ARAUJO, Samuel. DRUNK DRAG LOVER: o que fazem dois corpos embriagados falando de amor?. Brasília: Universidade de Brasília. Universidade de Brasília; Mestrado; bolsista vinculado CAPES; Orientador Marcos Mota. Ator, Produtor e Bailarino.

Platão. Performance. Filosofia. Recepção.

Essa comunicação destina-se a analisar o processo criativo e de recepção da performance Drunk Drag Lover, trabalho inspirado na personagem Alcebíades em O Banquete, de Platão. A fusão entre o clássico e o contemporâneo constitui um dos focos dessa pesquisa metodológica de criação artística, onde interrogo o quão pode ser potente a abordagem da filosofia através do corpo e da performance para, por fim, analisar o que pode ser expandido, apreendido e modificado nesse confronto entre os estudos clássicos e os estudos da performance e entre o espectador, o performer e a obra.

Plato. Performance. Philosophy. Reception.

This communication is intended to analyze the creative process and the reception of the Drag Drunk Lover performance, work inspired by the character Alcibiades in The Symposium of Plato. The fusion of the classic and the contemporary is one of the focuses of this research methodology of artistic creation, where wonder how it can be potent this approach of philosophy through the body and performance to finally, analyze what can be expanded, modified and seized in this confrontation between classical studies and performance studies and between the spectator, the performer and the work.




BARBOSA, Joyce de M. A “emancipação do artista” e o desenvolvimento cultural . Salvador: Universidade Federal da Bahia. CAPES; Mestrado.

cultura: desenvolvimento: emancipação: comunicação: tradução

O presente artigo analisa dois pontos de convergência e maciço debate no meio das artes: desenvolvimento cultural e a participação do espectador, procurando encontrar a simbiose entre esses dois pontos propostos, percebendo qual a ligação entre eles e como um tem responsabilidade direta com a existência do outro, tentando, assim, buscar uma resposta para questões que vem sendo discutidas há bastante tempo no Brasil no que tange ao crescimento/progresso da cultura e como esse entendimento (progressista) mascara a realidade do que propomos (ou podemos propor) enquanto atores políticos e, em face disso, qual o resultado da atuação pragmática do Estado maior na criação e permanência de um público apreciador de dança não meramente espectador, mas tradutor do que vê.

culture: development: emancipation: comunication: translation

This article analyses two points of convergence and huge conversation on arts: cultural development and espectators' emancipation, seeking to find a symbiosis between these two proposed points and noticing the link between them and how each one has a direct responsibility with the others' existence, trying to find an answer to questions that are being discussed for a long time in Brazil regarding growth/progress of culture and how this understanding (progressist) hides the reality of what we proposed (or can propose) while political actors and what is the result of Major State's pragmatical action on creation and permanence of a appreciate audience of dance, not merely espectator, but translator of what they see.




BARRETO, Cristiane Santos. Relato da memória de um percurso teórico-prático-criativo. Salvador: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas; PPGAC-UFBA. doutoranda; Luiz Claúdio Cajaíba Soares; bolsista CAPES. Ensino de Teatro; diretora teatral; dramaturga.

Recepção: Espectador: Espetáculo: Cena contemporânea: Formação.

"RESUMO
Este relato aborda a memória do percurso teórico-prático-criativo de Diálogo Imaginário, livre adaptação de Affonso Romano Sant´anna. A proposta surgiu durante o primeiro semestre (2012.1), do curso de doutorado no PPGAC-UFBA, na disciplina, Processos da Encenação, sob a orientação de Sonia Rangel, a qual, por meio de textos/imagens diversos – da poesia à filosofia - conectou os canais perceptivos de seus alunos para o processo criativo. O elemento deflagrador desse experimento, inicialmente, foi trazer do meu projeto de pesquisa, em andamento, alguns aspectos que fossem o ponto de partida para o processo criativo. Para tanto, fiz uma “brainstorming” com ideias-força predominantes no estudo: Recepção, Espetáculo, Espectador, Cena Contemporâneo e Formação."

Reception: Spectator: Theater spectable: Contemporary scene: Training.

"ABSTRACT
This report discusses memory courses the theoretical-practical-creative, Imaginary dialog, free adaptation of Affonso Romano Sant´anna. The proposal emerged during the first half of the course (2012.1), doctoral in PPGAC-UFBA, in the discipline, Processes of scenario, under the guidance of Sonia Rangel, which, through several images of texts/-poetry to philosophy-connected channels perceptive of its students to the creative process. The element that initiates this experiment, initially, was to bring my research project, in progress, some aspects that were the starting point for the creative process. To do so, did a ""brainstorming"" with ideas prevalent in the study : Reception, Show, Spectator, Contemporary scene andTraining."


 

BARROS, Edlúcia Robélia Oliveira de.; CAMARGO, Robson Corrêa de.LEV S. VIGOTSKI E A CRÍTICA DE LEITOR. Goiânia: Universidade Federal de Goiás – Fundação de Apoio a Pesquisa do Estado de Goiás. Mestrado em Performances Culturais.

Vigotski, Teatro, Pensamento e Linguagem

Demonstra os procedimentos do psicólogo Vigotski na análise da obra de arte. Estes podem ser adotados, por analogia, também na análise do fenômeno social. Influenciado pela montagem simbolista de Hamlet, Vigotski, em “A Tragédia de Hamlet ...” (1915/1916) propõe a “critica de leitor”. Para Vigotski a obra de arte é uma fonte inesgotável de interpretações, como um conjunto simbólico cuja característica essencial consiste na “diversidade infinita” de suas interpretações. A obra de arte é polissêmica e multifacética. Vigotski, com sua postura de analista crítico do objeto artístico como fato primeiro, descarta o necessário conhecimento das análises prévias e se aproxima de Barthes. Este defende “a morte do autor”, pois a escritura de um texto é um ato de destruição de toda voz e de toda origem (BARTHES, 1988). .

Vigotski, Drama, Thought and Language

The goal of this work is to demonstrate some procedures of the psychologist Vigotski in the analysis of the artwork. These can be adopted by analogy, also in the analysis of social phenomena. Influenced by the symbolist assembly of Hamlet (Craig-Stanislavski), Vigotski, in "The Tragedy of Hamlet ..." (1915/1916), proposes a "critical reader". For Vigotski the artwork is an inexhaustible source of interpretations, and a symbolic set whose essential feature is the "infinite variety" of interpretations. The artwork is multifaceted and polysemic. Vigotski discards the knowledge of previous analyzes as necessary and approaches Barthes. Barthes stands for "the author's death," as the writing of a text is an act of destruction of every previous voice and every origin (Barthes, 1988).




BASTOS, Lilia Nemes; BOLOGNESI, Mario Fernando. O gesto em A Noite dos Palhaços Mudos, espetáculo da Cia. La Mínima i. São Paulo: Instituto de Artes da UNESP. Mestrado; orientador Mario Fernando Bolognesi. Professor Titular do Departamento de Artes Cênicas, Educação e Fundamentos da Comunicação do Instituto de Artes da UNESP. FAPESP; Mestrado 1.

análise de espetáculos: Patrice Pavis: gestualidade: palhaço: Cia. La Mínima.

Em sua obra A análise dos espetáculos, Patrice Pavis propõe métodos de crítica que conciliam a atenção à materialidade da cena, aos elementos não representativos, com uma percepção das significações potenciais da cena e do funcionamento global da encenação. A presente comunicação aborda um destes métodos, a teoria dos vetores, por meio de uma síntese das ideias do autor e do exercício de seus referenciais na análise do trabalho gestual em A noite dos palhaços mudos, espetáculo da Cia. La Mínima, dirigido por Alvaro Assad. O foco da análise será o uso do corpo pelos atores-personagens – as posturas, deslocamentos e os movimentos –, abordado de maneira pormenorizada em uma das sequências do espetáculo. A partir desta perspectiva específica, pretende-se depreender algumas hipóteses a respeito do funcionamento da encenação.

theatre analysis: Patrice Pavis: gesture: clown: Cia. La Mínima.

In his work Analyzing performance, Patrice Pavis proposes methods that conciliate an emphasis on the scene’s materiality and non-representative elements, with an investigation of its potential meanings and global organization. This communication deals with one of these methods, the vectors theory, through a synthesis of Pavis’ ideas and an analysis of the gesture in the Brazilian play A noite dos palhaços mudos (the silent clowns’ night), a Cia. La Mínima’s production directed by Alvaro Assad. Our analysis will focus on the use of the body by the actors-characters – their postures, trajectory and movements –, addressed in detail in one sequence of the play. Through this specific perspective, we intend to build some hypothesis about the performance’s organization in A noite dos palhaços mudos.




BAUER BRÖNSTRUP, Camila. A Construção do discurso semiótica nas vanguardas teatrais (1890-1930). Porto Alegre: UFRGS. Encenadora e professora do Departamento de Arte Dramática, UFRGS.

semiologia; vanguardas teatrais; discurso estético

Esta pesquisa investiga, por meio de uma análise sócio-semiótica, as poéticas teatrais produzidas no começo do século XX pelos movimentos de vanguarda. Estuda os processos simbólicos, ideológicos e estéticos dos espetáculos desenvolvidos naquele período, a partir da aplicação da semiótica como veículo de análise histórica do fenômeno hermenêutico e teatral, especialmente no que concerne à encenação como definidora e catalisadora estética e às perspectivas do drama em face desta eclosão de linguagens. A abordagem semiótica dessas poéticas revela também a intersticialidade de uma gênese cênica, fundamental à compreensão das diferentes estéticas e processos de hibridação produzidos não só em um nível discursivo, mas também no plano da enunciação. As distintas concepções de realidade e ideologia apresentadas pelas vanguardas ocasionaram importantes modificações no sistema enunciativo semiótico, posto que quando alteramos o conceito e a organização representacional da “vida social”, a cena deve, forçosamente, reorganizar-se como estrutura hierárquica e discursiva, construindo novos vetores simbólicos.

semiología; vanguardias teatrales; discurso semiótico

Este estudio investiga, por medio de un análisis socio-semiótico, las poéticas teatrales producidas a principios del siglo XX por los movimientos de vanguardia. Estudia los procesos simbólicos, ideológicos y estéticos de los espectáculos desarrollados en ese período, a partir de la aplicación de la semiótica como vehículo para el análisis histórico del fenómeno hermenéutico y teatral, sobre todo en relación con la puesta en escena como definidora y catalizadora estética y con las perspectivas del drama frente a esta proliferación de lenguajes. El enfoque semiótico de estas poéticas revela también la intersticialidad de un génesis escénico, fundamental a la comprensión de las diferentes estéticas y procesos de hibridación producidos no sólo a nivel discursivo, sino también en términos de enunciación. Las diferentes concepciones de realidad e ideología presentadas por las vanguardias produjeron cambios importantes en el sistema enunciativo semiótico, ya que cuando cambiamos el concepto y la organización representacional de la "vida social", la escena debe, necesariamente, reorganizarse como una estructura jerárquica y discursiva, construyendo nuevos vectores simbólicos.




