Comunicação- O tempo-ritmo na perspectiva vocal - Aproximações e distanciamentos nas trajetórias de Jerzy Grotowski e Constantin Stanislávski
MACIEL, Adriana da Silva. O tempo-ritmo na perspectiva vocal - Aproximações e distanciamentos nas trajetórias de Jerzy Grotowski e Constantin Stanislávski. Ouro Preto: Universidade Federal de Ouro Preto (UFOP). Instituto de Filosofia Artes e Cultura (IFAC); Primeiro ano do mestrado em Processos e Poéticas da Cena Contemporânea; Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas (PPGAC) da UFOP; Orientador Ricardo Carlos Gomes. Bolsista da própria UFOP. Atriz e pesquisadora.
RESUMO
Esta comunicação visa discutir as experiências de Constantin Stanislávski e Jerzy Grotowski, relacionadas à perspectiva vocal do trabalho do ator, tendo como foco o tempo-ritmo, conceito experimentado por ambos ao longo de suas trajetórias. Para tanto, em um primeiro momento, faremos uma breve introdução sobre o sistema stanislávskiano, suas fases e seus desdobramentos no âmbito vocal. Na sequência, iremos discutir o trabalho de Grotowski, colocando o foco em suas pesquisas vocais. Passando pelas pesquisas de ambos, buscaremos então uma breve discussão em torno das possíveis aproximações e divergências presentes nos trabalhos dos dois pesquisadores, almejando assim uma visão mais clara sobre a utilização do conceito tempo-ritmo aplicado ao trabalho vocal do ator.
Palavras-chave: Stanislávski, Grotowski, voz, tempo-ritmo
ABSTRACT
This paper aims to discuss the experiences of Constantin Stanislávski and Jerzy Grotowski, related on the vocal perspective of the actor's work, focusing on the time-rhythm, concept experienced by both along their trajectories. Considering this, at first, we will make a brief introduction about the system of Stanislávski, his phases and perspective on the vocal context. In following we will discuss the work of Grotowski, concentrating the focus on his vocal researches. Passing by the research of both, then seek a brief discussion on the possible similarities and differences present in both studies, thus targeting a more clear view on the use of the concept of time-rhythm in the vocal aspect of the actor's work thought by the two researchers.
Keywords: Stanislávski, Grotowski, voice, time-rhythm
SILVA MACIEL, Adriana.pdf
Demonstração - Biurá - contas de sonhos: um processo de criação para além do corpo.
BARCELLOS, A. S. T. Biurá – contas de sonhos: um processo de criação para além do corpo. Campinas: UNICAMP. UNICAMP; Doutorado em Artes da Cena; Elisabeth Bauch Zimmermann. Bailarina e Professora
“Biurá – contas de sonhos” originou-se do encontro com a Psicologia Analítica de Jung, e dos conceitos que se aplicam à dinâmica da evolução humana, estabelecendo a criação por um novo caminho. O entendimento de homem com suas instâncias ancestrais, simbólicas, partilhadas na história da evolução, e no inconsciente proposto por Jung; suscitou uma pesquisa em criação coreográfica que vai além das construções corporais e da composição espacial para a cena. Este caminho foi guiado por imagens surgidas em sonhos e transformadas em movimento a partir da utilização e adaptação da “Imaginação Ativa”, técnica utilizada por Jung para acessar imagens inconscientes. Além desta técnica, alguns elementos da Psicologia Analítica foram trazidos à prática como estratégias em laboratórios de improvisação e criação, ampliando o trabalho corporal, e conduzindo a experiência artística numa construção coreográfica, que tocando em elementos psíquicos e arquetípicos, amplifica a própria vida.
PALAVRAS - CHAVE: imagens: inconsciente: Jung: processo de criação: sonhos
“Biurá – dream's beads” originated from the encounter with the Analytical Psychology of Jung, and some concepts that apply to the dynamics of human evolution, establishing the creation in a new path. The understanding of man with its symbolic and ancestral instances shared in the history of evolution, in the unconscious proposed by Jung; reveal a choreographic creation search that goes beyond the body's constructions and the spatial composition for the scene. This way was guided by dream's images arising at night and transformed into movement from the use and adaptation of "Active Imagination," technique used by Jung to access unconscious images. In addition to this technique, some elements from Analytical Psychology was brought to practice as strategies in creation and improvisation's Labs, enlarging the body's work and leding the artistic experience into a coreographic construction who touching in psychic and archetype elements, amplify the life.
KEYWORDS: images: unconscious: Jung: creation process: dreams
Comunicação - Jerzy Grotowski: uma reflexão sobre a condição do humano na arte do ator
GOMES, Adriane M. Jerzy Grotowski: uma reflexão sobre a condição do humano na arte do ator. Campinas: UNICAMP. Doutoranda; Orientadora Isa Etel Kopelman.
RESUMO:
Este estudo visa abordar a dimensão do humano na perspectiva estabelecida por algumas reflexões de Jerzy Grotowski a respeito da condição do humano na arte do ator, na formação artística do individuo e na ampliação de sua percepção do mundo. Buscar-se-á refletir de forma mais ampla a condição do humano explorada por este artista. Talvez, este estudo sobre Grotowski, seja apenas um pretexto para refletir a respeito da arte teatral e de suas possíveis abordagens, e da tentativa de Grotowski em encontrar e/ou provocar o individuo e a partir disso encontrar a essência do ator. Na busca dessa nova dimensão, podemos nos aproximar dos direcionamentos propostos por Grotowski em relação ao treinamento, possibilitando vislumbrar desdobramentos que ultrapassam o fazer teatral como forma, e que se apresentam como uma abertura de espaços. Nesse sentido, os dispositivos, provocados pela relação com o outro ou com suas próprias descobertas, parecem possibilitar o acesso a uma pesquisa individual, e, consequentemente, íntima do ator. Jerzy Grotowski propôs uma radicalidade no entendimento de teatro, um teatro além do espetáculo. Esta provocação colocou em crise as categorias teatrais e recuperou uma perspectiva lançada por K. Stanislávski, o trabalho do individuo sobre si mesmo.
Palavras-chave: arte do ator, condição de humano, Jerzy Grotowski
This study aims to address the human dimension in perspective by investigating some of Jerzy Grotowski’s reflections about the human condition in the actor's art, in the individual’s artistic education and in the expansion of his worldview. This study intends to give a wider reflection to the human condition explored by this artist. Perhaps, this study about Grotowski is just a pretext to think a bit more about the theatrical art and its possible approaches, and Grotowski’s attempts in finding and/or provoking the individual and from there find the actor’s essence. Probably, searching for this new dimension, we could approach ourselves of the directions proposed by Grotowski related to training, also envisaging evolvements beyond the theater as a way to do, and present themselves as an opening of spaces. In this term, the devices caused by the relationship with the other or with his own discoveries, seem granting access to an individual research, and hence the intimate actor. Jerzy Grotowski proposed a radical understanding of the theater, a theater beyond the play. This provocation questioned the theatrical categories and recovered a perspective launched by K. Stanislavsky, the individual work about himself.
Keywords: art of actor, human condition, Jerzy Grotowski
GOMES, Adriane M.pdf
Comunicação - Experiências do corpo cênico na criação da obra teatral Abensonhar
CASTRO, Rita de Cássia de Almeida Castro; CURI, Alice Stefânia. Experiências do corpo cênico na criação da obra teatralAbensonhar. Brasília: Universidade de Brasília. Departamento de Artes Cênicas; Professoras Adjuntas. Atrizes e diretoras.
Resumo
A Diplomação em Interpretação Teatral, no Departamento de Artes Cênicas da Universidade de Brasília, se realiza ao longo de três semestres letivos. As autoras e uma turma de quatorze estudantes, elegeram o livro Histórias Abensonhadas de Mia Couto como inspiração para a criação da peça Abensonhar. Como metodologia de preparação para o estado criativo e enquanto marco de resistência ao excesso de estímulos e à aceleração dos tempos vitais a que estamos sujeitos cotidianamente, iniciamos nossa prática diária com umespaçotempo dedicado ao silêncio, o qual favorece um estado de presença indispensável ao corpo cênico. Em seguida nos dedicamos ao exercício de nos olharmos longamente nos olhos, ampliando o espaço de escuta de diferentes dimensões de alteridade e da percepção dos sentidos que emergem nesse entre.
Palavras-chave: experiência, estado de presença, corpo cênico.
Abstract
The degree in Theatrical Interpretation at the Department of Performing Arts of the University of Brasilia is a three-semester duration program. The authors and a group of fourteen students, selected the book Estorias Abensonhadas by Mia Couto as an inspiration to create the theatrical production Abensonhar. The preparation methodology for the creative state, as a resistance mark to the excessive stimulation and acceleration of the vital times we are subjected to in our everyday life, consisted of a daily practice with a space-time dedicated to silence, favoring a state of presence essential to the scenic body. Later we dedicated ourselves to the exercise of looking at length in the eyes, widening the listening space of different dimensions of otherness and the perception sense that emerges from this space in between.
Keywords: experience, state of presence, scenic body.
CASTRO, Rita de Cassia A C.pdf
Comunicação- Palavra de Palhaço
ACHCAR, Ana (Ana Lucia Martins Soares). PALAVRA DE PALHAÇO. Rio de Janeiro: UNIRIO. Professora Adjunta. Atriz e Diretora.
O presente trabalho teve início em 2013 dentro das atividades de pesquisa do Programa Enfermaria do Riso na Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro, UNIRIO. Tratou-se da criação de exercício cênico que utilizou como base dramatúrgica as narrativas biográficas dos palhaços da tradição circense no Brasil nos últimos cem anos. O estudo, a princípio, foi criado no âmbito do curso de formação em palhaçaria de hospital da UNIRIO, e incluiu a participação de nove estudantes entre bolsistas de extensão e voluntários. A pesquisa teve como primeiro intuito a tentativa de diminuir a distância entre o treinamento técnico do jogo cômico e da construção do personagem-palhaço nas escolas e cursos de artes cênicas; e a tradição dos palhaços formados pela transmissão de saberes e habilidades da palhaçaria do circo. Assim, a primeira parte da nossa investigação foi dedicada ao levantamento histórico e biográfico do percurso traçado por palhaços que atuaram em circos brasileiros no último século, entre eles, Chincharrão, Torresmo, Pururuca, Biribinha, Figurinha, Picolino, Picoly, Pepin e Florcita, Puchy, Teco Teco, Pirajá, Romiseta. A partir do material recolhido, o objetivo principal da pesquisa tornou-se a criação de uma dramaturgia para o palhaço sustentada por uma narrativa que explore os aspectos cômicos do jogo cênico. Desta forma, o segundo momento foi dedicado à criação de roteiros de cena que pudessem de alguma forma, dar conta das narrativas selecionadas. Na etapa das improvisações, primeiramente, realizou-se o exercício de criação cênica das histórias dos palhaços seguindo princípios de construção do jogo cômico como a repetição, o exagero, o contraste, a surpresa e a triangulação com a platéia. Na etapa seguinte foi introduzida a experimentação de instrumentos cênicos que aproximassem a palhaçaria circense do palhaço de cena. Para isso utilizamos os exercícios com máscaras, bonecos, saltos e acrobacias, música e número de platéia. O resultado da pesquisa deu origem ao projeto Cena de Palhaço que visa a criação do espetáculo Palavra de Palhaço onde as histórias e narrativas de palhaços de circo serão apresentadas por palhaços de teatro, em solos, gags e números de palhaçaria.
PALAVRAS-CHAVE: Palhaço, Palhaçaria, Circo, Cena, Tradição.
