. Egresso da Escola de Belas Artes do Rio de Janeiro e um dos primeiros artistas brasileiros a utilizar a técnica do silk screen, Bacci esteve presente como cenógrafo ou figurinista em algumas das mais importantes montagens teatrais dos palcos brasileiros, entre elas “Gota D’Água” (1975 e 1977) escrita por Chico Buarque e Paulo Pontes e “Se Correr o Bicho Pega, Se Ficar o Bicho Come” (1966) escrita por Oduvaldo Vianna Filho e Ferreira Gullar.
Tendo o seu período mais ativo entre nas décadas de 1960 e 1970, Bacci expôs na mostra oficial da Bienal de Arte de São Paulo no ano de 1963 e após um período de estudo em Paris, retorna ao Brasil, onde começa a difundir a técnica do silk-screen, algo que o acompanha em dezenas de trabalhos de cenografia e figurino, principalmente na cena teatral carioca durante os anos de ditadura militar. Este artigo concentrar-se-á na peça “Gota D’Água”, na qual Walter Bacci desempenhou as funções de cenógrafo e figurinista."

Walter Bacci; Gota D’Água; scenographic designer; Brazilian theater.

"This article has the intention to introduce the Walter Bacci, a painter, stage and scenographic designer. Gratuated at Escola de Belas Artes do Rio de Janeiro and one of the first Brazilian artists to make use of the technique known as silk-screen, Walter Bacci takes part in some of the most relevant plays in the 1960’s and 1970’s, such as “Gota D’Água” written by Chico Buarque and Paulo Pontes and “Se Correr o Bicho Pega, Se Ficar o Bicho Come” written by Oduvaldo Vianna Filho and Ferreira Gullar.
Having his most active period comprised in the 1960’s and 1970’s, Walter Bacci also participated on the Bienal de Arte de São Paulo in 1963, and after a period of studies in Paris he returned to Brazil where he started to make use of silk screen, a technique which accompanied him in tens of works of scenographic and stage designing mostly in the Rio de Janeiro’s theater scene. This article will focus on the play “Gota D’Água”, in which Walter Bacci performed the tasks of both scenographic and stage designer."
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SILVA, Carlos Alberto Ferreira. As mudanças do diretor teatral e suas respectivas evoluções. Salvador – BA: Universidade Federal da Bahia. Pós-Graduação em Artes Cênicas, Mestrado, Orientadora: Deolinda Catarina França de Vilhena. Diretor, ator, professor.

Diretor Teatral, Grupo, Coletivo, História.

"RESUMO
O presente artigo parte das análises da pesquisa de mestrado cujo tema é “O diretor e suas funções em diferentes perspectivas de produção teatral”. A intenção é colaborar com os estudos sobre o trabalho do diretor na cena teatral de maneira que compreenda esta função ao longo das últimas décadas no Brasil. Neste sentido, o presente trabalho visa apresentar a relação entre as diferentes possibilidades de direção teatral nos agrupamentos, discutindo a priori a figura do diretor em grupos e coletivos, de modo que, identifique as mutações acerca desta função na cena teatral. Assim, dois textos da autora Béatrice Picon-Vallin, “A propósito do teatro de grupo. Ensaio sobre os diferentes sentidos do conceito” e “Os novos coletivos. Teatro e utopia” servirão como norte para desencadear estes pensamentos. Portanto, o artigo busca encontrar importantes características que diferencie o diretor teatral nos diversos processos de agrupamentos."

Theatrical Director, Group, Collective, History.

"ABSTRACT
This article analyzes part of the master's research theme is “The director and their functions in different perspectives of theater production”. The intention is to collaborate with the studies about the work of the director in the theatrical scene in order to understand this function over the past decades in Brazil. In this sense, this work articulates the relationship between the different possibilities of theater directing in groups, discussing a priori the director´s figure in groups and collectives, identifying the changes in this function on the theatrical scene. Thus, the two texts the author Béatrice Picon-Vallin ""The purpose of the theater group. Essay about the different meanings of the concept"" and ""The new collective. Theatre and utopia"" will serve as the north to trigger these thoughts. Therefore, this article tries to find important features that differentiate the theater director in the various processes of groups."