BOCCA, Luiza Oliva. Células coreográficas como fragmento de memória: O Viewpoints como técnica de composição do espetáculo Breve. Salvador, Bahia: Universidade Federal da Bahia, Escola de Dança, PPGDança. Mestrado em Dança, orientação Isabelle Cordeiro. Bolsista CAPES.

Viewpoint: composição: recepção

O presente artigo discute a questão da recepção no espetáculo “Breve”, da Companhia Teatro da Queda, focando a relação entre os aspectos de composição para cena, com a utilização da técnica do Viewpoint, e o despertar de memórias dos espectadores. A metodologia adotada é o estudo teórico sobre a técnica do Viewpoint e sua dimensão como elemento para composição de cena, através de textos de Anne Bogart e Donnie Mather, com o cruzamento das unidades coreográficas presente no espetáculo com depoimentos e impressões coletados da platéia. Células coreográficas como fragmento de memória, são uma das possibilidades que o Viewpoint trás para a encenação, trabalhando no espectador outros sentidos de apreensão, como a relação com o espaço, arquitetura, co-relação com o outro, e dinâmica de movimentação.

Viewpoint: composition: reception

The present article argues the question of the reception in “Breve” spectacle, of the Company Teatro da Queda, focusing in the relation between the aspects of composition for the scene, using the Viewpoint technique, and the wakening of memories of the spectators. The adopted methodology is the theoretical study on the technique of the Viewpoint and its dimension as element for scene composition, through texts of Anne Bogart e Donnie Mather, with the crossing of the choreographic units present in the spectacle with depositions and collected impressions of the public. Choreographic cells as fragments of memory, are one of the possibilities that the Viewpoint backwards for the stage, working in the spectator other directions of apprehension, as the relation with the space, architecture, co-relation with the other, and dynamics of movement
------------------------------------------------------------------------



CAMARGO, Daniela Aquino.Memória da verdade fictícia na Experiência de Consulta Médica Encenada.Pelotas: UFPEL. Professor Temporário do Curso de Dança - Licenciatura. Atriz, bailarina, educadora.

teatro – medicina social – memória fictícia – fé cênica

O presente artigo trata de um aspecto desenvolvido na minha dissertação de mestrado, que tem como tema Consulta Médica Encenada, a partir do encontro entre teatro e a especialidade de Medicina de Saúde e Comunidade no Projeto de Habilidades de Comunicação do Departamento de Medicina Social da Universidade Federal do Rio Grande do Sul. No artigo discorro sobre a importância da memória fictícia para a criação da personagem Soraya, que atuava nas Consultas com estudantes de medicina ou médicos. A criação de um contexto e a compreensão das circunstâncias dadas por parte do ator é uma exigência real, dessa forma o ator acredita no que está fazendo, proporcionando ao espectador também experimentar essa sensação. A ficção análoga à realidade é também importante para sentir e criar o cenário da verdade e da fé cênica. A cada nova Consulta é necessária a recriação de um contexto, mantendo a história inicial de Soraya, mas preparada para novas possibilidades de conexões na relação peculiar entre paciente e médico.

theater – social medicine – fictional memory – stage faith

The current article deals with an aspect researched in my master’s dissertation, whose issue is the Staged Medical Consultation, parting from the connection between theater and the specialty of Medicine of Health and Community in the Project called Abilities of Communication of the Department of Social Medicine of Federal University of Rio Grande do Sul. In this article I discuss about the importance of the fictional memory to the creation of the character Soraya, who acted in Medical Consultations with medicine students or physicians. The creation of a context and the understanding of the circumstances given by the actor is a real exigency. Thus, the actor believes in what he is doing, providing the spectator with experiencing also this sensation. The fiction analogous to reality is also important to feel and create the stage setting of truth and stage faith. In every new Consultation it is necessary the recreation of a context, keeping Soraya’s initial story, but prepared to new possibilities of connections in the peculiar relationship between patient and physician.




CARMÉZZ, Gisele (Gisele Cristina Rosa dos Santos). A intersecção entre espaço e poder na peça teatral "Mariana Pineda", de Federico García Lorca. Brasília: Universidade de Brasília. Programa de Pós-Graduação do Instituto de Artes da Universidade de Brasília; Doutoranda em Arte; Luciana Hartmann. Bolsa Reuni de Doutorado. Atriz, Arte-educadora, Produtora Cultural.

Teatro; Dramaturgia; Crítica Genética; Geografia da Percepção; Geografia da Cultura.

Neste artigo propomos uma intersecção entre a dramaturgia de Federico García Lorca e seus textos não literários destacando a peça teatral "Mariana Pineda" e a compilação "Impresiones y Paisajes" como objetos de comparação de informações e de análise. Esses documentos autógrafos constituem a base da análise, a qual inclui a identificação de índices do processo criativo do dramaturgo. Verificamos, nesses documentos, formas de representação e de transposição de referências culturais que Lorca aplicou na ambientação de "Mariana Pineda". Estas referências evidenciam a relevância do território espanhol na obra de Lorca como uma das influências mais marcantes de sua produção literária e não literária, bem como evidenciam a transposição desse território para o universo imagético, simbólico e humano, do povo espanhol, intrinsecamente vinculado aos sentimentos da recepção. A partir dessas constatações analisamos um índice específico do processo criativo do dramaturgo, o qual corresponde à inter-relação entre espaço e personagens como instância geradora de poder.

Theatre, Dramaturgy, Genetic Criticism, Geography of Perception; Geography of Culture.

In this article we propose an intersection between Federico Garcia Lorca’s dramaturgy and his non-literary texts emphasizing the play "Mariana Pineda" and the compilation "Impresiones y Paisajes" as objects of comparison of information and analysis. Lorca’s autograph documents constitute the basis of our analysis, which includes the identification of the index of his creative process. Through these documents we verified the forms of representation and transposition of cultural references which the playwright applied in the setting of "Mariana Pineda". These references show the relevance of the Spanish territory in Lorca’s works as one of the most remarkable influences in his literary and non-literary texts, as well as demonstrate the transposition of this territory to the imaging, symbolic and human universe intrinsically linked to the sense of reception of the Spanish people. From these observations we analyze one specific index of the playwright’s creative process, which corresponds to the inter-relation between space and characters of the play as an instance of generating power.




CASTRO, Rita de Almeida. Entre memórias. Brasília: Grupo Poéticas do Corpo. Departamento de Artes Cênicas, Instituto de Artes, UnB; Professora Adjunta. Atriz e diretora.

performance; imaginação; corpo; memória; experiência.

O artigo traz uma abordagem reflexiva de dois processos criativos do grupo Teatro do Instante, com base na experiência performativa, um com a presença de público e outro em interação com o vídeo. O texto explicita a busca por parâmetros e procedimentos para a realização de performances e a ênfase no corpo-memória como foco da ativação da imaginação.

performance; imagination; body; memory; experience.

The paper presents a reflective approach of two creative processes of the group Teatro do Instante, based on the performative experience, one with the public’s presence and another in interaction with the video. The text shows the search for parameters and procedures for the performances realization and the emphasis on body-memory as the focus of imagination activation.




CINTRA, WAGNER. Uma introdução ao teatro visual de Leszek Madzik. São Paulo:UNESP. Professor Assistente Doutor-DACEFC-IA-UNESP. Pesquisa realizada no programa de Pós-graduação em Artes, área de Concentração Artes Cênicas- IA/UNESP.

teatro: marionetes: artes plásticas: encenação

"RESUMO
O teatro visual é um conceito ainda em formação e está insatisfatoriamente associado ao teatro de animação. Como pesquisa qualitativa, o estudo que está sendo desenvolvido, procura compreender as bases conceituais de alguns grupos que tem essa linguagem como sua forma de expressão teatral. Nesse contexto está o Scena Plastyczna, criado e dirigido por Leszek Madzik em 1970 na Polônia. O grupo que é subsidiado pela Universidade Católica de Lublin, inicialmente restringia suas apresentações aos palcos da universidade, logo alcançou renome e atuação internacional. Madzik, ainda como jovem pintor, passou a se dedicar ao teatro por entender que a tela é insuficiente para obter do espectador a mesma intensidade de reações, sentimentos e emoções, que é capaz de produzir um espetáculo realizado ao vivo diante de um espectador. Madzik abandona a palavra, se apega à imagem e explora a ação da luz no espaço. Utiliza-se de objetos, bonecos, e da presença silenciosa do ator que é usado como mais um elemento na criação das imagens. Em seu teatro existe certa relação com o sagrado que leva o espectador a refletir acerca da sua existência e sua relação emocional com a realidade."

theater: puppets: visual arts

"ABSTRACT
Visual theatre is a developing concept, still unsatisfactorily associated to the theater of animated forms. This study aims to understand the conceptual underpinnings of some groups that use this language as a way of theatrical expression. In this context is Scena Plastyczna, created and directed by Leszek Madzik in 1970 in Poland. Supported by Katolockiego Uniwersytu Lubelskiego (Catholic University of Lublin), the group initially performed only in the university, soon achieving international renown. Madzik majored in History of Art and, still a young painter, started dedicating himself to theater by understanding among other things that painting has not as much power to draw the same amount of reaction and emotion from the audience as the theater. Madzik abandons the word, focuses on the image and explores the action of light. Objects, puppets, and the silent actor are used as elements in the creation of images. In his theater there is some connection with what is sacred, leading the audience to reflect upon their existence and their emotional relationship with reality."




CORADESQUI, Glauber (Glauber Gonçalves de Abreu); RODRIGUES, Giselle (Giselle Rodrigues de Brito). Sentido e estranhamento no espetáculo Danaides: investigações sobre mediação. Brasília: Universidade de Brasília. Universidade de Brasília; Mestrado; Roberta Kumasaka Matsumoto. Universidade de Brasília; Professora Assistente.

mediação; espectadores; teatro contemporâneo; dança contemporânea; estranhamento.