RESUMÉ
Le travail a commencé en 2013 dans les activités de recherche du Programme Enfermaria do Riso à l'Université Fédérale de l'État de Rio de Janeiro, UNIRIO. Ce fut la création de l'exercice scénique qui a utilisé comme base dramaturgique les récits biographiques de clowns du cirque au Brésil au cours des 100 dernières années. L'étude, dans un premier temps, a été créé dans le cadre du cours de formation de clown de l'hôpital à UNIRIO, et inclus la participation de 09 étudiants entre des boursiers et des bénévoles. La recherche a eu pour premier objectif la tentative de combler le fossé entre la formation technique du jeu comique et du clown dans les écoles et des cours d'arts scéniques; et la tradition des clowns formés par la transmission des connaissances et des compétences au cirque. Ainsi, la première partie de notre recherche a été consacrée à l'enquête historique et biographique de la route tracée par 17 clowns qui ont agi dans les cirques brésiliens dans le siècle dernier, parmi eux Chincharrão, Torresmo, Pururuca, Biribinha, Figurinha Picolino Picoly, Pepin et Florcita , Puchy, Teco Teco, Pirajá, Romiseta. A partir de la matière collectée, l'objectif principal de la recherche est devenu la création d'une dramaturgie Du clown soutenue par un récit qui explore les aspects comiques du jeu scénique. Ainsi, la deuxième partie a été consacrée à la création dês scenarios qui pourrait en quelque sorte rendre compte des récits sélectionnés. Dans l’étape des improvisations, d'abord, nous avons effectué l’ exercice de création scénique des histoires des clowns selon les principes de la construction du jeu comique, tels que la répétition, l'exagére, le contraste, la surprise et la triangulation avec le public. Dans l'étape suivante, nous avons introduisé l’experimentation des instruments scéniques que rapprochaient lês clowns de cirque e de théâtre. Pour cela, nous avos utilisé les jeux avec des masques, des marionnettes, des sauts et des acrobaties, de la musique et dês entrées avec le public. Les résultats de La recherche ont donné le projet Scène du Clown qui vise à créer le spectacle Parole de Clown où les histoires et les récits de clowns de cirque seront présentés par des clowns de théâtre a travers des sols, des gags et des entrées clownesques.
MOT-CLÉS: Clown, Clownesque, Cirque, Scéne, Tradition.
ACHCAR, Ana.pdf
Comunicação- Os teatros documentários na cena contemporânea brasileira
STELZER Andréa. Os teatros documentários na cena contemporânea brasileira. Rio de Janeiro: UFRJ. Pós-doutorado; Beatriz Resende; Bolsa CNPQ. Professora e encenadora.
O objetivo deste artigo é refletir como o teatro pode abarcar o real na cena sob a forma de documentos, relatos (auto)biográficos e fatos históricos reais que irrompem pelo desejo de um teatro ético, político e estético. A fim de investigar a atualidade desta modalidade teatral busca-se aliar a investigação teórica com a análise da produção teatral contemporânea brasileira contribuindo para a reflexão a respeito de temas que lhe são correlatos: a tensão entre real e ficção, a inclusão de diferentes linguagens poéticas na cena, a relação com a alteridade e as transformações nos processos de atuação, produção e recepção da cena contemporânea.
O teatro documentário, ou documental, constitui um campo de estudos que visa, sobretudo, a experimentação de formas teatrais no limite entre o real e a ficção. A expressão “campo”, muito bem empregada pelo pesquisador Marcelo Soler (diretor da Cia de teatro documentário em SP), não se limita somente ao espaço teatral, mas busca um diálogo com outras áreas de conhecimento como a sociologia, a história, a filosofia, a antropologia. A teatralidade passa a ser investigada em situações reais que lidam com questões sociais, políticas e afetivas estreitando as relações entre os atuantes e toda a comunidade envolvida no processo da criação teatral.
No atual panorama da cena contemporânea, o teatro documentário vem se tornando uma constante nas criações das novas companhias que na maioria das vezes buscam uma relação mais estreita entre os atuantes e a plateia, como uma forma de criação do espetáculo em conjunto no aqui e agora. Este movimento compartilha uma experiência cênica real com o público e vem estabelecendo uma profusão de espetáculos meteóricos, de curta temporada, em espaços alternativos como em apartamentos, espaços públicos e na rua.
Desta forma, busca-se destacar algumas características predominantes para se pensar a cena documental contemporânea: a tensão entre presença e representação através da introdução do real/documental na obra; a busca de experiências reais e verdadeiras colhidas na prática extra-cenal; a investigação das realidades sociais do outro e a interrogação dos territórios de alteridade e exclusão social do país; a recusa da obra acabada determinando o caráter processual das companhias; a aproximação do espectador que revela um desejo de ação frente ao outro e a intenção de recuperar uma ética relacional.
Dentro das observações relacionadas acima o interesse é refletir sobre o processo de criação de algumas companhias brasileiras e seus espetáculos que vêm realizando um trabalho com os documentos de diferentes formas: autobiográfico; partindo de depoimentos e relatos com ênfase no social; partindo de uma revisão dos fatos históricos. Desta forma, busca-se uma reflexão ética, estética e política relacionada aos métodos de atuação e recepção da cena contemporânea brasileira.
PALAVRAS-CHAVE: teatro documentário: cena contemporânea: alteridade: poéticas da cena.
The purpose of this article is to reflect how theater can deal with the real in the scene in the form of documents, reports (auto) biographical and historical facts that reveal the desire for an ethical, political and aesthetic theater. To investigate the relevance of this theatrical form this article seeks to combine theoretical research with the analysis of contemporary Brazilian theater production contributing to the reflection about issues related to it: the tension between reality and fiction, the inclusion of different poetic languages in the scene, the relationship with the other and the transformation processes of acting, production and reception of contemporary scene.
The documentary theater or documental, is a field of study that aims mainly the experimentation with theatrical forms in the limits between reality and fiction. The term "field", well employed by the researcher Marcelo Soler (director of Cia documentary theater SP), is not only limited to the theatrical space but want a dialogue with other areas of knowledge such as sociology, history, philosophy , anthropology. Theatricality shall be investigated in real situations dealing with social, political and emotional issues strengthening relations between the actors and the whole community involved in the process of theatrical creation.
On the background of the contemporary scene, the documentary theater has become a constant in the creations of the new companies that most often seek a closer relationship between the actors and the audience, as a way of creating the spectacle together in the here and now. This movement shares a scenic real experience with the public and has established a profusion of meteoric spectacles, in a short season and in alternative spaces such as in apartments, public spaces and the street.
Thus, this article seeks to emphasize some predominant characteristics to think about contemporary documentary scene: the tension between presence and representation by introducing the real / documentary in the works; the pursuit of real and true experiences from the extra-scene practice; research into the social realities of the other and the social exclusion in the country; the refusal of the finished work determining the process form of the companies; the proximity of the spectator revealing a desire for an action with the other and the intent to recover a relational ethics.
Within the above observations related, the interest is to conduct a research and analysis of some companies and their spectacles, working with documentary theater, trying to reflect on the changes occurring in the methods, processes and reception of contemporary Brazilian scene.
KEYWORDS: documentary theater: contemporary scene: other: poetic scene.
STELZER Andrea.pdf
Comunicação - Por uma poética política: a presença e o ankoku butoh
CARBOGIM, B.S. Por uma poética política: a presença e o ankoku butoh. Ouro Preto: Universidade Federal de Ouro Preto. Universidade Federal de Ouro Preto; Mestrado em Artes Cênicas; Éden Peretta. FAPEMIG; Pós-Graduação.
Este trabalho – componente do grupo de pesquisa (CNPq) HÍBRIDA- Poéticas híbridas da cena contemporânea – possui como horizonte teórico o estudo da presença na arte e o entendimento da dialética político-artística como elemento central para a construção da presença no trabalho do dançarino japonês Tatsumi Hijikata. Para tanto, foi necessário delimitar um campo de estudos que serviu como base para os pilares principais a serem relatados a seguir. Trata-se da reflexão acerca da biopolítica, conceito-chave na pesquisa do filósofo Michel Foucault. A biopolítica encontra estratégias – estruturadas pelas tentativas de homogeneizar as existências individuais – e assume um determinado modelo de ser e existir, o qual atinge grandes proporções na vida do indivíduo. Através de inúmeras estratégias de convencimento e condicionamento, os indivíduos assumem esse ideal, levando isso a um determinado ponto de alienação em que começam a acreditar que se não se enquadrarem no modelo imposto, não serão bem sucedidos ou algo semelhante. Deste modo, é possível perceber que, perante a sociedade, o indivíduo cria um corpo socialmente aceito, um corpo apresentável, um molde. Esse seria o seu “corpo cotidiano”, ou “corpo social”. Com esse embasamento solidificado pudemos contextualizar como o corpo se constrói hoje e em que perspectiva influencia o trabalho do artista. Partimos desse corpo socialmente aceito – construído pela biopolítica, o qual é transmissor e receptor de poder ao mesmo tempo – para ir ao encontro à sua dissolução, pois é nessa prática que está inserido o trabalho de Tatsumi Hijikata e seu ankoku butoh. Na dança butoh de Hijikata pode-se encontrar não só um corpo fora dos moldes sociais, mas um corpo que possui em seu processo de construção um forte ativismo para ir contra esse “corpo social” (shintai, em japonês). Neste sentido, no contexto da “dança das trevas” surge um projeto político artístico aliado a uma potente presença, sobre a qual buscamos investigar. Não poderíamos, porém, compreender como essa presença cênica se dá sem entendermos o que é presença. Portanto, recorre-se à reflexão do pensador alemão Hans Ulrich Gumbrecht, o qual problematiza a “produção de presença” em uma sociedade obstinada pelo entendimento somente pela razão. Para o autor presença é quando algo se efetiva primeiramente no corpo e não necessariamente busca uma relação de sentido. Gumbrecht acredita que no cotidiano e na cultura, a presença se dê em momentos efêmeros; são instantes em que se consegue distanciar do sentido e relacionar-se com o mundo enquanto “efeitos de presença”. Logo, o diálogo entre as propostas apresentadas convergiram para o entendimento dessa dialética político-artística em conjunto com a “produção de presença” como uma forma de pensar a construção da presença cênica do artista e sua percepção da sociedade, ou seja, sua poética corpórea enquanto dimensão política da presença.
PALAVRAS-CHAVE: presença: biopolítica: ankoku butoh: arte: política.
This work - component of the research group (CNPq) HYBRID- Hybrid Poetics of the contemporary scene - has underpinned by the study ofpresence in art and understanding of the political and artistic dialectic as central to the construction of the presence in the work of the Japanese dancer Tatsumi Hijikata. Therefore, it was necessary to define a field of study that served as the basis for the main pillars to be reported below. These are the reflections on biopolitics, a key concept in search of the philosopher Michel Foucault. Biopolitics find strategies- structured by attempts to homogenize individual stocks - and assumes a particular model of being and existence, which reaches largeproportions in the individual's life. Through numerous strategies of persuasion and conditioning, individuals take this ideal, taking it to aparticular point of sale they start to believe that if they do not fit the model imposed, will not be successful or something similar. Thus, it is possible to perceive that, in society, the individual creates a body socially accepted, a presentable body, a mold. This would be your"everyday body" or "social body". With this foundation we solidified contextualize how the body builds today and the perspective influences of the work of the artist. Therefore, we leave this body socially acceptable - built by biopolitics, which is power transmitter and receiver at the same time - to meet its dissolution, as it is this practice that the work of Tatsumi Hijikata and his Ankoku butoh is inserted. In butoh danceHijikata can find not only a body outside the social mold, but a body that has in its process of building a strong activism to go against this"social body" (shintai in Japanese). In this sense, in the context of the "dance of darkness" an artistic political project combined with a powerful presence, on which we seek to investigate arises. We could not, however, understand how this happens scenic presence withoutunderstanding what is presence. Therefore, we resort to reflection Hans Ulrich Gumbrecht German thinker, which discusses the "productionof presence" in a society dogged by the understanding only by reason. To the author presence happens when something is primarilyeffective in the body and not necessarily looking for a relationship sense. Gumbrecht believes in daily life and culture, be given in the presence fleeting moments; are moments when one can sense the distance and relate to the world as "presence effect". Therefore, thedialogue between the proposals converged on the understanding that political and artistic dialectic in conjunction with the "production of presence" as a way of thinking about the construction of the scenic presence of the artist and his perception of society, in other words, his corporeal poetics as a dimension of presence politics.