SILVA, Erminia. Os sinais que vêm da rua. Rio de Janeiro: UFRJ/Se essa rua fosse minha.Doutora componente da Linha de Pesquisa Linha Micropolítica do trabalho e o cuidado em saúde (coord:Emerson Elias Merhy); Professora Convidada da UNESP - Pós-Graduação em Artes - Mestrado.

circo, circo-social, política social

Nos últimos anos é inquestionável que o campo da política social atravessa novos processos instituintes, agregando à sua dimensão biopolítica novas lógicas sobre os “anormais sociais”. O deslocamento da anormalidade social para o campo dos processos de subjetivação e de construção das redes existenciais aponta como novo foco o que chamamos de “anormais do desejo”. A rua, clássica representação imaginária do lugar sem controle e do risco, vem expressando simbolicamente o lugar físico de muitas intervenções por uma verdadeira “política social”, cruzando campos intersetoriais variados como o criminalístico, jurídico, da saúde, da assistência social, da cultura, entre outros. Consideramos que isso já é argumento suficiente para podermos tratar de uma forma reflexiva e contemplar a diversidade das abordagens que essas questões demandam, particularmente apontando a importância da presença de artistas nas ruas, em particular de projetos sociais como o Circo Social, que disputam na micropolítica do cotidiano das pessoas há quase 30 anos, outros processos subjetivantes que não vêem drogados, loucos ou prostitutas(os), mas sim uma vida que vale a pena.

circo social, artista de rua, circense

En los últimos años es incuestionable que el campo de la política social atravessa la institución de nuevos procesos, adicionando a la su dimensión biopolítica nuevas lógicas en los "anormales sociales". El desplazamiento de la anomalía en el campo de los procesos de la subjetividad y de la construcción del redes existenciales como un nuevo enfoque en lo que llamamos "anormales del deseo". La calle, la representación clásica imaginaria del lugar sin control y el riesgo, se expresa simbólicamente la ubicación física de muchas intervenciones para una verdadera "política social", cruzando campos tan variados como la criminalístico intersectorial, legal, salud, asistencia social, la cultura , entre otros. Creemos que esa es razón suficiente para nosotros para tratar de manera reflexiva y contemplar la diversidad de enfoques a la demanda de estas cuestiones, en particular, señalando la importancia de la presencia de artistas en las calles, sobre todo en proyectos sociales, tales como Circo Social, que compiten en la micropolítica de la vida cotidiana desde hace casi 30 años, que ven a otros drogadictos, prostitutas o locos, pero una vida que vale la pena.
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SILVA, Mateus Bertone da. A arquitetura cênica de Lina Bo Bardi para "A Ópera de Três Tostões" e as interlocuções com a teoria do palco épico brechtiano. Goiânia: EMAC-UFG, professor assistente.

Ópera de Três Tostões: arquitetura cênica: palco épico: Lina Bo Bardi: Brecht no Brasil.

A comunicação analisa, à luz da teoria do palco épico brechtiano, o trabalho de ‘cenografia’ da arquiteta Lina Bo Bardi (1914-1992) para a montagem teatral de “A Ópera de Três Tostões” em 1960. Interessa apontarmos alguns entrelaçamentos entre esta experiência artística e os aspectos teórico-conceituais da obra do teatrólogo alemão, notadamente aqueles voltados para a renovação da linguagem cênico-espacial, sobre os quais também incidiram o pensamento da arquiteta. Para tanto, à recriação documental do percurso histórico da montagem e dos aspectos visuais do espetáculo – tais como a análise de fotos, croquis e desenhos técnicos do projeto ‘cenográfico’ – somou-se os escritos de Brecht e de seus comentadores de modo a pensar tal articulação sem esquematismos ou exigência de normatividade, mas atenta às diferenças de contexto. A abordagem dos desdobramentos práticos da teoria do palco épico alimentou a reconstrução dos fundamentos estéticos que informaram esta montagem em particular e apontou para uma inequívoca identidade de concepções na construção de uma postura que faria história tanto nos textos combativos quanto na prática projetual de Lina – o conceito de arquitetura cênica.

Three Pennies Opera: scenic architecture: stage epic: Lina Bo Bardi: Brecht in Brazil.

The Communication analyzes, in light of the theory of stage epic Brechtian, the work of ‘scenography’ of the architect Lina Bo Bardi (1914-1992) for the stage production of “The Three Pennies Opera”. Interested point out some twists between this artistic experience and theoretical and conceptual aspects of the work of German playwright, especially those aimed at the renewal of language scenic-space, which also focused on the thinking of the architect. For both, to the documentary re-creation of the historical route of assembly and the visual aspects of the show – such as the analysis of photos, sketches and technical drawings of the project 'scenic' – added to the writings of Brecht and his commentators in order to think such a joint without esquematismos or requirement of normativity, but attentive to the differences context. Addressing the practical consequences of the theory of the stage fueled epic aesthetic reconstruction of the foundations that informed this assembly and in particular pointed to a clear identity conceptions in the construction of an approach that would make history in both text and combative in design practice of the Lina - the concept of scenic architecture.