O presente artigo investiga a proposta de mediação pedagógica desenvolvida para a recepção do espetáculo Danaides junto a estudantes de Ensino Médio da rede pública de ensino do Distrito Federal. Danaides foi criado em 2011 pelo grupo baSiraH a partir da tragédia As Suplicantes, de Ésquilo. O espetáculo se situa na fronteira híbrida entre a dança contemporânea e o teatro. O estranhamento presente na obra constituiu-se como ponto de partida para a mediação, que movimentou conceitos sistematizados por Flávio Desgranges e Josette Féral. A metodologia envolveu acompanhamento do processo criativo, análise do espetáculo e entrevistas com os artistas-criadores, desdobrando-se em folder educativo, guia de orientação ao professor, palestra de sensibilização no teatro e debate. Estudantes, professores, artistas e gestores de espaços culturais, por meio de questionários e depoimentos, atestaram a eficácia da proposta, também mensurada pela qualidade do debate ao final da apresentação e pela interação da plateia durante o espetáculo. A proposta se apresentou como uma potente estratégia de mediação para espetáculos contemporâneos.

mediation; spectators; contemporary theatre; contemporary dance; estrangement.

The present article analyses the pedagogical action developed to mediate the reception of the play Danaides by public High School students in Distrito Federal. Danaides was created by the group baSiraH in 2011 based on Greek tragedy The Suppliants, by Aeschylus. The piece stands on a hybrid border between contemporary dance and theatre. The sense of estrangement within the play was the starting point to the mediation action, which brought into movement concepts by Flávio Desgranges and Josette Féral. Methodology comprehended attendance of the creative process, analysis of the piece and interviews with the artists. An educative folder, a teacher’s guidebook, a sensitizing talk before the play and a debate were brought as outcomes of this work. Students, teachers, artists and cultural managers attested the efficiency of the action through questionnaires and speeches. The debate at the end of the show and the relation between audience and stage during the performance also qualified the results. The action has come out as a mighty strategy for mediating contemporary pieces.




COSTA, Edymara Diniz; MATSUMOTO, Roberta Kumasaka. Memórias e identidades Kalunga em Cena. Brasília-DF: Programa de Pós-Graduação em Arte - Universidade de Brasília (UnB); Mestranda; orientadora: Roberta Kumasaka Matsumoto; Bolsa CAPES; sócio-fundadora da ONG T.E.R.R.A. Brasília-DF: Departamento de Artes Cênicas e Programa de Pós-Graduação em Arte - UnB; Professora adjunta.

PALAVRAS CHAVE: Cena: pedagogia do teatro: memórias: identidades:

"RESUMO
Este trabalho tem como proposta a socialização de alguns resultados de uma pesquisa que tem como objetivo sistematizar uma metodologia de ensino do teatro visando à apreensão corpórea; a (re)significação de conceitos; o fortalecimento e a (re)apropriação da cultura local pelos jovens quilombolas da comunidade Kalunga do Vão de Almas (Cavalcante – GO). Além da pedagogia do teatro, o escopo teórico-metodológico dessa pesquisa baseia-se em estudos da História Oral e da Antropologia Visual para o levantamento e análise de materiais pela e na própria comunidade como: danças, cantigas e relatos de cultura local; propiciando, dessa maneira, o estabelecimento de relações de aproximação e de distanciamento, pelos sujeitos envolvidos, das técnicas teatrais com suas performances culturais.
Tal experiência, além de possibilitar o contato dos jovens com uma nova linguagem, coloca-os em contato com os costumes e tradições de sua comunidade, valorizando o conhecimento legado pelos mais velhos aos mais novos. Assim, um dos aspectos marcantes neste processo de ensino e aprendizagem é a forma pela qual a memória desses jovens vem sendo acionada e (res) significada por eles."

KEYWORDS: Scene: Theater Pedagogy: Memories: Identities.

"ABSTRACT
This paper proposes the socialization of some results of a research that aims to systematize a drama teaching methodology focused on the bodily grasp; the (re) signification of concepts, the strengthening and (re) appropriation of local culture for young maroons from the Vão de Almas Kalunga Community in the municipality of Cavalcante, State of Goiás. In addition to the pedagogy of theater, the theoretical and methodological scope of this research is based upon studies of the Oral History and Visual Anthropology for sourcing and analysis of materials by and in the community such as: dances, songs and stories of local culture, providing, this way, the establishment of repproachment and distancing, by the subjects involved, of the theatrical techniques with their cultural performances. 
This experience, besides providing the contact of youth with a new language, puts them in touch with the customs and traditions of their own community, valuing the knowledge handed down from older to younger. So one of the remarkable aspects of this process of teaching and learning is the way these young people’s memory is activated and (re)signified."




D’ÁVILA, Flávia Ruchdeschel. Teatro de objetos – reflexões sobre um teatro híbrido e marginal. São Paulo: UNESP – Universidade Paulista Júlio de Mesquita Filho, Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas – IA/UNESP, Mestrado, Orientador Wagner Cintra. Bolsita vinculada a CAPES. Atriz, contadora de histórias e cenógrafa.

teatro de objetos, hibridismo, teatro de animação, vanguardas artísticas, sociedade de consumo.

"O teatro de objetos é uma manifestação contemporânea do teatro de animação que pode ser considerada marginal, no sentido de se tratar de uma arte de fronteira e periférica. Sua origem e seu caráter híbrido colocam-na em uma espécie de não lugar dentro das artes cênicas. 
O termo surgiu em 1980 para designar algo que já estava sendo desenvolvido ao longo da década de 70. É um teatro que toca e alarga fronteiras, que coloca o humano em relação direta com a matéria e com os produtos da sociedade de consumo. Diz respeito a encenações onde objetos prontos, deslocados de suas funções utilitárias e carregados de novos significados, tornam-se personagens na cena, representando a si mesmos ou evocando uma realidade externa que lhes é complementar. 
Além de estar inserido em um momento histórico específico e falar de seu tempo, o teatro de objetos é herdeiro de posturas artísticas presentes, sobretudo, no Dadaísmo, no Surrealismo e nas Novas Vanguardas da década de 60, e de atitudes estéticas e éticas que orientaram principalmente o teatro de Bertolt Brecht e de Tadeusz Kantor."

théâtre d’objets, hybridité, théâtre d'animation, avant-garde artistique, société de consommation.

"Le théâtre d’objets est une manifestation contemporaine du théâtre d'animation qui peut être considérée marginale, dans le sens où c'est un art périphérique et de frontière. Son origine et son caractère hybride, la placent dans une sorte de ""non-lieu"" au sein des arts de la scène.
Le terme apparait en 1980 pour décrire quelque chose qui a déjà été en cours de développement au long des années 70. C'est un théâtre qui touche et qui élargit les frontières, qui met l'être humain en relation directe avec la matière et les produits de la société de consommation. Il s'agit de représentations où les objets prêts, détournés de leurs fonctions d'utilité et chargés de nouvelles significations, deviennent des personnages de la scène, se représentant ou évoquant une réalité extérieure qui leur est complémentaire.
En plus d'être inséré dans un moment historique précis et de parler de son temps, le théâtre d'objets est l'héritier de postures artistiques présentes surtout dans le Dadaïsme, dans le Surréalisme et dans les Nouvelles Avant-Gardes des années 60. Il est aussi l'héritier d'attitudes éthiques et esthétiques qui ont guidé principalement le théâtre de Bertolt Brecht et Tadeusz Kantor."




ELIAS, Larissa. Está à venda o jardim das cerejeiras – uma proposta de dramaturgia e encenação. Rio de Janeiro: UFRJ. Universidade Federal do Rio de Janeiro – UFRJ, Professor Adjunto do Curso de Artes Cênicas da Escola de Belas Artes – EBA. Atriz, diretora e produtora teatral, integrante de Os Cênicos Cia. de Teatro.

O jardim das cerejeiras: Tchekhov: Peter Brook: filme-de-teatro: presença de segundo grau.

"Está à venda o jardim das cerejeiras" trata-se de um percurso de retomada de "O jardim das cerejeiras" de Anton Tchekhov, a partir do cruzamento entre dois suportes, um textual – a peça teatral de Tchekhov – e um fílmico – o filme-de-teatro "La cerisaie", realizado por Peter Brook em 1981 –, e da consequente criação de uma nova dramaturgia cênica, articulada por duas ideias principais. A primeira é a ideia da duplicação em cena de um mesmo objeto. Considerando que o filme de Brook é uma versão para o drama de Tchekhov, e que este drama será reproduzido ao vivo pelos atores da cena e eletronicamente pelos atores do filme de Brook, será dado a ver, de certo modo, dois do mesmo. Sendo que ao encenar a peça teatral de Tchekhov, Brook criou outro drama, um novo drama. A dupla presença de dois “dramas”, que são o mesmo e são distintos, em uma nova configuração cênica, conduz, portanto, à segunda ideia, que é a da presença de segundo grau. Esta proposta objetiva discutir, ao menos, três questões: a utilização do filme-de-teatro como material dramatúrgico, a noção de presença de segundo grau, e as possíveis interseções teatro-cinema.

The cherry orchard: Chekhov: Peter Brook: movie-of-theater: presence of second degree.

"The Cherry Orchard is on sale" is a path of recovery of "The Cherry Orchard" by Anton Chekhov, from the cross between two supports, a text – the play by Chekhov – and a movie – the movie-of-theater "La Cerisaie", directed by Peter Brook in 1981 –, and the consequent creation of a new scenic drama, articulated by two main ideas. The first is the idea of duplicating the same object in the scene. Whereas the film by Brook is a version of the drama of Chekhov, and that this drama will be played live by the actors of the scene and electronically by the actors of the film by Brook, will be given to see, somehow, two of the same. But by staging a play by Chekhov, Brook created another drama, a new drama. The dual presence of two “dramas” that are the same and are distinct in a new scenic setting, leads, therefore, to the second idea, which is the presence of second degree. This proposal aims to discuss at least three questions: the use of the movie-of-theater as dramaturgical material, the notion of presence of second degree, and the possible intersections theater-cinema.




FERNANDES, Adriana. Textos em Trapos: Preparação Vocal Transdisciplinar. João Pessoa: UFPB. Universidade Federal da Paraíba; Professora. Etnomusicóloga.