KEYWORDS: presence: biopolitics: Ankoku Butoh: Art: politics.
CARBOGIM, B.S.pdf
Comunicação - Templo do Ator: práticas marcias e meditativas aplicadas a um grupo de atores e atrizes – apontamentos de pesquisa
MIRANDA, Maria Brígida de. Templo do Ator: práticas marcias e meditativas aplicadas a um grupo de atores e atrizes – apontamentos de pesquisa. Florianópolis: Universidade do Estado de Santa Catarina. Professora Adjunta do Departamento de Artes Cênicas e do Programa de Posgraduação em Teatro -- Mestrado e Doutorado, da Universidade do Estado de Santa Catarina.
Esta comunicação apresenta os resultados iniciais da pesquisa “O TEMPLO DO ATOR: práticas marciais e monásticas na preparação psicofisica do ator e da atriz contemporâneos”, coordenada pela autora na Universidade do Estado de Santa Catarina. A pesquisa prática em andamento desde março de 2014 constitue-se em um regime de treinamento psicofísico de atores e atrizes, estruturado a partir de exercícios marciais e meditativos advindos de três práticas principais: Tai Chi Chuan estilo Yang; Wu Shu Shaolin do Norte; e o Qi Gong. A aplicação de artes marciais no treinamento de atores ocidentais, foi amplamente discutida pela pesquisadora na tese de doutoradoPlayful Training: towards capoeira in the physical training of the actor (2004) publicada internacionalmente em 2010 pela LAP: Germany. A pesquisa empírica atual, com foco específico nas práticas marciais de origem chinesa busca tanto alicerçar como especificar e problematizar a produção teórica sobre os efeitos do uso de artes marciais de origem asiática para a preparação de atores e atrizes brasileiros.
PALAVRAS-CHAVE: artes marciais; meditativas; tai chi chuan; wu shu; qi gong.
This paper presents the first outcomes of my research project at University of the State of Santa Catarina, entitled: “THE PLAYER'S TEMPLE: monastic and martial practices applied to the psycophysical training of contemporary performers”. The practical aspect of the research, which started in March 2014, is a training regime for male and female actors. The regime brings together a variety of meditative and martial exercises borrowed from three main bodies of knowledge: Tai Chi Chuan, Yang-style; Shaolin Wu Shu; and Qi Gong. The use of martial arts in Western actor training, has been extensively discussed in my Ph.D. Thesis, Playful Training: towards capoeira in the physical training of the actor (2004), which was published internationally in 2010 by LAP: Germany. However, the goal of the practical research I am conducting now is, first, to focus on a selection of chinese martial arts, and then to ground as well as to problematize my previous theoretical production in relation to Brazilian performers in the Brazilian context.
KEY-WORDS: martial arts; meditative practices; tai chi chuan; wu shu; qi gong;
Demonstração- Me conte uma lembrança que eu te dou uma dança: reflexões sobre ação performática realizada nas cidades de Uberlândia e Patos de Minas- MG.
PERES, Bruna Bellinazzi. Me conte uma lembrança que eu te dou uma dança: reflexões sobre ação performática realizada nas cidades de Uberlândia e Patos de Minas- MG. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia. UniRio/UFU; Doutorado; Narciso Telles. Bailarina e professora de dança.
O presente artigo aborda uma ação performática realizada em duas cidades do estado de Minas Gerais e efetua uma reflexão sobre ambas no que diz respeito ao processo de criação e aos acontecimentos durante a ação. O trabalho consiste em uma ação performática, em espaço público, onde há uma placa com os dizeres: Me conte uma lembrança que eu te dou uma dança; a ideia, nesse caso, é investigar como a memória do outro afeta o corpo e como o mesmo lida com ela durante uma improvisação. Nesse sentido, busca-se a referência do corpo nos processos de criação a partir das memórias, entendendo que elas o atravessam e deixam ali rastros que se transformam, pouco depois, em movimentos. Importante destacar, como fundamento para a realização de tais ações, a relevância da apreensão sensorial na experiência cênica, ou seja, a importância da construção do sentido através da percepção do espectador e do intérprete-criador com relação ao espaço/tempo em que se passa a obra. Será enfatizada também a experiência do sujeito na polissensorialidade, ou seja, a capacidade de percepção não somente visual, mas também do sentir, como um todo, havendo combinação de sensações, percepto e conceito na fruição e concepção da obra artística.
PALAVRAS- CHAVE: dança; percepção; memória.
This article discusses a performative action held in two cities of Minas Gerais and makes a reflection on both with regard to the process of creation and the events during the action. The work consists of a performative action in public space, where there is a sign that says: Tell me a reminder that I give you a dance; the idea here is to investigate how the memory of another affects the body and how it deals with it during an improvisation. In this sense, I seek to reference the body in the process of creation from the memories, considering they traverse there and leave traces that become a little later on motions. Importantly, as a basis for conducting such actions, the relevance of sensory apprehension in the scenic experience, ie, the importance of the construction of meaning through the perception of the viewer and performer-creator with respect to space / time that goes the work. Will also emphasized the subject's experience in polissensorialidade, ie the ability to perceive not only look but also the feel, as a whole, with combination of sensations, percept and concept design and the enjoyment of artistic work.
KEYWORDS: dancing; perception; memory.
Comunicação - A CRIAÇÃO CÊNICA A PARTIR DA CENOGRAFIA E DO ESPAÇO CÊNICO – O ESPAÇO CÊNICO COMO ELEMENTO DA DIREÇÃO TEATRAL
CHRISTÓFARO, Bruna. A CRIAÇÃO CÊNICA A PARTIR DA CENOGRAFIA E DO ESPAÇO CÊNICO – O ESPAÇO CÊNICO COMO ELEMENTO DA DIREÇÃO TEATRAL. Ouro Preto: Departamento de Artes Cênicas; Universidade Federal de Ouro Preto; UFOP; Professora efetiva. Diretora de Arte e Cenógrafa.
Este artigo apresenta uma metodologia de pesquisa e criação da cena a partir da Cenografia e do Espaço Cênico. Proponho aos alunos da disciplina Cenografia II, bacharelado em Direção Teatral, da UFOP, a criação de uma performance e uma instalação que se inicia com a apropriação dos espaços da cidade de Ouro Preto, MG. Ocupamos a cidade e conhecemos, de forma não-turística, seus cantos, seus repousos, suas turbulências e os “traduzimos” na criação de uma cenografia. Cada aluno estuda o espaço, suas coordenadas, características (cheio-vazio, horizontalidade-verticalidade, cores, sons, formas, materiais, etc.) e planeja a sua performance. O exercício se desenvolve em três etapas. Num primeiro momento, a intervenção envolve o corpo do ator: corpo/espaço. Na segunda etapa, é criado um objeto que interfere com o corpo e com o espaço. Por fim, no terceiro momento, o corpo do performer não está mais presente, devendo o objeto criado ser desenvolvido a uma instalação “site-specific” e representar, com sua relação ao espaço escolhido, a ideia do performer – agora Diretor e Cenógrafo. Com este trabalho, abrangemos os meios de criação em Cenografia, aliada à Direção Teatral sem, necessariamente, termos um texto dramatúrgico em mãos.
PALAVRAS-CHAVE: Cenografia; Processo de Criação; Performance e Espaço, Site-Specific.
This article show a research methodology and scene’s creation from Scenography and Scenic Space. I propose to the Scenography II discipline students, graduating in Theatre Direction, in UFOP (Federal University of Ouro Preto), a creation of a performance and an installation that starts with the space appropriation in Ouro Preto city, in Minas Gerais. We occupy and know the city corners, reposes and turbulences in a non touristic way, and then we “translate” it in a scenography creation. Each student study coordinates characteristics (Full –empty, horizontal – vertical, colors, sounds, shapes, materials, etc.) of the place and plan his performance. The exercise has three steps. In the first moment, the intervention involves the actors’ body: body/space. In the second moment, an object is building, that interferes with the body and the space. At last, in the third moment, the performer’s body is not there, the created object must be developed to a Site-Specific Installation and represent, with the relationship to the chosen space, the performers’ – now Director and Scenic Designer – idea. With this work, we embrace the creation’s ways in Scenography, allied with Theatre Direction without necessarily have a dramatic text in hands.
KEYWORDS: Scenography, Creation Process, Performance and Space, Site-Specific.
Comunicação - Grupo Galpão e Ói Nóis Aqui Traveiz, um Estudo Comparado de Gestão e Institucionalização.
SILVA, Carlos Eduardo da. Grupo Galpão e Ói Nóis Aqui Traveiz, um Estudo Comparado de Gestão e Institucionalização. Salvador: Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas – UFBA, mestrando, Jacyan Castilho.
Esse trabalho pretende investigar como as condições institucionais foram elementos modalizadores e determinantes das poéticas e existência de dois grupos de teatro. Chegamos nessa investigação em razão do nosso interesse pelos grupamentos teatrais que nos leva a considerar a lacuna de literatura nas abordagens desses grupos pelas suas condições institucionais, bem como, pela falta de compartilhamento de experiências quanto a forma de se organizarem e como tal forma gerou sustentabilidade. Para tanto, propomos um Estudo Comparado de Gestão e Institucionalização com entrevistas para alcançar o nível das experiências grupais. Nossa argumentação funda-se em Jorge Dubatti, fundador do referido estudo de gestão comparado. Dialogamos com dois grupos de teatro, o Grupo Galpão e a Trupo de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz. Em cada um entrevistamos dois integrantes ligados as tarefas de produção e gestão. O resultado dos depoimentos é comparado e disposto no trabalho, como base epistemológica.
PALAVRAS-CHAVE: Grupo de Teatro. Gestão. Sustentabilidade. Poética.
This paper intend to investigate how institutional conditions were modalizing elements and determinants to the poetic and existence of two groups of theater. We arrived on this investigation due to our interest on the theatrical groups, to consider the literature gap on the approaches of their institutional conditions, as well as the lack of sharing experiences as a way to organize and as such generated sustainability. Therefore, we propose a Comparative Study Management and Institutionalization with interviews to achieve the level of groups experiences. Our argument is based on Jorge Dubatti, founder of the study of management compared. Dialogued with two theater groups, Grupo Galpão and Trupe de Atuadores Ói Nóis Aqui Traveiz will be done. In each groups two members involved with the production and management are going to be interviewed. These statements will be compared and arranged at work as an epistemological basis.
KEYWORDS: Theater Group. Management. Sustainability. Poetic.
Comunicação - O riso transforma: o palhaço no público adverso.
ORMACHEA, Cassandra B. P. O riso transforma: o palhaço no público adverso. Campinas: Unicamp. Mestrado em Artes da Cena. Orientadora: Isa Etel Kopelman.