SILVA, Newton Pinto da. Desdobramentos da cena: performance e ação política. Porto Alegre: PPGAC/UFRGS; Jornalista e mestre em Artes Cênicas.

Performance. Ação Política.

O artigo Desdobramentos da cena: performance e ação política aborda o espetáculo Viúvas – Performance sobre a ausência, da Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz, e faz um mapeamento dos ecos e ressonâncias desta montagem na intervenção de rua Onde? Ação nº 2, realizada pelo mesmo grupo. Ambas performances tratam das feridas ainda abertas pela ditadura militar brasileira, em especial, da questão dos desaparecidos políticos. Através de documentos em vídeo que registraram os trabalhos, estabelece-se correspondências estéticas entre as duas montagens, demonstrando o prolongamento no espaço e no tempo da primeira por meio da segunda performance.

Performance. Action politique.

L'article Déploiements de la scène: performance et action politique aborde le spectacle Veuves - Performance sur l’absence, de la Tribo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz, et Il fait une cartographie des échos et des resonances de cette montage à la rue Où ?, Action 2, realisée par le même groupe. Les deux performances abordent les blessures encore ouvertes par la dictature militaire brésilienne, en spécial, la question des disparus politiques. En utilisant des registres en vidéo sur ces travaux, on fait de correspondances esthétiques entre les deux montages, et on établit la prolongation dans l’espace et dans le temps de la prémière performance par le biais de la deuxième.





SOUSA, María Virginia Abasto de. TEMPOS DE ITINERANCIA NA AMAZONIA PARAENSE: UMA VISITA PARA RECORDAR. Belém: UFPA. Instituto de Ciências da Arte; Programa de Pós-graduação em Artes Universidade Federal do Pará; Mestranda em Artes; Bolsista CAPES; Orientada por Wladilene de Sousa Lima. Artista Circense, atriz e produtora cultural

Circo de itinerância: Memória oral: Amazônia: Artes do Circo

"RESUMO
O presente artigo busca estabelecer reflexões por intermédio da memória oral presente nos fazedores do Circo de itinerância, Circo Broadway, e a situação de tradição circense na região amazônica paraense como reflexão sobre a condição sócio-cultural e histórica, das chamadas artes do Circo, na Amazônia. O presente estudo caracterizou-se por ser do tipo qualitativo participante através da análise do discurso de artistas, trabalhadores contratados e administradores do Circo Broadway, o qual inclui em sua trupe familiar um dos poucos artistas tradicionais nascido no Pará. Os resultados sinalizam interfaces que retratam o diálogo entre o chamado Circo Tradicional e o Circo Contemporâneo como eixo para compreensão do passado e o futuro da cultura de itinerância circense, apontado para a intenção de poder contribuir nas discussões sobre a valoração da cultura e historia da região norte do Brasil."

Circus: Oral Memory: Amazon: Circus arts

This article pretend to establish reflections using the oral memory living in the roaming Circus workers, Circus Broadway, and the status of circus tradition in the amazon region of Pará as a reflection on the socio-cultural and historical condition, of the circus arts- in the Amazon . The present study was characterized by a qualitative participant analysis done through the discourse of artists, laborers and managers of Circus Broadway, which includes in its family troupe one of the few traditional artists born in Pará city. The results indicate interfaces that depict the dialogue between the Traditional and Contemporary Circus as an axis for understanding the past and future of roaming circus culture, oriented to the intention of being able to contribute in the discussions on the valuing of culture and history of the northern region of Brazil




SPRITZER, Mirna. Voz, escuta e memória: o meio radiofônico como experiência para o ator. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas, Instituto de Artes. Atriz.

Vocalidade: Corpo: Escuta: Rádio: Memória.

O presente trabalho discute as relações entre a voz, escuta e memória, a partir da ideia de corpo como vivência da história e depositário de um acervo que é fonte de referências para o ator. Entende o meio radiofônico como exercício possível da voz como agente da corporeidade e a escuta como forma de contracenação. Traz ainda a palavra proferida, como portadora destas potencialidades. Com Barthes e Zumthor, deseja problematizar as noções de vocalidade e escuta, como criadoras de repertório para o ator, em suas diferentes possibilidades interpretativas. Com Benjamin e Larrosa quer vislumbrar a experiência como memória.

Voicing: Body: Listening: Radio: Memory

This paper discusses the relationship between voice, listening and memory, from the idea of body as a living repository of history and a collection that is a source of references to the actor. Understands the radio medium as possible exercise of the voice as an agent of embodiment and listening as a way to coact. It also brings the spoken word, as having this potential. With Barthes and Zumthor, wants to problematize the notions of voicing and listening, as creators of repertoire for the actor, in his various possible interpretations. With Benjamin and Larrosa wants to glimpse the experience as memory.
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