Voz: Jakobson: Maiakovski: Beckett: O. Andrade

O trabalho de preparação vocal do ator passa necessariamente também pelo trabalho de texto. No entanto, quando os textos se apresentam diferentes do convencional, quer seja com relação a sua configuração na página ou em sua disposição dos fatos, eles se apresentam como textos “des-conformados”. O presente trabalho pretende iniciar a discussão deste assunto e encontrar soluções para esta complexidade a partir das discussões de Roman Jakobson sobre a linguagem usada artisticamente, ou a linguagem poética verbalizada. Os textos que suscitaram esta pesquisa são O Percevejo de Maiakovski, Companhia de Beckett, Música de Câmara e Finnegans Wake de James Joyce e A Morta de Oswald de Andrade. Parte-se da hipótese de que o treinamento do ator para textos des-conformados exige do ator e do preparador vocal conhecimentos de semiótica, linguística e literatura, além dos conhecimentos da técnica teatral e por isso a dificuldade de concepção e aplicação de um treinamento que contemple esta formação.

Voice: Jakobson: Maiakovski: Beckett: O. Andrade

"Title: Rag-Texts: Trans-disciplinary Vocal Training
Vocal training requires work with texts. However, when the texts are not conventional, because how they look on the page, or because of the way the facts are disposed, they are considered “un-conformed.” The present work intends to start a discussion about this issue and to find solutions to this complex problem taking into account Roman Jakobson’s writings on the language used artistically, or the verbalized poetic language. The texts that ignite this research were The Bedbug by Maiakovski, Company by Beckett, Chamber Music and Finnegan’s Wake by James Joyce and The Dead by Oswald de Andrade. There is a hypothesis that the actor training for “un-conformed” texts requires knowledge on semiotics, linguistics and literature besides theater technical knowledge, what explains the difficulties to conceive and apply a training program encompassing this formation."




FERREIRA, Taís. Corpo e imaginação nos anos iniciais: como instigar professoras pedagogas? Pelotas: Universidade Federal de Pelotas. UFPel; docente nos cursos de Teatro e Dança. CAPES/PIBID; coordenadora de gestão de processos educacionais.

pedagogias da dança e do teatro – anos iniciais do ensino fundamental – formação docente

Como falar de teatro e dança com professoras pedagogas? Como romper com o estigma da imobilidade corporal como única forma de aprender? Como instigar professoras sem formação específica em teatro e dança a jogar, brincar, mover-se, criar e inventar com suas crianças? Como apresentar, de modo simples, a complexidade do campo de conhecimento da dança e do teatro e suas contribuições para a educação? Partindo destas questões, duas pesquisadoras da área de artes cênicas da UFPel propuseram-se a empreender uma jornada de investigação, revisão bibliográfica e escrita voltada a este público. Além dos processos de levantamento, depuração e escolha de ideias, metodologias, conteúdos e objetivos a serem apresentados, impôs-se a construção de uma linguagem que pudesse alcançar estas professoras, e não as inibir, tornando acessíveis conceitos e possibilidades metodológicas da dança e do teatro. Assim, nasceu um livro, que almeja construir este diálogo. Como parte da pesquisa, pretende-se investigar junto a um pequeno grupo de professoras em exercício no ensino fundamental qual a potência de diálogo e de ações na prática docente estimuladas ou inspiradas pela leitura do livro.

pédagogie de la danse et le théâtre – l’école primaire- la formation des enseignantes

Comment parler sur le théâtre et la danse avec les enseignantes? Comment briser la stigmatisation de l'immobilité du corps comme la seule façon d'apprendre? Comment inciter les enseignantes sans une formation spécifique en danse et en théâtre à jouer avec leurs enfants? Comment soumettre, de façon simple, la complexité du champ des connaissances et leurs contributions à l'éducation? De ces questions, deux chercheuses dans le domaine des arts du spectacle proposent de faire un voyage pour examiner la littérature de recherche et d’écriture qui vise à ce public. En plus de la recherche, de la sélection des idées, des méthodes, des contenus et des objectifs qui seront présentés, la construction d'un langage s’est imposée. Celui-ci permettrait d'atteindre ces enseignantes, au lieu de les entraver, leur rendant accessibles des concepts et les possibilités méthodologiques de la danse et du théâtre. Ainsi est né un livre qui vise à construire ce dialogue. Dans le cadre de la recherche, nous avons l'intention de faire des interviews avec un petit groupe d'enseignantes en exercice à l'école primaire sur la force du dialogue et l'action pratique encouragée par la lecture du livre.




FISCHER, Rodrigo Desider. Uma experiência entre o teatro e o cinema: o corpo No Lugar Errado. Brasília-DF: Programa de Pós-Graduação em Arte - Universidade de Brasília. UNB, Doutorando,Roberta Kumasaka Matsumoto. Bolsa REUNI. Ator, diretor teatral e professor de artes cênicas.

Corpo:Atuação:Teatro:Cinema

Este artigo pretende investigar o corpo do ator no filme No lugar Errado, dirigido por Luiz Pretti, Guto Parente, Pedro Diógenes e Ricardo Pretti, uma experiência realizada entre o teatro e o cinema. Ao considerar a atuação como um fator determinante de uma obra, pretende-se repensar aqui nas potencialidades afetivas do corpo numa obra cinematográfica que foi criada a partir de uma peça de teatro. O corpo do ator será visto como gerador de instantes plenos para o desenvolvimento de uma obra, não importando quem é a personagem, mas o que pode essa personagem, o que pode esse corpo. Nesse sentido, a obra analisada permitirá refletir sobre o modo como o corpo do ator pode transitar entre o cinema e o teatro, podendo assim, apontar características comuns entre as duas linguagens.

Body:Acting:Theatre:Cinema

The present paper intends to investigate the actor’s body in the film No lugar Errado, directed by Luiz Pretti, Guto Parente, Pedro Diógenes and Ricardo Pretti, an experience between theatre and cinema. Considering the craft of acting as a fundamental factor in a piece of art, this work attempts to rethink the affective potentialities of the body in a film created from a theatre play. The actor’s body will be seen as a generator of pregnant moments for the development of a piece of work, regardless of the character, but what this character and this body can achieve. In this sense, the analyzed work film will allow a reflection in the way of how the actor’s body can transit between the theatre and the cinema, therefore indicating common characteristics between the two languages.




HARTMANN, Luciana. Performances da mentira entre contadores de “causos” tradicionais. Brasília: UnB, Professor Adjunto Depto. de Artes Cênicas – PPG-Arte (Programa de Pós-Graduação em Arte).

performance narrativa; mentira; tradição oral; narradores tradicionais

Em diversas comunidades rurais situadas na região da fronteira entre Argentina, Brasil e Uruguai, narradores tradicionais, conhecidos como “contadores de causos” ou “cuenteros”, utilizam a mentira como estratégia para suas performances. Sua legitimidade como narradores está relacionada ao uso que fazem dessa estratégia, mantendo a coerência e respeitando os códigos expressivos de seis grupos. Esta comunicação pretende debater como as tradições narrativas locais se constroem a partir de diferentes processos de seleção e transformação dos saberes e experiências vividas, ouvidas e/ou imaginadas, ou seja, como são performatizados o esquecimento e a mentira. Estas questões serão abordadas a partir de observações oriundas de pesquisa de campo realizada na região. Depois de uma pequena introdução sobre o papel do narrador na transmissão e re-criação da memória do grupo, serão analisados exemplos que permitem verificar como os fatores acima mencionados participam na constituição das tradições orais nesta fronteira.

narrative performance; lie; oral tradition; traditional storytellers

Em diversas comunidades rurais situadas na região da fronteira entre Argentina, Brasil e Uruguai, narradores tradicionais, conhecidos como contadores de 'causos' ou 'cuenteros', utilizam a mentira e o esquecimento como estratégias para suas performances. Sua qualificação e legitimidade como narradores estão, em grande parte, relacionadas ao uso que fazem dessas estratégias, mantendo a coerência e respeitando os códigos expressivos para que determinados conhecimentos sejam transmitidos e preservados. Este trabalho pretende debater como as tradições narrativas locais se constroem a partir de diferentes processos de seleção e transformação das experiências vividas e ouvidas, ou seja, como se constituem culturalmente o esquecimento e a mentira. Estas questões serão abordadas a partir de observações oriundas de vários anos de pesquisa de campo realizada na região mencionada. Depois de uma pequena introdução sobre o papel que os narradores tradicionais ocupam não apenas na transmissão expressiva de experiências vividas, mas na elaboração e transformação destas, serão analisados exemplos etnográficos que permitem verificar como, na prática, os fatores acima mencionados representam saberes específicos, que participam da constituição das tradições orais desta tríplice fronteira.




LIMA, Francisco André Sousa. O Riso e o Espectador Soteropolitano: Reflexões sobre o Fenômeno da Recepção nos Espetáculos “Cabaré da Rrraça!” do Bando de Teatro Olodum e “Berlindo” do Grupo de Teatro Finos Trapos. Salvador-BA: Universidade Federal da Bahia. Estudante do mestrado do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas; orientador: Luiz Cláudio Cajaíba Soares.

recepção: comicidade: teatro engajado: pedagogia do espectador.

"Resumo
Trata-se de uma abordagem dos princípios que norteiam a pesquisa em desenvolvimento no Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da UFBA sobre o fenômeno da recepção no teatro soteropolitano e sua relação com o riso enquanto programa de efeito pretendido por espetáculos de discurso mais claramente engajado em temas de relevância social. Parte do pressuposto de que, nesse contexto, o riso assume uma função didática colocando-se em favor dos objetivos ideológicos do dramaturgo e opera como prazer e provocação nos espectadores. Para averiguar essa afirmativa a investigação dialoga com teorias de Henri Bergson, Cleise Mendes, Bertolt Brecht e Hans R. Jauss. Utiliza-se da experimentação de procedimentos extraespetaculares que aliem a apreciação estética dos espetáculos eleitos como estudo de caso – “Cabaré da Rrrraça” do Bando de Teatro Olodum e “Berlindo” do Grupo de Teatro Finos Trapos – a uma atividade de reflexão e debate com um grupo específico de espectadores: Estudantes secundaristas de algumas escolas da cidade do Salvador."

reception: comedy: engaged theater: the pedagogy of the viewer.