Resumo: O objeto de estudo desta pesquisa é a relação entre palhaço e público, a partir da análise do potencial transformador do riso em ambientes adversos ao riso. O intuito é verificar como o riso pode transformar o dia-a-dia de um público especial: idosos do Lar dos Velhinhos de Campinas, crianças do Lar da Criança Feliz, pacientes do Centro Infantil Boldrini. Considerando os estudos sobre o jogo cômico do palhaço, analisaremos as questões que envolvem a potencialidade transformadora do riso a partir da relação entre palhaço e público no jogo cênico, através dos seguintes procedimentos metodológicos: estudo teórico, cursos, ensaios de cenas e apresentações. Ao final da pesquisa, teremos como resultado uma dissertação de mestrado que poderá contribuir para os estudos neste campo de conhecimento.
Abstract: The object of this research is the relation between clown and public, from the analysis of the transforming potential of laughter in unfavorable environments to laughter. The aim is to check how the laughter can transform the day-to-day of a particular public: elderly people of the Lar dos Velhinhos de Campinas, children of the Lar da Criança Feliz, patients of the Centro Infantil Boldrini. Whereas the studies about the game comical clown, we are going to analyze the questions that involve the transforming potential of laughter from the relation between clown and public in game of scene, through the following methodological procedures: theoretical study, courses, testing of scenes and presentations. In the end of this research the result will be a master's thesis that can contribute to the studies in this field of knowlegde.
ORMACHEA, Cassandra B. P.pdf
Comunicação - A Máscara Neutra e o método das transferências
VELEZ, Cecilia Patricia Retamoza. A Máscara Neutra e o método das transferências. Salvador: Universidade Federal da Bahia. Pós-Graduação em Artes Cênicas, Mestrado, Orientador: Ciane Fernandes. Atriz, Performer, Tradutora.
A Máscara Neutra e o método das transferências
O presente trabalho é motivado por inquietações que estão sendo abordadas no mestrado teórico-prático em Artes Cênicas, apresentando como tema, questões acerca do corpo expressivo a partir do uso da Máscara Neutra. Desta forma, o projeto intitulado: A Máscara Neutra e o método das transferências,busca na pedagogia de Jaques Lecoq, um aprofundamento teórico sobre o uso desta Máscara, articulando a esta investigação o Sistema Laban de Movimento. Investigamos, principalmente, na pedagogia de Jaques Lecoq o método das transferências quepropõe a experimentação de estímulos imagéticos para mobilizar o corpo do ator, desta forma, tomamos os elementos da natureza: ar, terra, fogo e água e suas possibilidades para motivar o corpo e o movimento. O trabalho perpassa pela ampliação da consciência corporal do ator para potencializar a expressão e nesta busca também estudamos a teoria de Moshe Feldenkrais, associando sempre estes conteúdos a exercícios que utilizam a Máscara.
Palavras-chave: Máscara Neutra; Jaques Lecoq; expressão; consciência corporal.
The Neutral Mask and the transfer’s method
The current work is driven by concerns that are being addressed in the theoretical and practical MA in Performing Arts, presenting as the theme, questions on the expressive body through the use of the Neutral Mask.Therefore, the project entitled: The Neutral Mask and the transfer’s method, seeks on the pedagogy of Jacques Lecoq, one theoretical study on the use of this mask,articulating to this research the Laban Movement Analysis. We investigate mainly in the pedagogy of Jacques Lecoq the transfer’s method which proposes the experimentation with imagistic stimulus to mobilize the body of the actor,thus, we take the elements of nature: air, earth, fire and water and its possibilities to motivate both, body and movement.The work approaches the expansion of the actor's body awareness to enhance its expression. We also studied in the present search the theory of Moshe Feldenkrais,always associating such content with exercises of masks.
Key-Word: Neutral Mask; Jaques Lecoq; expression; body awareness.
VELEZ Cecilia Retamoza.pdf
Comunicação: Contaminação dramaturgia e encenação: processos de artesania – formação e criação poéticas.
RAIFFER, Cecília (Cecília Maria de Araújo Ferreira). Contaminação dramaturgia e encenação: processos de artesania – formação e criação poéticas. Juazeiro do Norte: Universidade Regional do Cariri; Professora Assistente. Belo Horizonte: Universidade Federal de Minas Gerais; Doutorado, orientador: Maurílio Rocha. Encenadora e dramaturga.
O artigo versa sobre processo de criação cênica no prisma da encenação/dramaturgia, compreendido e analisado a partir de experiências criativas dentro da sala de ensaio. Dentro da investigação, propomos encontrar e discutir as estratégias dos processos de criação da Companhia de Teatro Engenharia Cênica – CEC e como estas vivências poéticas vão criando marcas nos artistas, e ganhando expansão/lugar na formação em teatro. Pesquisamos, desde 2005 a partir/dentro deste coletivo, via construção de espetáculos em colaboração, uma artesania para o fazer teatral voltada para uma ação espetacular criada na sala de ensaio, a partir do contágio entre encenação e dramaturgia via improvisação. Partimos de uma imagem propulsora que gera a atmosfera cênica: uma espécie de aura – uma presente ausência que reverbera em toda a tessitura criativa, receptiva e nas dobras da memória/habilidade que habita nos corpos dos artistas envolvidos nos processos.
PALAVRAS-CHAVE: Dramaturgia: Encenação: Contágio: Improvisação: Artesania.
RÉSUMÉ
L'article porte sur le processus de création du prisme de la pittoresque scène / dramaturgie, compris et analysé à travers des expériences créatives et à l'intérieur de la chambre d'essai. Dans la recherche, nous proposons et discutons des stratégies pour trouver les processus de création de la Scenic Théâtre Engineering Company - CCE et comment ces expériences créons marques poétiques dans les artistes, et de gagner l'expansion / lieu sur la formation dans l'action. Recherché depuis 2005 à partir de / dans ce collectif, via la construction montre en collaboration, de l'artisanat pour faire du théâtre face à une action spectaculaire créé dans la salle de répétition, de la contagion entre mise en scène et dramaturgie par l'improvisation. Nous commençons à partir d'une image motrice qui génère l'atmosphère scénique: une sorte d'aura - une absence actuelle qui se répercute tout au long de la création, réceptif, et dans les plis de la mémoire / compétence qui habite le corps des artistes impliqués dans le processus de tissage.
MOTS-CLÉS: Drame: Directeur: Contagion: Improvisation: Artesania.
Comunicação - Veículo, dormitório, teatro e instrumento?.
LIGNELLI, César. Veículo, dormitório, teatro e instrumento?.Brasília: Universidade de Brasília.
Universidade de Brasília; Professor Adjunto 2.
O artigo apresenta a transformação de um caminhão, com um trailer anexado, em espaço teatral, aproximando-se também da ideia de um instrumento musical gigante, após ser incrementado com recursos de produção de áudio com interfaces tecnológicas. Nessa concepção, as sonoridades são geradas a partir do contato dos atores com partes distintas do trailer-teatro. Para tal foram utilizados três sistemas específicos: um módulo de bateria eletrônica comtriggers, uma placa de som denominada Makey Makey e ainda um joystick conectado a clipes de escritório coordenados por um software específico – Ableton Live 9. As alterações tímbricas e de intensidade dos sistemas foram realizadas viaTablet por conexão wireless por meio do aplicativo TouchOSC. Para além do relato técnico, o foco desta escrita reside em explicitar alguns desafios e possibilidades que este pequeno teatro mambembe tecnológico oferece à direção, atores e plateia. O teatro-trailer consiste, então, em espaço destinado a experiências estéticas realizadas pelo Coletivo alaOca, vinculado ao Grupo de Pesquisa Vocalidade e Cena – CNPq e ao Departamento de Artes Cênicas da Universidade de Brasília. Essas experiências partiram dos textos ‘Mateus e Mateusa’ e ‘Um Credor da Fazenda Nacional’, do dramaturgo brasileiro Qorpo Santo (1829-1883). No total, foram realizadas aproximadamente 100 apresentações entre 2012 e 2013, em diversas Regiões Administrativas do Distrito Federal.
PALAVRAS-CHAVE: trailer-teatro: Qorpo Santo: tecnologia mambembe.
The article presents the transformation of a truck in a theatrical space with the idea of a giant musical instrument, after the vehicle was extended with features of audio production and technological interfaces. The sounds are generated from the contact of actors with different parts of the theater trailer. About three specific systems were used:- Electronic drum module with triggers, a soundcard called Makey Makey and even a joystick connected to office clips coordinated by a specific software - Ableton Live 9. Timbre and intensity changes in the systems wewe conducted via Tablet by wireless connection through the TouchOSC application. In addition to the technical report, the focus of this text is to explain the challenges and possibilities that this little technological itinerant theater offers to the direction, actors and audience. The theater consists in a trailer space for the aesthetic experiments conducted by Collective alaOca, linked to the Voice an Scene Group Research Scene, affilieted to the Nacional Counsel of Technological and Scientific Development - CNPq and to the Performing Arts Department of the University of Brasilia. These experiences occurred with the support of the texts 'Mateus and Mateusa' and 'Um Credor da Fazenda Nacional', by the Brazilian playwright Qorpo Santo (1829-1883). In total, approximately 100 performances between 2012 and 2013 were held in various Administrative Regions of the Distrito Federal.
KEYWORDS: trailer-theater: Qorpo Santo: mambembe technology.
LIGNELLI Cesar.pdf
Comunicação: O processo de criação como metáfora para a metodologia de pesquisa
SACHS, Cláudia Muller. O processo de criação como metáfora para a metodologia de pesquisa. Porto Alegre: UFRGS. UFRGS; Pós-doutorado; Marta Isaacsson da Silva; CAPES; PNPD. Atriz e Diretora.
O trabalho consiste na utilização do próprio processo de criação como metáfora para estabelecer uma metodologia para a pesquisa. Com o crescimento da figura do artista-pesquisador as pesquisas sobre práticas artísticas vêm tomando cada vez mais espaço junto às instituições, de maneira que requerem uma reavaliação das opções metodológicas ainda muito apoiadas em modelos científicos. A proposta aqui é de estabelecer um espaço de criação no qual cada aluno indica um texto que dialogue com a sua pesquisa e conduz uma prática relacionada a ela. Essas experiências práticas promovem a discussão sobre os procedimentos em si e os conceitos ali implicados, procurando desenvolver o pensamento crítico sobre os próprios trabalhos e sobre processos menos convencionais de criação. Procura-se detectar possíveis analogias que possam ser transpostas para a tese ou dissertação de maneira a estruturar sua escrita, sua organização e a metodologia da pesquisa em si.
PALAVRAS-CHAVE: processo criativo: metodologia: prática: corpo
The work consists of using the process of creation itself as a metaphor for establishing a methodology for the research. With the growth of the figure of the artist-researcher the research on artistic practices are taking more and more space in institutions, thus requiring a reassessment of the methodological options still very supported by scientific models. The proposal here is to establish a creative space in which each student indicates a text that dialogues to his/her research and conducts a practice related to it. These practical experiencespromote the discussion about the procedures themselves and the concepts implied, developing critical thinking about his/her own work and on less conventional processes of creation. We aim at detecting possible analogies that can be incorporated into the thesis or dissertation in order to structure the students’s writing, their organization and possibilities for the research methodology itself.
KEY-WORDS: creative process: methodology: practice: body
Comunicação - Métodos Terapêuticos como Processo de Investigação em Artes Cênicas.
LEAL, Daiane Fonseca. Métodos Terapêuticos como Processo de Investigação em Artes Cênicas. Salvador: Universidade Federal da Bahia. Pós-Graduação em Artes Cênicas, Mestrado, Orientadora: Ciane Fernandes. Professora, Performer.
O presente trabalho tem como interesse debater questões que serão desenvolvidas na pesquisa de mestrado em Artes Cênicas, apresentando como tema, questões referentes a métodos terapêuticos e o artista cênico. Tendo em vista que o artista cênico tem como matéria prima a relação ou representação das emoções observa-se o quão a terapia pode se aliar aos processos criativos de maneira colaborativa. Para isso, este trabalho observa teorias aplicadas a métodos terapêuticos como a teoria geral dos sistemas (Bertalanffy), o campo morfogenético (Sheldrake), mesclando a conceitos como impulso psicofísico (Grotowsky), individuação (Yung), repadronização (Hackney), na perspectiva de contribuir nas discussões sobre o contexto cênico relacionado a expressividade e as emoções.
Palavras- chave: Métodos Terapêuticos: Artista Cênico: Expressividade.
ABSTRACT:
Therapeutic Methods as the Training Process in the Performing Arts. The goal of the present work is to discuss issues that will be developed in my future researches of master's degree in Performing Arts, related mainly with the relation between methods of the therapy and the techniques of the scenic artist. In view of the fact that materia prima of the work of scenic artist is his relation with emotions in the artistic process or question of the representation of emotions in the scene we observe how the therapy methods can ally with the artistic creative processes collaboratively. For that, this paper observes theories applied to therapeutic methods such as General Systems Theory (Bertalanffy), The Morphogenetic Field (Sheldrake), merging the concepts as psychophysical impulses (Grotowski), individuation concept (Yung), repatterning (Hackney), in view to contribute to the discussions on the scenic context related to expressiveness and emotions.
Keywords: Therapeutic Methods: Performing Arts: Expressiveness.
LEAL, Daiane Fonseca.pdf
Comunicação - Atuação x Não atuação: ator e performer, entre a representação e a não representação
Silva, Daniel Furtado Simões. Atuação X Não-atuação: ator e performer, entre a representação e a não representação. Pelotas: Universidade Federal de Pelotas. Professor Adjunto.
O tensionamento entre a representação e a performatividade das ações realizadas pelo ator, o rompimento do plano ficcional e a insurgência da pessoa real do ator em cena (sem o anteparo de um personagem fictício), têm concorrido para nublar as distinções usuais entre ator e performer. Haverá ainda uma especificidade que distinga o trabalho do ator e do performer ou trata-se de uma questão de matizes ou contextos? A partir da constatação de que o trabalho do ator incorporou muitas das práticas artísticas criadas por performers, levando muitos teóricos a tratarem o ator como umperformer (Féral, 2008), ou usarem termos como ator performático (Gusmão, 2000), ou ator/performer (Romano, 2005) evidenciando justamente esse estado ou situação em que as práticas de ambos se aproximam e em certos aspectos se igualam, levando a esse embaralhamento e fusão, discutiremos a possibilidade de um novo paradoxo: a possibilidade de o ator, colocado em uma situação cênica, “não representar nada”. Discutiremos essa possibilidade utilizando-nos da matriz criada em meados dos anos 70 por Michael Kirby, que, indo do polo da atuação ao da não atuação, pontua o contraste que marca as ações do dia-a-dia e as realizadas no contexto das performances artísticas, destacando ainda a intenção que marca a realização de uma apresentação feita diante de uma audiência.
Palavras chave: Atuação; Ator; Performer; Representação.
The tension between representation and performativity of the actions performed by the actor, the breakup of the fictional plan and the insurgency of the actor’s real person on the scene (without the shield of a fictional character), have contributed to blur the usual distinctions between actor and performer. There will be a specificity that distinguishes the actor’s work and performer’s or it is a matter of nuances and contexts? From the observation that the actor's work incorporated many of the artistic practices created by performers, leading many theorists to treat the actor as a performer (Feral, 2008), or using terms such as performative actor (Gusmão, 2000), or actor / performer (Romano, 2005) just showing this state or situation in which the practices of both approach it other and in some respects are equal, leading to that shuffling and fusion, we discuss the possibility of a new paradox: the possibility of the actor, placed in a scenic situation, "does not represent anything." We discuss this possibility in using the array created in the mid-70s by Michael Kirby, which, going to the action polo to the not acting polo, punctuates the contrast that marks the daily actions and that performed in the context of performances artistic, still highlighting the intention that marks the realization of a presentation stand in an audience.
Keywords: Acting; Actor; Performer;
SILVA, Daniel Furtado Simoes.pdf
Comunicação - ESTAÇÕES VISUAIS: O uso de materiais expressivos na composição corporal do ator para a criação de espacialidades
Daniel Ducato (MENDES, Daniel Marcos Pereira). ESTAÇÕES VISUAIS: O uso de materiais expressivos na composição corporal do ator para a criação de espacialidades. Ouro Preto: Universidade Federal de Ouro Preto UFOP. Instituto de Filosofia, Artes e Cultura IFAC; Mestrado Acadêmico em Artes Cênicas; Rogério Santos de Oliveira. CAPES; Bolsa de Mestrado. Artista Plástico e Cenógrafo.
O presente estudo tem como ponto fundamental a análise de um processo de criação teatral. Seu desenvolvimento visaestimular a reflexão sobre possíveis contribuições para a criação de espacialidades, a partir de estímulos advindos da aplicabilidade de materiais expressivos. As etapas constituintes deste processo perpassam pelo reconhecimento dos materiais de forma experimental, seguidas de suas modulações na construção de estruturas corporais dilatadas - tendo como base o limite da pele corporal dos atores - e por fim a formulação de ambiências denominadas nesta ocasião por Estações Visuais, e suas respectivas experimentações cênicas.
PALAVRAS-CHAVE: Materiais Expressivos: Estações Visuais: Espacialidades.
This study has as its fundamental point: the analysis of a theatrical creative process. Its development aims to encourage the reflection on possible contributions to the creation of spatialities from the stimuli of the applicability of expressive materials. The constituent steps of this process permeate the recognition of materials in an experimental way, followed by their modulation on the construction of dilated body structures – based on the limit of the actor’s body skin - and finally the creation of ambiences, denominated here Visual Stations, and their scenic trials.
KEYWORDS: Expressive materials; Visual Stations; Spatialities.
Comunicação - Intervenção Coreográfica como acontecimento artístico: experiencias com a SEIS +1 Cia de Dança
GATTI,,Daniela. Intervenção Coreográfica como acontecimento artístico: experiências com a SEIS +1 Cia de Dança. Campinas: Universidade Estadual de Campinas. UNICAMP; Professora no programa de pós graduação Artes da Cena.
O presente artigo traz reflexões sobre o evento Intervenção Coreográfica como acontecimento artístico que se instaura nos diversos espaços urbanos e fora da caixa preta no intuito de romper o fluxo e uma determinada ordem do lugar escolhido, ressignificando – o. Esta pratica artística revela uma dramaturgia a partir da fusão no trabalho de composição coreográfica que se organiza e se faz a partir dos elementos apresentados do espaço da rua. Para essa discussão serão relatadas duas experiências de Intervenção Coreográficana cidade de Campinas – SP com o grupo de pesquisa Seis + 1 Cia da Dança, apontando as estratégias do percurso coreográfico e dramatúrgico.
Palavras chave: intervenção coreográfica; acontecimento; dramaturgia; dança
The present article reflects on the event Choreographic Intervention as artistic happening, established throughout the many urban spaces and outside the black box, aiming to break the flux and order of the given place. This artistic practice reveals the construction of a dramaturgy after the merger in the choreographic composition work organized, and is made after the elements given from the street space. This discussion will report two experiences of Choreographic Intervention in the city of Campinas – SP with the research group Seis + 1 Cia da Dança, pointing strategies to the choreographic and dramaturgic lines.
Keys words: Choreographic Intervention; happening; dramaturgy; dance
Demonstração: Dramaturgia Híbrida: Um experimento entre o corpo que dança e o trabalho com as ações físicas.
ZULIANI Daniela R. M. M. Dramaturgia Híbrida: Um experimento entre o corpo que dança e o trabalho com as Ações Físicas. Campinas: Universidade Estadual de Campinas Instituto de Artes. Bogotá: Fundación Teatro Varasanta Centro para la Transformación del Actor. Programa de Pós-Graduação em Artes da Cena; Mestrado; Daniela Gatti. Dançarina.
Esta pesquisa de mestrado, utilizando-se do método da cartografia, visa investigar de forma teórica e prática, a criação de uma dramaturgia híbrida que se estabelece no corpo que dança mediante o trabalho com as ações físicas. Ou seja, por meio de um experimento cênico, aborda no processo de criação procedimentos da improvisação e especificamente da vivência no trabalho proposto pelo ator colombiano Fernando Montes no Teatro Varasanta (Bogotá-Colômbia). Será apresentada neste congresso, em caráter de demonstração, parte do experimento cênico em processo.
PALAVRAS-CHAVE: Dramaturgia Híbrida, Processo Criativo, Improvisação, Ações Físicas, Experimento Cênico.
ABSTRACTO
Esta investigación del mestrado, usando el metodo de la cartografia, tiene como objetivo investigar de forma teórica y práctica, la creación de una dramaturgia híbrida que si establece en el cuerpo que baila con el trabajo con las acciones físicas. Es decir, a través de un experimento escénico, se centra en el proceso de creación procedimientos de la improvisación y especificamente de la experiencia en el trabajo propuesto por el actor colombiano Fernando Montes en el Teatro Varasanta (Bogotá-Colombia). Será presentado en este congreso, en carácter de demostración, parte del experimento escénico en proceso.
PALAVRAS-CHAVE: Dramaturgia Híbrida, Proceso Creativo, Improvisación, Acciones Físicas, Experimento Escénico.
ZULIANI Daniela R M M.pdf
Comunicação - A poética da alteridade no fazer artístico-pedagógico dos Clowns de Shakespeare: a experiência do grupo com encenadores convidados.
SPINELLI, Diogo de Oliveira. A poética da alteridade no fazer artístico-pedagógico dos Clowns de Shakespeare: a experiência do grupo com encenadores convidados. São Paulo: Universidade Estadual Paulista “Júlio de Mesquita Filho” – UNESP. Mestrado; Lucia Romano.
Esta comunicação tem como objetivo investigar o diálogo entre o Grupo de Teatro Clowns de Shakespeare (Natal – RN) e os diretores Fernando Yamamoto – seu diretor artístico – e Gabriel Villela e Marcio Aurelio, encenadores convidados a assinar a direção das duas últimas montagens do grupo. Pretende-se investigar o procedimento do convite a encenadores “de fora” como possibilidade de aprofundamento da prática artístico-pedagógica desenvolvida pelo grupo, que consiste na intensa troca artística com diversos coletivos e profissionais das artes cênicas. Busca-se identificar no exemplo dos Clowns de Shakespeare quais razões possibilitaram e instigaram o grupo a convidar tais encenadores e quais foram as decorrências desses encontros para o grupo. Para tanto, serão analizados osregistros dos processos de criação dos três últimos espetáculos do grupo: O Capitão e a Sereia (2009), direção de Fernando Yamamoto; Sua Incelença, Ricardo III (2010), direção de Gabriel Villela; e Hamlet – um relato dramático medieval (2013), direção de Marcio Aurelio. Serão utilizadas também entrevistas com os integrantes do grupo e principais envolvidos nos processos de criação dos referidos espetáculos.
PALAVRAS-CHAVES: Clowns de Shakespeare: Gabriel Villela: Marcio Aurelio: teatro de grupo: processos de criação.