"Abstract
This is a discussion of principles that guide the research - currently in development at the UFBA Postgraduate Program in Performing Arts - on the phenomenon of soteropolitan public reception of theatre plays, as well as their relationship with laughter, as an intended effect program, in plays which engage in issues of social relevance. It assumes that in this context laughter takes a didactic function, putting the spectator in favor of the ideological goals of the playwright, and operating as pleasure and provocation to the spectators. To check this assertion, the research engages in dialogues with the theories of Henri Bergson, Bertolt Brecht, Hans R Jauss and Cleise Mendes. It uses non spectacular experimentation procedures, combining aesthetic appreciation of the performances elected as case studies - ""Cabaré da Rrrraça"", of the Olodum Theatre Group and ""Berlindo"", of the Finos Trapos Theatre Group - an activity of reflection and debate within a specific group of spectators (High school students from some schools in the city of Salvador)."




MARTINS, Rosilandes C.(Rosi Martins). Tramas de visualidades cênicas e híbridos inesperados: corporeidade, vestimenta e memória em In Illo Tempore. Goiânia: Universidade Federal de Goiás. Escola de Música e Artes Cênicas; docente. Atriz e figurinista.

corporeidade, figurino, memória, visualidade cênica, artista-pesquisadora

RESUMO: A proposição deste trabalho é instigar sobre os aspectos corporais, de figurino e memória presentes na série de pinturas In Illo Tempore de Ana Maria Pacheco. A investigação parte da simbiose entre teatralidade e visualidade, amalgamando a noção de visualidade cênica, entendida a partir de estados ampliados, híbridos, imprevistos e metamórficos. Corporeidade, figurinos, máscaras e adereços são elementos cruciais desta cartografia dinâmica. O artigo procura também analisar a mirada com olhar errante, em uma recepção performativa, na qual o espectador recebe o chamado para entrar com sua história de vida, memórias, lembranças e experiências. Neste campo expandido, a proposta é articular a discussão acerca dos modos como se processam essas noções em consonância com a construção de um pensamento prático-teórico que envolve a autora deste trabalho enquanto artista- pesquisadora.

embodiment, costumes, memory, visual scenic, artist-researcher

ABSTRACT: The proposition of this work is to instigate about aspects corporal, costume and memory presents in the series of paintings In Illo Tempore by Ana Maria Pacheco. The research part of the symbiosis between theatricality and visuality, amalgamating the notion of visual scenic, understood from expanded states, hybrids, unexpected and metamorphic. Corporeality, costumes, masks and props are crucial elements of this dynamic cartography. The article also seeks to analyze the errant gaze in a reception performative, in which the spectator receives the call to enter with his own life story, memories, remembrance and experiences. In this expanded field, the proposal is to articulate the discussion about the ways these concepts are processed in accordance with the construction of a theoretical-practical thinking that involves the author of this paper as an artist-researcher.




MASSA, Clóvis Dias. A dramaturgia do espectador e o lugar de sua experiência. Porto Alegre: PPGAC/UFRGS; professor adjunto.

recepção, zona de experiência

O presente trabalho aborda o lugar destinado ao espectador de teatro em distintas proposições cênicas e os modos como se configuram os processos de recepção em espetáculos que propiciam uma forma específica de acolhimento do público e a verticalização do trabalho do espectador, considerado como sujeito, participante ou testemunha. A investigação visa refletir sobre o jogo dialético de determinação e indeterminação proposto pelo espetáculo por meio de sua focalização/sensibilização, e aborda a dramaturgia do espectador em relação a algumas poéticas que consagram o teatro como zona de experiência.

recéption, zone d'experience

Ce document traite de la place pour le spectateur de théâtre dans différentes propositions scéniques et la façon dont ils façonnent les processus de réception des spectacles qui offrent une forme spécifique d'accueil au publique et la verticalisation du travail du spectateur, en tant que sujet, participant ou témoin. La recherche vise à réfléchir sur la dialectique de la détermination et l'indétermination proposé par le spectacle à travers sa focalisation/sensibilization, et aborde la dramaturgie du spectateur par rapport à quelques poétiques qui établient le théâtre comme une zone de l'expérience.
------------------------------------------------------------------------



MATE, Alexandre. Apontamentos acerca o teatro de grupo na cidade de São Paulo: uma força de combate.São Paulo: Instiituto de Artes - Unesp. Professor Doutor Assistente (Departamento de Artes Cênicas, Educação e Fundamentos da Comunicação).

teatro de grupo: teatro paulistano: teatro e política: teatro e mobilização.

Na década de 1990, diversos grupos de teatro mobilizados politicamente criam movimento Arte Contra a Barbárie, cujo escopo de luta contra o mercado reificante faz surgir um programa municipal de fomento transformador do fazer teatral na cidade paulistana.

Theatre Group: Theatre in São Paulo: theater and politics, theater and mobilization.

In the 1990s, several theater groups create movement mobilized politically Art Against Barbarism, whose scope of fight against reifying the market gives rise to a municipal program to promote the transformer to do theater in the city of São Paulo.
------------------------------------------------------------------------



MATSUMOTO, Roberta Kumasaka. Memórias de Carmem. Paris (FR): Université Paris 8 – Vincennes – Saint–Denis; Pós-doutorado; Bolsa CAPES. Professora Adjunta do Departamento de Artes Cênicas e do Programa de Pós-Graduação em Arte – UnB.

Teatro e audiovisual; Filme de teatro; Carmen; Adaptação; Peter Brook

O diálogo entre o teatro e o cinema tem sido intenso desde a elaboração dos primeiros dispositivos de registro audiovisual. Se, por um lado, as possíveis influências e intercâmbios entre essas linguagens tem se delineado pelas tentativas de (re)afirmação e (re)significação de uma pela outra, estimulando processos criativos que trabalham no cerne e nos limites dessas linguagens; por outro, as relações estabelecidas entre elas se iniciam e se mantém pela possibilidade de registro e estudo do movimento e do gesto, abarcando dessa forma questões referentes à metodologia de pesquisa em artes cênicas e à permanência e apropriação de uma arte que caracteriza-se por sua efemeridade. Ao analisar a transposição do espetáculo Carmem para a linguagem audiovisual, realizada por Peter Brook, pode-se compreender melhor os desafios que tal procedimento instala quando se procura, para além do registro, encontrar caminhos que movimentem memórias e (re)velem as instancias de re(a)presentação de uma obra cênica.

Théâtre et audiovisuel ; Film de théâtre ; Carmen ; Adaptation ; Peter Brook

Le dialogue entre le théâtre et le cinéma est intense depuis l’élaboration des premiers dispositifs d’enregistrement audiovisuel. D’un côté, les possibles influences et échanges entre ces langages sont esquissées par les tentatives de (ré)affirmation e (re)signification de l’un par l’autre, stimulant les processus créatifs qui existent au coeur et aux limites de ces langages. De l’autre, les relations établies entre eux commencent et se maintiennent grâce à la possibilité d’enregistrement et d’étude du mouvement et du geste, en couvrant de cette manière des questions relatives à la méthodologie de recherche en arts scéniques et à la permanence et l’appropriation d’un art qui se caractérise par l’éphémère. Dans l’analyse de la transposition du spectacle Carmen au langage audiovisuel, réalisée par Peter Brook, il est possible de mieux comprendre les défis contenus dans ce processus quand on cherche à dépasser le simple enregistrement et à rencontrer des chemins qui remettent aux mémoires et révèlent les diverses instances de (re)présentation d’une œuvre scénique.




MELLO, Janaína (Janaina Melo de Lima). Imagens de rupturas: Investigação para um encontro entre cinema teatro e performance. Brasília: UNB. Mestrado; Luciana Hartmann. CAPES. Atriz e produtora.

teatro, performance, cinema, processos composicionais

Esta proposta de comunicação advém do desenvolvimento do projeto de mestrado “Imagens de rupturas: Investigação para um encontro entre cinema teatro e performance”, que visa a estudar o diálogo entre tais linguagens artísticas no processo criativo do ator compositor, considerando as possibilidades que a utilização destas podem gerar na construção de imagens de rupturas e na reflexão sobre o papel da interpretação. O objetivo da exposição é a discussão das possibilidades abordadas no projeto, partindo do conceito de teatro pós-dramático (Lehmann) para problematizar as relações entre teatro, performance e cinema.

theater, performance, film, compositional processes

This proposal of communication stems from the elaboration of the master project entitled "Images of Ruptures: An Investigation for a Meeting between Theater and Film Performance," which aims to study the artistic dialogue between these languages in the creative process of the actor composer, considering the possibilities that their use can lead to the construction of images of ruptures and the reflection on the role of interpretation. The aim of the exposition is the discussion of the possibilities addressed in the project, based on the concept of post-dramatic theater (Lehmann), to discuss the relationship between theater, performance and film.
------------------------------------------------------------------------



MORAES, Martha Lemos. Formação de Plateias: um desafio de acesso físico e/ou linguístico? Brasília: Serviço Social do Comércio– SESC/DF; Universidade de Brasília; mestrado; Marcus Santos Mota. Atriz, Gestora e Produtora Cultural.

Recepção teatral: espaços culturais: formação: plateia

"RESUMO 
Este artigo aponta reflexões a respeito da recepção teatral na perspectiva do gestor de espaços culturais. Investiga o universo da tradicional frase “vá ao teatro, mas não me chame”, através de uma breve análise histórica sobre as chamadas “crises do teatro” e do “esvaziamento dos teatros”. Discute tanto os aspectos de acessibilidade física/presencial das plateias aos espetáculos quanto de acesso linguístico, considerando ambos importantes e complementares para a fruição do receptor. Dialoga com os estudos culturais, midiáticos, estéticos, pedagógicos e teatrais, para compreender os fenômenos complexos da fruição através da recepção de diferentes estéticas teatrais manifestadas na contemporaneidade. Por fim, apresenta algumas possibilidades estratégicas que têm sido experimenciadas no projeto de pesquisa-ação “SESC Arte-Educação: Transformando Plateias” desenvolvido no Espaço Cultural Paulo Autran, em Taguatinga/DF."

Theatrical reception: cultural spaces: formation: audience.