This paper’s objective is to investigate the dialogue between the Grupo de Teatro Clowns de Shakespeare (Natal – RN) and the directors Fernando Yamamoto – its artistic director –, Gabriel Villela, and Marcio Aurelio, directors who were invited to direct the two latest productions of the group. It is intended to investigate the procedure of inviting “outside” directors as a possibility of pushing the group’s artistic and pedagogical practice further. This practice consists of the intense exchange with different groups and theater professionals. This paper seeks to identify in Clowns de Shakespeare’s example the reasons which made it possible and instigated the group to invite those directors and which consequences those encounters had for the group. In order to accomplish such a goal, the registers of the creative processes of the three latest productions of the group will be analyzed: O Capitão e a Sereia (2009), directed by Fernando Yamamoto; Sua Incelença, Ricardo III (2010), directed by Gabriel Villela; and Hamlet – um relato dramático medieval (2013), directed by Marcio Aurelio. Interviews with the group members and the key stakeholders of the creative processes of these productions will be used as well.
KEYWORDS: Clowns de Shakespeare: Gabriel Villela: Marcio Aurelio: theater group: creative processes.
SPINELLI, Diogo de Oliveira.pdf
Comunicação - O “Sistema Cultural” na Criação de Processos Cênicos
SARTO, Du. (SARTO, Luiz Carlos Costa). O “Sistema Cultural” na Criação de Processos Cênicos. Ouro Preto/ Minas Gerais: Universidade Federal de Ouro Preto - UFOP; Instituto de Filosofia Artes e Cultura. Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas; Mestrado em Artes Cênicas; Rogério Santos de Oliveira. Diretor teatral e ator.
Ao iniciar um processo de criação o diretor teatral, em geral, reflete sobre as possibilidades de execução e a condução das atividades que serão constituídas em sala de ensaio. Esta reflexão se faz no intuito de organizar possíveis metodologias, desenvolver técnicas e indicar estéticas a serem abordadas e/ou investigadas na construção de um produto cênico. Deste modo, ao pensarmos atores envolvidos em um processo de criação cênica conduzido por um diretor, suscitamos que este segundo possa investigar os meios mais eficazes para conduzi-los a um processo específico de criação, e posteriormente a um produto cênico análogo a proposta planejada inicialmente. Assim, o trabalho em sala de ensaio - pensado sobre o modelo referido acima - pode vir a desenvolver em cada etapa de seu processo criativo a efetivação de determinadas técnicas, jogos cênicos e/ou ações criativas junto aos atores, derivando uma relação de códigos e comportamentos estabelecidos e partilhados entre os envolvidos: atores e direção. Dessa maneira, a partir do diálogo com os autores Clifford Geertz (1973), Roque de Barros Laraia (1986) e Milton Santos (2002) entendemos neste estudo o desenvolvimento dos processos criativos realizados em sala de ensaio como uma maneira de comunicação entre ator e diretor, com seu espaço e seus companheiros de trabalho, produzindo ali, uma sucessão de códigos, estruturas, relações e comportamentos próprios daquele espaço, que podem vir a se conformar como um “sistema cultural” próprio do processo de criação cênica elaborado.
PALAVRAS CHAVE: Direção Teatral: Processos de Criação: Interpretação Teatral: Cultura.
When starting a process of creating the theater director, in general, reflects on the possibilities of implementation and the conduct of activities that will be organized in the rehearsal room. This reflection is in order to arrange possible methodologies, develop technical and aesthetic display to be addressed and / or investigated in building a scenic product. Thus, we think the actors involved in the process of creating scenic led by a director, who have raised this second to investigate the most effective ways to lead them to a specific process of creation, and later the scenic product similar proposal initially planned. Thus, work in the rehearsal room - thinking about the model above - may ultimately develop in each stage of the creative process the effectiveness of certain techniques, scenic plays and / or creative actions for stakeholders, deriving a relationship Codes behaviors established and shared among those involved: actors and direction. Thus, from the dialogue with the authors Clifford Geertz (1973), Roque de Barros Laraia (1986) and Milton Santos (2002) understand this study the development of creative processes carried out in the rehearsal room as a way of communication between actor and director, with your space and your fellow workers, producing there, a succession of codes, structures, relations and that space, that can come to conform himself as a "cultural system" of the elaborate scenic creation process behaviors themselves.
KEYWORDS: Theater Directing: Creation Processes: Theatrical Interpretation: Culture.
SARTO, Luiz Carlos Costa.pdf
Comunicação - Marlon Brando: Repertório gestual e de personagens no trabalho do ator autor
BORDINHON, Eduardo. Marlon Brando: Repertório gestual e de personagens no trabalho do ator autor. Campinas: Unicamp. Instituto de Artes; Mestrado em Artes da Cena; Orientação: Marcelo Ramos Lazzaratto. CAPES. Ator.
O ator Marlon Brando utiliza de “orientações essenciais de interpretação”, segundo o conceito de Luc Moullet, para singularizar seu aparecimento na obra de diferentes cineastas. Essas figuras essenciais podem ser sintetizadas em duas: “O jovem agressivo” e “o padrinho” e determinam o modo de trabalho e o aparecimento de Brando no cinema. Assim, tendo como centro essas duas figuras, analisamos seus padrões de aparecimento, de relações com outros personagens, o figurino, como também padrões de gestualidade no trabalho de Brando. Conseguimos assim, dentre outros padrões, traçar um de relação com as personagens femininas, carregada da dualidade misoginia e amor, um de figurinos que serve como proteção das fragilidades da personagem e a gestualidade recorrente de tocar o rosto. Essa padronização do aparecimento do ator de cinema cria uma assinatura autoral, capaz de não só definir a criação de um personagem, mas também de influenciar e até determinar outros elementos da criação cinematográfica, como a organização de planos, sequências, de outros personagens e até todo o filme. A busca por esses padrões nos ajudou a lançar luz sobre como se dá o trabalho do ator dentro da especificidade da linguagem cinematográfica.
Palavras chave: ator de cinema; estética do cinema; Marlon Brando; ator-autor.
L’acteur Marlon Brando utilise des <<orientations essentielles de jeu>> selon le concept de Luc Moullet, pour singulariser ses performances dans l'oeuvre de plusieurs cinéastes. Ces figures essentielles peuvent être synthétisées comme <<le jeune agressif>> et <<le parrain>>, et déterminent le travail de Brando et son apparition au cinéma. Ainsi, ces deux figures étant au centre de l’investigation, nous avons analysé ses modèles d’ apparition, de relations avec d’autres personnages, le robe et le repertoire du geste sur le travail de Brando. Cela dit, nous avons tracé, parmi d’autres standards, un standard de relation avec les personnages féminins, charge de la dualité de la misogynie et de l’amour ; un standard de robe qui sert comme protection des fragilités des personnages, et le geste habituel de toucher la visage. Cette standardisation de l’apparition de l’acteur du cinéma crée une signature de l’auteur, capable de définir non seulement la création d’un personnage, mais aussi, d’influencer et de déterminer les autres éléments de la création cinématographique, comme l’organisation des plans, séquences, d’autres personnages et jusqu’au film dans sa totalité. La recherche de ces standards nous a aidé à éclairer comment se fait le travail de l’acteur, dans la spécificité du langage cinématographique.
Mots clés: acteurs de cinema; esthétique du cinema; Marlon Brando; acteur-auteur.
Comunicação - O corpo que se move e se reconhece. A compreensão da corporeidade como instrumento modulador da composição corporal.
SILVA, Emerson Almeida; O corpo que se move e se reconhece. A compreensão da corporeidade como instrumento modulador da composição corporal. Salvador: Universidade Federal da Bahia. Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas; Mestrado em Artes Cênicas; PPGAC-UFBA.
Ao pensar na composição de uma personagem, o ator está entregando seu corpo a este ser que se pretende representar, utilizando-se para tal de toda a estrutura corporal. A corporeidade, expressa no conjunto das manifestações corpóreas, é constituída de aspectos físico, afetivo, social e cognitivo. Sendo assim, o corpo deve estar sempre presente concebendo, analisando e compreendendo as alterações de atividades ocorrentes em seu meio de modo a modificar e alterar as suas funções físicas e psíquicas diante do contexto sócio-econômico-cultural. Corporificar as emoções significa encontrar outros canais de escoamento da energia emocional. À medida que esses canais são encontrados, o ator deve codificá-los, esquematizando e administrando as diferentes intensidades da matriz base que é o corpo. A compreensão da estrutura orgânica corporal permite relações concretas e construtivas integrando tudo que rodeia o ser humano. Deste modo o presente artigo visa discutir até que ponto o conhecimento acerca do constructo biológico do corpo altera a concepção do ator durante a composição da obra a ponto de modificar e, possivelmente, valorar a sua execução cênica atingindo um processo de fé cênica através do domínio dos seus movimentos e ações por este conhecimento o que facilitaria a codificação do seu espectador, a ponto de torná-lo o real fruidor das discussões provocadas em cena. PALAVRAS-CHAVE: corpo; corporeidade; composição.
When thinking about the composition of a character, the actor is giving his body to be that this is intended to represent, using for this the entire body structure. Embodiment, expressed in all the bodily manifestations, consists of physical, emotional, social and cognitive aspects. Therefore, the body must always be present designing, analyzing and understanding the changes occurring in their midst activities in order to modify and alter its physical and psychic functions on the socio-economic and cultural context. Embody the emotions means to find other channels to outlets that emotional energy. As these channels are found, the actor must encode them, scheming and managing the different intensities of the base matrix that is the body. The understanding of body organic structure permits concrete relationships integrating everything that surrounds human being. Thus this paper discusses how the knowledge of body organic structure may changes the actor conception during the composition of his work modifying its scenic execution reaching a scenic truth through domain of their movements and actions by this knowledge which facilitates the encoding of your viewer as to make it the real spectator on the scene discussion. KEYWORDS: body; embodiment; composition.
Comunicação-ATRÁS DA MÁSCARA: trânsitos trançados entre corpo, cena e cultura
OLIVEIRA, Erico José Souza de. ATRÁS DA MÁSCARA: trânsitos trançados entre corpo, cena e cultura. Salvador: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas. Universidade Federal da Bahia; Professor Efetivo. Ator, Encenador, Iluminador, Cenógrafo, Figurinista e Produtor Cultural.
RESUMO A partir de uma pesquisa artístico-acadêmica sobre o Cavalo Marinho de Pernambuco um espetáculo se desenha com cunho didático para deflagrar questões sobre os trânsitos culturais entre artistas, academia e brincadores. A abordagem pelo viés do corpo e de seus procedimentos na construção da aulaespetáculo Trançados de Memória de uma Atriz-Brincante é o mote para discutir conceitualmente e de modo operante a experiência no domínio da cena teatral através de fontes culturais. Um processo artístico pode deflagrar questões caras aos horizontes teórico-prático e epistemológico das Artes Cênicas na encruzilhada de saberes e fazeres intercambiados próprios da cena teatral e da cena cultural. Nesse campo híbrido é que se constitui e se fortalece o motor reflexivo sobre a encenação e a atuação e suas fontes de pesquisa e inspiração, tendo como eixo central a máscara, no intento de ir além da ideia de um corpo mascarado que reproduz a cultura fonte, mas relacionando os elementos comuns ao teatro e à brincadeira, além do que há de ontológico no ato de mascarar-se.
PALAVRAS-CHAVE: Corpo: Cena: Máscara
RESUMÉ À partir d’une recherche artistique et académique sur le jeu du Cavalo Marinho de Pernambuco (Cheval Marin du Pernambouc) un spectacle à finalité didactique est conçu afin de susciter des questionnements au sujet des influences culturelles entre les artistes, l’académie et les joueurs. L’approche par le biais du corps et ses procédés dans la création du spectacle-cours Tressés de Mémoires d’une Actrice-joueuse est le point de départ d’une discussion conceptuelle concernant l’expérience dans le domaine de la scène théâtrale à partir de ressources culturelles. Un procédé artistique peut susciter des questionnements d’ordre théorique, pratique et épistémologique dans les arts du spectacle au niveau des savoirs-faires échangés, propres à la scène théâtrale et à la scène culturelle. C’est au coeur de ce domaine hybride que se constitue et se renforce une réflexion au regard de la mise en scène, du jeu d’acteur et des sources de recherche e d’inspiration, ayant comme axe principal le masque, dans l’intention d’aller au-delà d’idée d’un corps masqué qui reproduit la culture source, mais relatif à des éléments communs au théâtre et au jeu, sur ce qu’il y a d’ontologique dans l’acte de se masqué.
MOTS CLÉS: Corps: Scène: Masque
OLIVEIRA, Erico José Souza de.pdf
Comunicação - As relações entre a Música e o Teatro versus o discurso musical intrínseco ao Teatro
MALETTA, Ernani. As relações entre a Música e o Teatro versus o discurso musical intrínseco ao Teatro. Belo Horizonte: Universidade Federal de Minas Gerais; Professor Associado. Diretor musical e vocal.
Ernani Maletta discute a diferença entre duas questões: as relações interdisciplinares e intersemióticas entre o Teatro e a Música como artes autônomas; a existência de um discurso musical intrínseco ao Teatro, como uma das vozes que compõem o seu discurso polifônico. Para tanto, afirma que conceitos e parâmetros que fundamentam um certo campo artístico não são propriedade exclusiva deste e, então, enfoca os parâmetros musicais e a confusão de nomenclatura que leva ao falso entendimento de que o adjetivo “musical” os torna propriedade exclusiva da Música. Para discutir essa questão, recorre à bibliografia sobre o tema e mostra que o termo “música”, utilizado para nomear uma expressão artística que se fundamenta no som e em seus parâmetros, é derivado e se refere apenas a uma parte da mousiké que, para além do som, abrangia as diversas formas de expressão que se baseiam na organização, na métrica e ordenação espaço-temporal. O autor, então, conclui afirmando que diversos parâmetros musicais são também legítimos fundamentos do Teatro, devendo ser sistematizados e estudados por meio de estratégias pedagógicas – próprias dos objetivos e das características da arte teatral –, a serem criadas e aplicadas nos processos de formação do artista cênico.
PALAVRAS-CHAVE: Música. Teatro. Discurso musical do Teatro. Mousiké. Estratégias pedagógicas.
Ernani Maletta discusses the difference between two arguments: the interdisciplinar and intersemiotic relations between the Theatre and Music as autonomous arts; the existence of musical discourse intrinsic to the Theatre, as one of the voices that compose the theatrical polyphonic discourse. To do so, he states that concepts and parameters that provide the base for a particular artistic field are not its exclusive property and, thus, focuses on the musical parameters and on the confusion of nomenclature that leads to the false understanding that the adjective "musical" makes them exclusive property of the Music. To discuss this argument, refers to the literature on the subject and shows that the term "music", used to nominate an artistic expression that is based on sound and its parameters is derived and only refers to a part ofmousikéwhich, in addition to the sound, consisted of various various forms of expression that are based on organization,metric and spatio-temporal ordering. Thus, the author concludes stating that diverse musical parameters are also legitimate fundaments of the theater, having to be systemized and to be studied by pedagogical strategies – according of the objectives and characteristics of the theatrical art -, to be created and applied in the processes of formation of the performer.
KEYWORDS: Music.Theatre. Musical discourse of the Theatre. Mousiké. Pedagogical strategies.
Comunicação - Cruor Arte Contemporânea: Reverberações Contraculturalistas na Cena Pós-dramática Brasileira
OLIVEIRA, Felipe Henrique Monteiro. Cruor Arte Contemporânea: Reverberações Contraculturalistas na Cena Pós-dramática Brasileira. Salvador/BA: Universidade Federal da Bahia. Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas; Doutorado; Orientadora Betti Grebler. Performer.
O presente trabalho tem como proposta refletir sobre os processos criativos da coligação Cruor Arte Contemporânea, coordenada pela Profa. Dra. Nara Salles na Universidade Federal do Rio Grande do Norte (Brasil), a qual é composta por performers brasileiros com e sem corpos diferenciados. Trabalhamos com as noções de processos criativos colaborativos e de instauração cênica propondo desta forma uma arte performativa, provocativa e catalisadora para novos significados a partir, principalmente, da apropriação da obra do cineasta espanhol Pedro Almodóvar e da artista plástica mexicana Frida Kahlo em interlocução com os cotidianos dos lugares, provocando estranhamentos e questionamentos, sobretudo ancorados na filosofia anarquista, nas proposições cênicas teóricas-práticas de Antonin Artaud e nas teorias do teatro pós-dramático.
PALAVRAS-CHAVES: Cruor Arte Contemporânea: Contracultura: Teatro Pós-Dramático: Cena Pós-dramática Brasileira.
This paper aims to reflect on the creative process of the coalition Cruor Arte Contemporânea, coordinated by Profa. Dra. Nara Salles, at the Universidade Federal do Rio Grande do Norte (Brazil), which is composed by brazilian performers, with and without different bodies. We work with the notions of collaborative creative processes and scenic introduction thus proposing an art performativity, provocative and catalyst for new meanings, based mainly on the appropriation of the work of spanish filmmaker Pedro Almodóvar and mexican artist Frida Kahlo in dialogue with everyday places, causing estrangements and questions, particularly in the anarchist philosophy, grounded in the propositions theoretical and practical of Antonin Artaud and the theories of post-dramatic theater.
KEYWORDS: Cruor Arte Contemporânea: Counterculture: Post-Dramatic Theatre: Post-dramatic BrazilianScene.
OLIVEIRA Felipe Henrique Monteiro.pdf
Comunicação - Jogo e Criação
CARVALHO,Flávio Ribeiro de Souza. Jogo e Criação. Rio de Janeiro: UNIRIO. Doutorado; Paulo Merisio. Cnpq/Capes. Palhaço, ator, pesquisador e professor de teatro.
No processo de aprendizado da linguagem do palhaço a relação com o jogo e com o prática de jogar é muito determinante. Este artigo investiga o termo jogar para designar o trabalho do palhaço e suas contribuições para o pensamento de uma pedagogia de formação baseada na experiência do jogo como técnica. Essa investigação se dá a partir das elaborações sobre o jogo teatral de Jean Pierre-Ryngaert em cruzamento com as práticas pedagógicas de formação na linguagem do palhaço, entendendo o jogo como uma possibilidade de processo de criação que se organiza de maneira compartilhada com os criadores envolvidos.
PALAVRAS-CHAVE: Jogo, pedagogia, processos criativos, palhaço.
In the process of learning the clown language the relationship with the concept of play is very crucial. This article investigates the term play to describe the work of the clown and his contributions to the thought of a pedagogy training based on experience of a technique to play. This research starts from the elaborations of Jean-Pierre Ryngaert crossed with the pedagogical practices to training Clown, understanding the game as a possibility of the creation process that is organized in a shared manner with the creators involved.
KEYWORDS: game, pedagogy, creative processes, clown
Comunicação - Protocolo de criação em foco - a dramaturgia do corpo suspenso, acrobacia-aérea-circense um Gênero Dramático
MENDONÇA, Gabriel Coelho. Protocolo de criação em foco - a dramaturgia do corpo suspenso, acrobacia-aérea-circense um Gênero Dramático. Campinas: Unicamp. Mestrado em Artes da Cena; Orientação Daniela Gatti.
A bibliografia acerca da Dramaturgia no Circo Brasileiro se concentra nas reprises dos palhaços ou nas peças teatrais que fizeram parte dos espetáculos circenses brasileiros no último século, o que demonstra uma visão de drama moderno no qual dramaturgia diz respeito ao texto dramático. Este trabalho se apoia no conceito de Protocolos de Criação (TOURINHO, 2009) para evidenciar a dramaturgia corpo-espacial de um número aéro-acrobático-circense. Desta forma, através do estudo de caso do processo de criação do número “Des-Petalar-Se” da “Cia FeitoVentoFeito”, sediada em Campinas, São Paulo, pretende-se, evidenciar como, através de exploração de três eixos poéticos:o desejo humasno universal de voar, o risco vivido pelo acrobata e o virtuosismo técnico, os números aéro-acrobáticos-circenses se configuram em Gênero Dramático.
Palavras-chave: aparelhos aéreos circenses: técnicas aéreas circenses: dramaturgia do corpo-espaço: generos dramáticos: protocolos de criação.
The bibliography on Dramaturgy in Brazilian Circus focus on clowns acts or on theater plays which were part of the Brazilian circus shows in the last century, which shows a view of modern drama in which dramaturgy is related to dramaturgic text. This work relies on the concept of Creation Protocols (TOURINHO, 2009) in order to highlight the body-space dramaturgy of an aerial-acrobatic-circus act. Thus, through the case study of the creation process of "Des-Petalar-Se" act from "Cia. FeitoVentoFeito", headquartered in Campinas, São Paulo, it is intended, to show how, through the exploration of three poetical axes: the universal human desire to fly, the risk lived by the aerial-acrobat and the acrobatic virtuosity, aerial-acrobatic-circus acts are configured in a Dramatic Genre.
Keywords: aerial circus apparatus: aerial circus techniques: body-space dramaturgy: dramatic genres: creation protocols.
MENDONCA Gabriel Coelho.pdf
Comunicação - O orador político: uma ponte entre o teatro épico, a mímica corporal dramática e as teatralidades contemporâneas
MASCARENHAS, George. O orador político: uma ponte entre o teatro épico, a mímica corporal dramática e as teatralidades contemporâneas. Salvador (BA): Universidade Federal da Bahia; Professor Adjunto da Escola de Teatro; ator, diretor e mímico.
O presente trabalho tem por objetivo estabelecer alguns pontos de contato entre o teatro épico de Bertolt Brecht e a mímica corporal dramática de Etienne Decroux (MCD), para ampliar a discussão acerca das possibilidades de criação cênica com base na técnica decrouxiana. Considerando-se que a produção teatral contemporânea esbanja procedimentos épicos na construção de suas poéticas e observando-se a presença de traços épicos na constituição da própria MCD, a seguinte questão é abordada: de que modo a exploração direta de procedimentos épicos na criação mímica pode deflagrar um diálogo mais transparente entre a MCD de Etienne Decroux e poéticas teatrais contemporâneas? O autor toma como ponto de partida o movimento inicial de epicização da mímica, através do discurso de Etienne Decroux e Corinne Soum, em articulação com procedimentos do teatro épico de Bertolt Brecht. Em seguida, trechos filmados da primeira montagem de A resistível ascensão de Arturo Ui (1958) são analisados pela ótica do “orador político” – categoria de movimento da MCD – e dos chamados “contrapesos morais”. Por fim, são apresentados exemplos de procedimentos épicos em cenas mímicas, que corroboram com as referidas conexões entre a mímica corporal dramática, o teatro épico e as teatralidades contemporâneas.
PALAVRAS-CHAVES: mímica corporal dramática, teatralidades contemporâneas, teatro épico.