"ABSTRACT
This article presents reflections regarding the theatrical reception In the perspective of the cultural spaces manager. It explores the context of the traditional phrase “go to the theater, but don’t call me”, through a brief historical analysis of the so-called “crisis of the theater” and the “theaters’ emptying out”. It discusses both material and linguistics aspects of the audience’s accessibility, considering both important and complementary ones for the enjoyment of the receiver. It dialogues with cultural, mass media, aesthetic, pedagogical and theatrical studies, in order to understand the complex phenomena of the enjoyment through the reception of different theatrical aesthetics revealed in the contemporary world. Finally, it presents some strategic possibilities that have been experienced in the research-action project “SESC Art-Education: Transforming Audiences”, developed at the Paulo Autran Cultural Space, Taguatinga/DF."




MOTA, Marcus. Estudos Classicos e Recepção. Interfaces entre Estudos teatrais e antiguidade greco-latina.Brasília: Universidade de Brasília. Professor Teoria e História do Teatro, Universidade de Brasília. Dramaturgo e cancionista.

Estudos Clássicos, Estudos Teatrais, Recepção

"A constante reinterpretação de obras da Antiguidade Grego-Latina tem produzido impulsos para processos criativos e motivações para as mais diversos projetos intelectuais. No interior dos Estudos Clássicos essa relação com os modos de apropriação e transformação do ""chamado legado clássico""tem sido discutida sob o emblema de ""Recepção dos Clássicos"". Nesta comunicação eu apresento o estado da questão a partir da análise de obras de autores como E. Hall, Lorna Hardwick,entre outros, bem como databases como Project Perseus e APGRD, revistas acadêmicas como Didaskalia, Classical Reception Journal, e a rede Classical Reception Studies Network.
Bibliografia
HALL, E. Towards a theory of performance reception. Arion 12 (2004) 51-89.
HALL, E. Theorising Performance: Greek Drama,Cultural History and Critical Practice. Gerald Duckworth, 2010.
HARDWICK, L. Reception Studies. Oxford University Press, 2006.
HARDWICK, L. (Ed.) A Companion to Classical Receptions. Willey-Blackwell, 2010.
MARTINDALE, C. & THOMAS, R. Classics and the Uses of Reception. WIley-Blackwell, 2006. 
VVAA Reception and the Classics:A Interdisciplinary Approach to the Classical Tradition. Cambridge University Press, 2012"

Classics, Theatre Studies, Reception

"The constant reinterpretation of works of ancient Greek, Latin has produced impulses for creative processes and motivations for the various intellectual projects. Inside the Classics this relationship with the modes of appropriation and transformation called ""Classical Tradition"" has been discussed under the emblem of "" Classical Reception."" In this paper I present the state of the question from the analysis of works of authors such as E. Hall, Lorna Hardwick, among others, as well as databases and APGRD Perseus Project, academic journals as Didaskalia, Reception Classical Journal, and Classical Reception Studies Network .
Bibliography
HALL, E. Towards a theory of performance reception. Arion 12 (2004) 51-89.
HALL, E. Theorising Performance: Greek Drama,Cultural History and Critical Practice. Gerald Duckworth, 2010.
HARDWICK, L. Reception Studies. Oxford University Press, 2006.
HARDWICK, L. (Ed.) A Companion to Classical Receptions. Willey-Blackwell, 2010.
MARTINDALE, C. & THOMAS, R. Classics and the Uses of Reception. WIley-Blackwell, 2006. 
VVAA Reception and the Classics:A Interdisciplinary Approach to the Classical Tradition. Cambridge University Press, 2012."




OLIVEIRA Roberto Rodrigues de. A Cenografia Viva do Grupo XPTO de Teatro. São Paulo: Universidade Estadual Paulista. Mestrado; Wagner Francisco de Araújo Cintra.

teatro: encenação: cenografia

A cena proposta pelo Grupo XPTO de Teatro tem revolucionado o arcabouço material e humano da expressão teatral ao longo destas últimas três décadas, deixando sua destacada contribuição reconhecida no Brasil e no mundo. O resultado hoje apresentado pelo grupo é produto do amadurecimento da experiência com diferentes modalidades artísticas e da integração entre essas modalidades. O desenvolvimento da poética cênica do XPTO conta com várias técnicas e habilidades, como o teatro de animação, as artes plásticas, a cenografia modular, a música, as técnicas corpóreas. A integração entre os diferentes elementos da cena foi desenvolvida de modo a conferir maleabilidade e mobilidade à cenografia que chega a se fundir com o adereço, o figurino, o objeto manipulável, a iluminação. Esse hibridismo cênico confere certa autonomia à materialidade permitindo que esta participe efetivamente da ação cênica e confira um dinamismo especial à obra do XPTO. Gaston Bachelard se apresenta como referência bastante apropriada na legitimação do valor da cena do XPTO, cuja construção poética confere ao artista e ao espectador toda dádiva encontrada na Poética do Espaço.

theatre: staging: scenography

The scene proposed by Grupo XPTO de Teatro has revolutionized the material and human framework of the theatrical expression over the last three decades, handing on a major contribution which is recognized so much in Brazil as in all over the world. The outcome nowadays presented by the group is the fruit of the maturing of the experiment with various artistic modalities and also of the integration of these modalities. The development of XPTO’s scenic poetic encompasses a number of technics and habilities, as the animation theatre, plastic arts, modular scenography, music, body technics. The integration of different scene elements was developed in such a way to grant ductility and mobility to the scenography, melting it with ornamental, clothing, manipulated objects and illumination. This scenic hybridity bestows a kind of autonomy to the materiality, enabling that this very materiality takes a real part in the scenic action and granting dynamics to XPTO’s work. Gaston Bachelard stands as a remarkably applicable reference which legitimizes the value of XPTO’s scene, whose poetic construction provides to the artist and also to the spectator all of the gift found in the The Poetics of Space.
------------------------------------------------------------------------



OLIVEIRA, Denivaldo C. Formação em palhaço: reflexões metodológicas sobre o processo de aplicação de metodologia de formação de novos palhaços na disciplina TEAC 1, no Departamento de Artes Cênicas. Brasília: Universidade de Brasília. Programa de Pós-Graduação em Arte - IDA; aluno regular do Mestrado; orientador: Marcus Mota. Denis Camargo é integrante do grupo BR S.A. - Coletivo de artistas, no qual exerce as funções de ator, diretor teatral, palhaço e produtor cultural.

formação de palhaços, prazer, afeto, jogos improvisacionais.

Este trabalho pretende expor a metodologia de formação de novos palhaços, utilizada na disciplina “Técnicas Experimentais em Artes Cênicas 1” (TEAC 1- no DAC, UnB), em 2011. Propõe-se a reflexão sobre os meios que podem viabilizar a formação de novos palhaços, tendo como perspectiva a visão sobre as necessidades e as especificidades que envolvem o aprendizado dos alunos no seu processo de formação. Para tanto, utilizam-se as relações entre arte, afeto e educação, conforme proposta de Marly Meira e Silvia Pilloto (2010), apropriando-se do conceito de afeto, de Espinosa e Deleuze, a fim de entender-se o jogo e sua relação com o prazer, na perspectiva de Jean-Pierre Ryngaert (2009). Comparativamente, são discutidas as proposta de Jacques Lecoq (2010) e a metodologia aplicada na École Jacque Lecoq, buscando-se, na etnocenologia, a compreensão das noções de sujeito de si, sujeito de consciência e sujeito de presença. Finalmente, analisa-se a utilização de jogos improvisacionais como método de aprendizado da linguagem da palhaçaria e discutem-se, na análise da metodologia de formação, os cruzamentos entre performance e pedagogia propostos por Elyse Lamm Pineau (2010).

Clown education, pleasure, affection, improvisation games

This paper aims to explain the methodology of training new clowns, used in the discipline “Técnicas Experimentais em Artes Cênicas 1” (TEAC 1- no DAC, UnB), 2011. It proposeS a reflection on the means that can facilitate the new clowns education, and a perspective view of the needs and specificities that involve the learning of students in their educational process. For this purpose, we use the relations between art, affection and education, as proposed by Marly Meira and Silvia Pilloto (2010), appropriating the concept of affection, of Spinoza and Deleuze, in order to understand the play and its relation to pleasure, from the perspective of Jean-Pierre Ryngaert (2009). Comparatively, we discuss the proposal of Jacques Lecoq (2010) and the methodology applied at the Ecole Jacque Lecoq, seeking, in ethnoscenology, understanding the concepts of the subject itself, the subject of consciousness and the subject of presence. Finally, it analyzes the use of improvisational games as a method of learning the language of palhaçaria (clownaria) and discusses in the analysis of training methodology, the intersections between performance and pedagogy proposed by Elyse Lamm Pineau (2010).




OLIVEIRA, Lenine. Ressonância Cênica do Ato Musical. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro. Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas, doutorado. Ana Maria de Bulhões-Carvalho. Professor do Departamento de Arte Corporal da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Músico. Físico.

Ressonância: Música: Artes Cênicas:performance musical

Aquilo que o músico realiza possui grande possibilidade de apresentar ressonância com o aspecto cênico de sua performance. Para tanto, é necessário que haja entre o que é próprio e específico ao ato de um músico e o que produz interesse na cena, condições favoráveis à ressonância. A força cênica da performance do músico será tão maior quanto mais permeável às possíveis condições ressonantes, entre a Música e as Artes Cênicas, o artista dos sons estiver. Teço uma analogia aplicando o conceito utilizado na Física a uma possibilidade de interação entre elementos constituintes da performance do músico na cena. A ideia de ressonância, por ser uma condição limite, apresenta uma interessante ferramenta conceitual para desenvolver uma relação entre elementos a princípio entendidos como independentes. Será na percepção da manifestação ressonante do ato de produzir Música, que se constituirá a cena do Músico em sua plenitude. Este trabalho é parte integrante da pesquisa de doutorado que busca entender a realização de uma performance musical como um ato essencialmente cênico, em uma alternativa ao pensamento e à prática que propõem uma separação entre o músico e os demais artistas da cena.

Resonance: Music: Performing Arts: Music Performance

The act of the musician has the single possibility to present resonance with the scenic aspect of his art. For this purpose, there must be between what is proper and specific to the act of a musician and what produces interest in the scene, favorable conditions for resonance. I weave an analogy in applying the concept used in physics as a possibility of interaction between the various components of the performance of the musician on the scene.The idea of resonance, as a limit condition, presents an interesting conceptual tool to develop a relationship between elements at first perceived as independents each others. This work is part of doctoral research which seeks to understand the performance of the musician as an act essentially scenic, an alternative to thought and the practice that suggest a separation between the musician and the other artists of the scene.





PESSANHA, Sunshine (Sunshine Pessanha Chagas Carneiro). ENSAIOQUEPROVOCAPLATEIAQUERE-CONHECE(SE).HAMLET: possíveis pontes entre palco e plateia na cena teatral contemporânea. Niteroi: Universidade Federal Fluminense. Pós-graduação em Estudos Contemporâneos das Artes, Mestrado, Martha Mello Ribeiro. Atriz e encenadora.

Pós-dramático, espectador, fruição

"O presente trabalho toma como seu ponto de partida a relação, no âmbito estético-artístico, entre o teatro “pós-dramático” e seu público. Para tal, parte do caso específico da relação proposta pelos trabalhos da Cia dos Atores com sua plateia, a comunicação desejada, seus facilitadores e dificultadores.
Tendo como base questões levantadas por Umberto Eco em Os Limites da Interpretação, frente ao que Lehmman nos indica para o Teatro Pós-dramático, são usadas tanto pesquisa jornalística como experiência empírica diante de espetáculos em cartaz durante o desenvolvimento do presente trabalho, com entrevistas posteriores ao público.
Entendendo que toda leitura é baseada num processo de memória, sendo tão importante o dado selecionado quanto aquele desprezado pelo leitor, sabendo tal seleção fruto de processos pessoais e culturais põe-se em xeque o desejo da heterogeneidade da plateia no intento de maiores possibilidades de fruição em contraposição às escolhas tidas como “corretas” ou não diante do espetáculo, bem como a valorização da fruição do espectador “comum” na sua tentativa frustrada do sentido por meio da síntese."

Post-dramatic, spectator, fruition

This paper takes as its starting point the relationship, under the artistic aesthetic, between the "post-dramatic theater" and his audience. To this end, part of the specific case of the relationship proposed by the work of Cia dos Atores with their audience, the desired communication, its facilities and difficulties. Based on questions raised by Umberto Eco in The Limits of Interpretation, in compared to what Lehmman shows for the post-dramatic theater, both journalistic and empirical research (performances in theaters during the development of this work, with subsequent interviews to the publc) are used. Understanding that all reading is based on a process of memory, the data is as important as that selected despised by the reader, knowing the product of such selection processes both personal and cultural ways in question the desire of the heterogeneity of the audience in an attempt to more possibilities for enjoyment in contrast to the choices taken as "correct" or not at the spectacle, and the appreciation of the enjoyment of the "usual" spectator in his failed attempt of meaning by synthesis.




PIEDADE, Valquiria Vasconcelos. Ator e espectador: do encontro ao acontecer poético. Florianópolis: Centro de Artes/Universidade do Estado de Santa Catarina – UDESC; PPGT; Mestrado em Teatro; orientador Edelcio Mostaço; bolsa PROMOP-UDESC.

Ator; acontecer poético; contemporâneo; Apolo e Dionísio.

O artigo tem como objetivo pensar o encontro poético entre ator e espectador a partir da perspectiva de Martin Heidegger em um viés hermenêutico fenomenológico. Para pensar este encontro, buscar-se-á compreender o ator como possibilidade de essência velada do tempo (termo utilizado por Friedrich Nietzsche). Assim, pergunta-se: como este encontro pode vir acontecer poeticamente? Para elucidar tal questão será compartilhada a ideia de contemporâneo elaborada por Giorgio Agamben. Como possível consideração para o acontecer deste encontro poético, será proposto um olhar metafórico entre os deuses do teatro – Apolo e Dionísio – na busca de um acontecer em equilíbrio entre o medido e o desmedido (uma perspectiva nietzscheniana).

Actor; happen poetic, contemporary, Apollo and Dionysus.

The article aims to reflect the poetic encounter between actor and spectator from the perspective of Martin Heidegger in a phenomenological hermeneutic bias. To think about this encounter, will be searched to understand the actor as a possibility of veiled essence of time (term used by Friedrich Nietzsche). So the question is: how this meeting may happen poetically? To clarify this issue will be shared the idea of contemporary developed by Giorgio Agamben. As a possible consideration for the happen poetic, will be offered a metaphorical look at the theater among the gods - Apollo and Dionysus - in search of a happen in the balance between measured and the unmeasured (nietzscheniana perspective).




PINTO, Erlon Cherque. O Capitão e a sereia, Companhia Clowns de Shakespeare: tradição ou contemporaneidade teatral? João Pessoa: Universidade Federal da Paraiba (UFPB). Universidade Federal da Paraíba (UFPB); Professor Adjunto.

Teoria Teatral, Teatro Contemporâneo, Temporalidade.

"RESUMO
Em 'O capitão e a sereia', espetáculo do Grupo Teatral Clowns de Shakespeare, notam-se elementos e estruturação característicos da fábula, remontando à Commedia Dell'Arte e ao Teatro Burguês. A partir de uma pista falsa proposital: espetáculo tradicional ou contemporâneo?, o estudo suspeita do mero contraste entre passado e presente no exame da atividade teatral mais recente. Se a trama segue a memória do protagonista, trata-se de memória deslocada pela ausência deste mesmo sujeito (protagonista). Desse modo, a fábula deixa a posição de centro e se torna vestígio, traço ou rastro. Por esse viés, identificar elementos estruturadores da fábula em 'O capitão e a sereia' aponta complexidades para além da reafirmação de valores e/ou carga sentido da Commedia Dell'Arte ou do Teatro Burguês. Em lugar disso, parece ocorrer subversão/ressignificação de tais configurações. Talvez, o relacionamento truque/real em diferentes níveis e camadas cumpra a função de fio condutor do espetáculo. Destaca-se o Teatro Contemporâneo empenhado na construção da temporalidade do momento corrente."

Theatral Theory, Contemporary Theatre, Patterns of Time

"ABSTRACT
The play entitled 'O capitão e a sereia (The captain and the mermaid)', by the brazilian Theater Group Clowns de Shakespeare (Clowns of Shakespeare) demonstrates aspects and structure presents in the story as it appears in the Commedia Dell'Art and in the Bourgeois Theatre. Considering a false statement: Traditional or Contemporary theatre?, this study suspects of the mere contrast between past and present in the exam of the most recent theatrical activity. The tale is based on the protagonist's memory, but he (the protagonist) is absent of the facts. The memory results in displacement. So, the story changes its center position to become a track or trace. As a consequence, the characteristics of the story identified in 'O capitão e a sereia' points out complexities that surpass the values and the current meanings of the Commedia Dell'Art and the Bourgeois Theatre. On the other hand, there is ressignification/reconfiguration of those theatrical aesthetics. Maybe, the relationship trick/reality can figure as orientation-line of the spectacle. Following this reflection, The Contemporary Theatre performs the construction of the patterns of time concerning the current moment."


 

PIRES, Graciane Borges. O espectador criador no espetáculo Projeto Teatro à La Carte: notas sobre a construção de uma “emancipação poiética”. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul. UFGRS, Mestrado em Artes Cênicas, Clóvis Dias Massa. Bolsa CAPES.

espectador emancipado; teatro; ator

"RESUMO
O artigo reflete como se estabelece a relação ator/espectador no espetáculo Projeto Teatro à La Carte, apresentado em espaços não convencionais ao teatro e com a participação ativa do espectador que escolhe a cena que quer assistir. Esta escolha se faz através de um cardápio impresso, contendo em seu “menu”, cenas teatrais de diversos autores da dramaturgia e literatura mundiais. Desse modo abordaremos, principalmente a partir da noção de “espectador emancipado” de Jacques Rancière, como esta proposta de participação do espectador estabelece a possibilidade de uma “emancipação poiética” nos dois agentes teatrais: ator e espectador. Com o entendimento de que o espetáculo, neste caso, é realizado não só com a participação, mas com a ação efetiva do da platéia por meio da escolha do que quer assistir, esboça-se a noção de “emancipação poiética” do espectador e de sua relação com o ator, visto que ambos constroem a subjetividade através da interação artística."

spectator; theatre; actor

This article discusses how it is established a relation actor/spectator at the spectacle Project Theater à La Carte, presented in non-conventional spaces to the theater and with the active participation of the spectator who chooses the scene that he wants the see. Such choice is made through a printed carte, which contains in its “menu”, theatrical scenes of divers authors of universal dramaturgy and literature. Thus, we approach, mainly from the notion of the “emancipated spectator” by Jacques Rancière, how such proposal of the spectator’s participation establishes a possibility of a “poietic emancipation” in the two theatrical agents: the actor and spectator. Understanding that the spectacle, in this case, is realized not only with the audience’s participation, but also with its effective action through the choice of what they want to see, we sketch the notion of “poietic emancipation” of the spectator and of its relations to the actor, taking into account that both build their subjectivity through the artistic interaction.




REINATO, Eduardo José . BECKETT COM PÉS DE CURUPIRA – PERFORMANCE EM COMPANHIA – GRUPO MÁSKARA. Goiânia. Pontifícia Universidade Católica de Goiás; Doutor. Professor da PUC Goiás, pesquisador da Rede Goiana de Pesquisa em Performances culturais.

PALAVRAS-CHAVE: Beckett : Teatro : Grupo Maskara

A idéia central deste trabalho é analisar a montagem e apresentação de duas peças do grupo Máskara, do repertório de Beckett: Companhia e Que Onde. Visa-se entender a história do grupo, e as perspectivas de abordagem e leituras dos textos de Beckett, bem como sua recepção por parte do diretor e do elenco das peças. Ao mesmo tempo, trabalhar-se-á com a perspectiva de teatralidade performática. Procura-se destacar a conexão da construção dos personagens com a lógica de indução da representação beckettiana a partir da atualização do imaginário. Observar-se-á como a proposta estética de Beckett e do grupo máscara recompõe a perspectiva de um teatro de vanguarda, um exercício de performance e ao mesmo tempo, como a realização da concepção estética está aberta às diversas recepções.

KEYWORDS: State of Art: Beckett: Theatre: Máskara Group.

The idea of this paper is to analyze the assembly and presentation of two pieces of the Mask group of Beckett´s repertoire: Company and What Where. The aim is to understand the history of the group, and the future approach and readings of texts by Beckett, as well as its reception by the director and cast parts. At the same time, it will work with a view to theatricality and performatic. It seeks to highlight the connection of the construction of the characters with the logic of induction of representation from the Beckettian imaginary update. It will be proposed understand the aesthetics of Beckett and the group reassembles mask the prospect of an avant-garde theater, an exercise in performance and at the same time as the realization of the aesthetic design is open to various receptions.




RODRIGUES, Mauro R. Mediação, interação e produção de sentidos: Protocolos de recepção & Protocolos de processo. Londrina. Universidade Estadual de Londrina. Docente, Pesquisador, Diretor Teatral e Marionetista.

Espectador de teatro: Estética da recepção : Mediação estética : Teoria do teatro : Poética e pedagogia do teatro.

Aportes teóricos fornecidos pela estética da recepção permitem investigar a interação e a produção de sentidos numa plateia, vivenciadas por quarenta espectadores iniciantes, estudantes das séries iniciais da graduação em artes cênicas. Exercício dialógico este de poética da pedagogia do teatro que pressupõe a realização de mediações simbólicas, compostas na forma de Protocolos de recepção e Protocolos de processo, que são aqui definidos. Esta pesquisa faz-se em consonância à necessidade de associar conceitos da estética filosófica e a cena teatral contemporânea, sistematizando-se uma prática de recepção teatral à promoção, produção teatral e ao estudo de teatro.

Keywords: theater spectator; aesthetic reception; aesthetic mediation ; poetics and pedagogy of the theatre

Theoretical framework provided by the aesthetics of reception permit to investigate the interaction and the production of meaning in the audience, experienced by forty beginners spectators, students from the initial series of undergraduate degree. This exercise in the dialogical poetics of theater pedagogy assumes the realization of symbolic mediations, composed in the form of protocols of reception and protocols of process, which are defined here. This research is done in accordance to the need to involve concepts of philosophical aesthetics and the contemporary theater scene, systematizing with a practice of the theater reception, to promote theater production and theater studies.




ROMANO, Olívia Camboim. O teatro no cotidiano escolar no Vale do Itajaí: diagnóstico de um projeto de mediação teatral. Blumenau: Universidade Regional de Blumenau. FURB; professora do quadro.

Educação Básica. Formação continuada. Jogos Teatrais. Mediação Teatral. Recepção Teatral.

Esta pesquisa, articulada com o projeto de extensão O jogo teatral na escola e o Programa Institucional Arte na Escola, é decorrente do trabalho de mediação teatral efetivado com professores no Vale do Itajaí. No biênio 2011-2012, o projeto ofereceu oficinas de jogos teatrais amparadas no trabalho de Spolin, Ryngaert e Boal para formação continuada de professores. Foram aplicados questionários sobre o teatro no cotidiano escolar com os participantes e os dados revelaram, dentre outras coisas, o seguinte: 92% são docentes na Educação Infantil; 57,33% nunca tinham participado de formação em teatro; 24% nunca foram ao Teatro; 69,33% realizam frequentemente trabalhos teatrais na escola em atividades como apresentações em datas comemorativas. Dentre os resultados alcançados destacam-se: a vivência de jogos teatrais está proporcionando uma experiência de formação prazerosa, despertando o interesse e gosto pelo teatro e estimulando a frequência desses professores em eventos teatrais. Tendo em vista que muitas crianças tomam o primeiro contato com o teatro por meio da escola, esse trabalho está instrumentalizando esses professores para mediarem o contato dos estudantes com a arte teatral.

Basic Education. Continued formation. Theatre games. Theatrical mediation. Theatrical reception.

This research, articulated with the extension project and Institutional Program Art at School, is the result of the work of theatrical mediation with teachers in Vale do Itajaí. Throughout the biennium 2011-2012, the project aims to offer workshops of theatre games based on the work of the Spolin, Ryngaert and Boal to continued formation of teachers. Questionnaires were applied about theater in school life with the participants and the data showed, among other issues, the following: 92% are teachers in kindergarten; 57,33% had never participated in theater training, 24% had never been to the Theater; 69,33% often perform theatrical works at the school in activities such as presentations on specific dates. Among the results stand out: the practice of theater games is providing a pleasant training experience, arousing the interest and love of theater and stimulating the frequency of these teachers in theatrical events. Whereas many children have in the first contact with the theatre through school, this work is equipping of these teachers to mediate the students contact with the theatrical art.




ROZA, Adriano. As transformações teatrais pelo vídeo. Brasília-DF: Programa de Pós-Graduação em Arte – Universidade de Brasília (UnB); Mestrando; Orientadora: Roberta Kumasaka Matsumoto; Bolsa CAPES; REUNI. Ator.

Teatro: Vídeo: Presença: Realidade: Vida

Este artigo propõe a discussão e consequente atualização de noções pertinentes ao desenvolvimento teatral, tais como presença, realidade e vida, focando nas transformações proporcionadas pela incorporação do vídeo pelo teatro. Parte do estabelecimento de dois pólos dentre os quais se espalha a pesquisa teatral. Um deles propõe uma busca pelo que haveria de mais essencial no teatro. O outro propõe uma busca pela mestiçagem, por meio do cruzamento com outras artes, mídias e tecnologias, de forma cada vez mais intensa. Os desenvolvimentos de ambos os pólos, entretanto, se confundem, quando se entende que o homem – sua percepção do mundo e de si mesmo – se modifica historicamente; que seu corpo é transformado por sua tecnologia (prolongando-o, tornando-se sua extensão) e por seus próprios pensamentos (que, por exemplo, dissolvem seus limites em incontáveis devires). Se a própria essência humana se altera, o mesmo ocorre com a sua arte. Repensar noções elementares, olhando ao passado, contudo, admitindo que tanto o homem quanto seu meio se transformaram, é desenvolver profundamente nossos pensamento e fazer teatral.

Theatre: Video: Presence: Reality: Life

This essay proposes the discussion and subsequent update of notions relevant to the theatrical development, such as presence, reality and life, focusing on changes provided by the incorporation of video in theatre. It starts spreading the theatrical research between two poles. One, motivating a quest for what is most essential in theatre. The other pole motivates a search for hybridism by the ever-growing incorporation of arts, medias and technologies. The developments of both poles, however, become confusing when it is known that the man – his perception of the world and of himself – changes historically, that his body is transformed by his technology (prolonging it, becoming its extension) and by his own thoughts (which, for example, dissolve boundaries in countless becomings). If the very human essence changes, so does its art. Rethinking elementary notions, looking to the past, however, assuming that both the man and his environment have changed, is to deeply develop the way we think and do theatre.




"SANT’ANA, Werlesson Grassi. Entre efeitos de sentido e de presença: recepção, jogo, memória e mundivivência. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (Unirio).
Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (Unirio); Mestrado; Maria Helena Werneck.
CAPES; mestrado (bolsa Reuni).
Ator."

recepção: mundivivência: memória: sentido: presença

Neste artigo reflete-se sobre recepção tendo como mote uma atividade performativa realizada por mim e Tania Alice. Para tanto é lançado mão da Estética da recepção, uma corrente teórica que versa sobre a recepção de textos verbais, sobretudo de textos literários. Ou seja, por meio de uma teoria da literatura, procura-se apontar o papel do receptor no jogo de construção do sentido na recepção de obras de arte de natureza diversa. Destacando-se desta teoria a defesa de um receptor que mobiliza no jogo a sua mundivivência, a sua memória, procura-se apontar a pertinência da investigação da relação entre recepção e memória, tendo como mote um conceito mais dilatado de memória, conceito que vá além da memória como recordação, mas como experiência sempre a se fazer, memória aberta às novas associações, interligações e configurações demandadas pelo jogo do texto. Por fim, fricciona-se a Estética da recepção à obra Produção de Presença de Hans Ulrich Gumbrecht, percebendo de que maneira aquela teoria pode ser considerada uma aproximação do objeto estético pela via do sentido e apontando outra possibilidade de aproximação do objeto que não a metafísica, na terminologia deste autor.

reception, mundivivência, memory, sense the presence

This article reflects on having received as his motto, an activity performed by Tania Alice and me. To do so is made use of the aesthetics of reception, a theoretical orientation that focuses on the reception of verbal texts, especially literary texts. That is, through a literary theory, seeks to point out the role of the receiver in the game of construction of meaning in the reception of works of art in nature. Emphasizing the defense of this theory of a receiver in the game that mobilizes its mundivivência, his memory, like pointing to the relevance of investigating the relationship between reception and memory, taking as his motto a concept more extended memory, a concept that goes addition to the memory as a souvenir, but as an experience always to do, open to new memory associations, interconnections and configurations demanded by the text of the game. Finally, rub the Aesthetics of reception to the work Production of Presence by Hans Ulrich Gumbrecht, realizing how that theory can be considered an approximation of the aesthetic object through the sense and pointing out another possibility of approximation of the object than the metaphysical in the terminology of the author.




SILVA, Angélica Beatriz Souza e. O processo criativo de Hugo Rodas no espetáculo "Os Saltimbancos". Brasília: Universidade de Brasília; Mestranda em Artes; Marcus Mota.

Grupo Pitu; Hugo Rodas; Processo Criativo; “Os Saltimbancos”.

"RESUMO
Hugo Rodas, uruguaio radicado no Brasil, exerce múltiplas funções nas artes cênicas, dentre elas: direção, atuação e encenação. Com um amplo percurso artístico, principalmente em Brasília, participa de diversos espetáculos. Nessa trajetória estão incluídos trabalhos realizados com o brasiliense Grupo Pitu, entre os quais se destaca “Os Saltimbancos”, apresentado de 1977 a 1979 nos estados de Goiás, Minas Gerais e Bahia. Assim, a partir da pesquisa nos arquivos do grupo e de entrevistas com os participantes, este artigo analisa o processo criativo de Rodas nesse espetáculo, como também a recepção e repercussão da obra."

Grupo Pitu (Pitu Group); Hugo Rodas; Creative Process; “Os Saltimbancos”.

"ABSTRACT
Hugo Rodas, Uruguayan living in Brazil, plays multiple functions in the scenic arts, among them: direction, acting and staging. With an extensive artistic background, especially in Brasilia, he participates in several spectacles. In his trajectory are included the work done with Grupo Pitu (Pitu Group), from Brasilia, among which stands out the play “Os Saltimbancos”, presented from 1977 to 1979 in the states of Goiás, Minas Gerais and Bahia. Therefore, from the research in the archives of the group and interviews with the participants, this article analyzes the creative process of Rodas on that play, as well as its reception and repercussion."




STELZER Andrea. A dra