The present paper aims to establish a relationship between some aspects of Bertolt Brecht’s epic theatre and Etienne Decroux’s corporeal mime, in order to help increase the discussion about the possibilities of contemporary theatrical creation based on Decroux’s technique. Taking into account the massive exploration of epic procedures in contemporary theatre and the presence of some epic features in the constitution of corporeal mime itself, the work addresses the following question: to what extent would a strong interaction between mime and epic theatre help develop a deeper connection between Etienne Decroux’s corporeal mime and contemporary theatre-making? The starting point for the discussion is the epicization of mime itself, based on arguments by Etienne Decroux and Corinne Soum, in association with Bertolt Brecht’s epic theatre procedures and principles. Then, film excerpts from the first performance of The resistible rise of Arturo Ui (1958) are analyzed under the light of corporeal mime principles named “the political orator” and “the moral counterweights”. Finally, the paper presents some examples of epic procedures in contemporary mime scenes that corroborate with the aforementioned connections between corporeal mime, epic theatre and contemporary theatricality.
KEYWORDS: corporeal mime, contemporary theatricality, epic theatre.
Comunicação - Os afetos musicais no corpo do ator. (2)
GOMES, Gerda Arianna da S. Os afetos musicais no corpo do ator. Florianópolis: Universidade do Estado de Santa Catarina. UDESC; Mestrado; José Ronaldo Faleiro.
Este artigo busca lançar um olhar sobre a questão dos afetos musicais no corpo do ator e sua consequente repercussão em seus processos criativos. Partindo da perspectiva teórica do "treinamento como poiesis" de Matteo Bonfitto, bem como do conceito de afeto em Espinosa e “corpo como aprendizagem de ser afetado” em Bruno Latour, este trabalho dará início, por meio da revisão bibliográfica pertinente, à discussão sobre como o ator pode conscientemente pensar os afetos musicais em seu processo criativo. A pertinência desse trabalho se dá na possibilidade de ampliação do campo perceptivo do ator em relação aos seus materiais de composição.
PALAVRAS-CHAVE: afetos, música, processo criativo, ator.
This paper aims to cast an eye on the issue of music affects in the actor’s body and its consequent influence on their creative processes. Starting from the theoretical perspective of training as poiesis from Matteo Bonfitto, as well as the concept of affect in Spinoza and "body like learning to be affected" in Bruno Latour, this work will initiate, through the relevant literature, the discussion about how the actor can consciously think musical affections in his creative process. The relevance of this work is given in the possibility to expand the perceptual field of the actor in relation to its material of scenic composition.
KEYWORDS: affection, music, creative process, actor.
GOMES, Gerda Arianna da S.pdf
Comunicação - Epifonia para devir a voz
ALMEIDA, Gil Roberto Gomes. Epifonia para devir a voz. Brasília: Universidade de Brasília. Universidade de Brasília; Mestrado; César Lignelli.
O artigo, recorte de pesquisa em mestrado, compreende que a glossolalia, enquanto conceito vinculado às práticas enunciativas em performance, pode enriquecer a experimentação vocal do ator e do performador que investiga sonoridades para a cena contemporânea. Epifonia, arquivo de áudio que se alia a estas possibilidades de pesquisa cênica, é o resultado estético da improvisação da voz em estúdio, baseado numa vocalidade que não prioriza a palavra, mas o som e seus parâmetros como o timbre, a frequência, o ritmo, o ruído e o silêncio relacionados a um conjunto de práticas glossolálicas. Neste sentido, o corpus da obra de Artaud, sobretudo dos últimos anos de sua vida, contribuiu para uma poética do devir vocal aqui evidenciada, pois ao desalojar e deslocar a voz para além do seu locus de cada dia, ele sugere a criação de práticas que transbordam algumas formas de enunciar, ampliando limites para o que pode a voz em performance. Epifonia trata-se, pois, da edição de improvisos em glossolalia, configurando-se numa narrativa sonoro-poética, que investe na potência da voz desvinculada da palavra e de aspectos mais estabelecidos da comunicação oral, e busca uma discussão sobre possíveis fronteiras da produção vocal para a cena ao valorizar aspectos nômades na sua experimentação.
PALAVRAS-CHAVE: voz: glossolalia: Artaud: devir
The article, profile of a master’s degree research, understands that glossolalia as a concept bound to performing enunciative practices can enrich the vocal experimentation of an actor and performer investigating sonorities for the contemporary scene. Epiphony, audio file allied to these possibilities of scenic research, is the aesthetic result of voice’s studio improvisation based in a vocality that does not prioritize the word but the sound and its parameters, such as timbre, frequency, rhythm, noise and silence related to a series of glossolalic practices. In this sense, the corpus of Artaud’s body of work, especially in the last years of his life, contributed to the poetic of vocal becoming here demonstrated, for in dislodging and shifting the voice beyond its day-to-day locus, he suggests the creation of practices that overflow some ways of enunciation, broadening the limits of what can be done by the performing voice. Epiphony therefore, is the editing of glossolalic improvisations, being a sound-poetic narrative that invests in voice unlinked from the word and from more established aspects of oral communication, and raises the issue of possible frontiers of scene vocal production while valuing nomadic aspects in its experimentation.
KEYWORDS: voice: glossolalia: Artaud: becoming
ALMEIDA, Gil.pdf
Comunicação - Os princípios técnicos de Martha Graham como subsídio para o trabalho do ator.
GONÇALVES, Gabriela de Oliveira. Os princípios técnicos de Martha Graham como subsídio para o trabalho do ator. Ouro Preto: Universidade Federal de Ouro Preto - UFOP. Universidade Federal de Ouro Preto; mestranda em Artes Cênicas; Éden Peretta; preparadora corporal, produtora e integrante do grupo de pesquisas (CNPq) HÍBRIDA - Poéticas híbridas da cena contemporânea, UFOP.
O presente artigo busca apresentar os aspectos fundamentais da técnica de Martha Graham, e apontar como estes podem ser pensados como possível subsídio técnico para a preparação corporal e para a potencialização da presença cênica do ator. Para tanto, parte-se da investigação dos princípios históricos, sociais e poéticos que compuseram seus principais elementos técnicos - respiração, contraction and release (contração e expansão), centro motor e movimento em espiral – buscando pensar as suas possíveis relações com o desenvolvimento do trabalho do ator para a cena. Martha Graham (1894-1991) foi bailarina, coreógrafa, criadora de sua própria técnica – a Martha Graham technique – e considerada uma das principais referências da Modern Dance norte-americana, a partir do final do século XIX e ao longo do século XX. A sua técnica foi gestada no contexto da “era da ciência” – período de grandes descobertas cardiovasculares, respiratórias, neurológicas – do desenvolvimento da psicanálise, da “afirmação do individualismo”, da modernidade industrial, das influências orientais, advindas com o “imperialismo da Ásia”, e com o “orientalismo” ou o “exotismo”, herdado em grande parte do período tardo-romântico e reelaborado no século XX. Como legado da escola de sua formação, a Denishawn School, com a qual rompeu ao contrapor seus princípios estéticos e poéticos, Graham trouxe para sua a técnica fortes influências do Yoga, e buscou investigar ao máximo a tríade movimento-emoção-expressão, proporcionando grandes inovações na práxis técnica e estética da dança ocidental. A sua técnica tem sido utilizada como base de processos criativos e coreográficos até os dias de hoje. Neste sentido, o presente artigo se propõe a problematizar a possibilidade de utilização destes princípios técnicos também na área teatral. Este trabalho é componente da linha de pesquisa “Processos e poéticas da cena contemporânea” do grupo de pesquisa (CNPq) HÍBRIDA – Poéticas híbridas da cena contemporânea.
PALAVRAS-CHAVE: modern dance: Martha Graham: processos criativos: preparação corporal: trabalho do ator.
This article seeks to present the fundamentals of the technique of Martha Graham, and point out how these can be thought of as a possible technical allowance for body preparation and for the enhancement of the scenic presence of the actor. For this, we start from the investigation of historical, social and poetic that comprised its main technical elements principles - breathing, contraction and release, the motor center and spiral motion - seeking think if its possible the relationship with the work development of the actor to the scene. Martha Graham (1894-1991) was a dancer, choreographer, founder of his own technique - Martha Graham’s technique - and considered one of the main references of American Modern Dance, from the late nineteenth century and throughout the twentieth century. Her technique was gestated in the context of the "age of science" - a period of major cardiovascular, respiratory, neurological findings – of the development of psychoanalysis, of the "assertion of individualism", of industrial modernity, of the eastern influences, stemming from the "Asia’s imperialism”, and the “orientalism" or "exotic", inherited largely from the late-romantic period and reworked in the twentieth century. As a legacy of the school of its formation, the Denishawn School, with which she broke in asserting their aesthetic and poetic principles, Graham brought his strong influences technique of Yoga, and investigates the most of triad motion-emotion-expression, providing great technical innovations in praxis and aesthetics of Western dance. Her technique has been used as a basis for creative, choreographic and Western dance process until the present day. In this sense, the present article aims to discuss the possible use of these technical principles also in the theatrical area. This work is the search of the line of research "Processes and poetics of the contemporary scene" of the research group (CNPq) HYBRID - Hybrid Poetics of the contemporary scene.
KEYWORDS: modern dance: Martha Graham: creative processes: body preparation: actor’s work.
GONCALVES, Gabriela de Oliveira.pdf
Comunicação - Modos do corpo: a criação na relação entre corpo e vestimenta
SOUSA, Heloísa. Modos do corpo: a criação na relação entre corpo e vestimenta. Natal: Universidade Federal do Rio Grande do Norte. Universidade Federal do Rio Grande do Norte; Mestrado em Artes Cênicas; Naira Ciotti. Bolsista CAPES/DS. Atuante.
O presente trabalho trata de uma investigação sobre o processo de criação de aparências do corpo para a cena contemporânea performática. Partindo de estudos sobre a intersecção entre a arte da performance e a moda, onde é possível perceber criações que rediscutem as relações entre corpo e a vestimenta, cenicamente e cotidianamente, encontro a diluição das fronteiras entre os saberes que podem ser necessários à criação de imagens corporais. Os corpos que oscilam entre os estados de despido e vestido, reconsideram a influência da vestimenta, da aparência e da moda nos sujeitos. Assim, compreendendo a existência de inúmeras possibilidades de relação e fusão entre o corpo e a materialidade vestível, e proponho o reconhecimento dos modos do corpo como alternativas de perceber os processos de criação desta categoria da cena, sugerindo estados corporais diferenciados e diversos que permitem o sujeito criador vivenciar a experiência cênico-performática de maneiras singulares, através dos próprios gestos de vestir-se e despir-se. Portanto, utilizo algumas teorias desenvolvidas pelo filósofo Giorgio Agamben (2010) em consonância com as reflexões sobre performance trazidas por Renato Cohen (2002) e Jorge Glusberg (2009), além do pensamento desenvolvido por Lars Svendsen (2010) e Kathia Castilho (2009) sobre moda.
PALAVRAS-CHAVE: Modos do Corpo; Arte da Performance; Moda.
The present work is an investigation into the process of creating appearances of the body for contemporary performative scene. From the studies on the intersection between the performance art and fashion, where is possible to perceive creations that talk about the relations between the body and the garment, scenically and daily, I found the dilution of the frontiers between the knowledge that may be required to creating body images. The bodies that oscillate between the states of naked and dressed, reconsider the influence of dress, appearance and fashion at the individuals. Thus, understanding the existence of many possibilities for interaction e fusion between body and wearable materiality, I propose the recognition of the modes of the body as alternative ways of perceive the creative process in this category of the scene, suggesting different and various bodily states that allow the creator to live the scenic-performative experience in singular ways, through the gestures to dress and undress. Thus, I use some theories developed by the philosopher Giorgio Agamben (2010) in consonance with the reflections about the performance brought by Renato Cohen (2002) and Jorge Glusberg (2009), beyond the thoughts developed by Lars Svendsen (2010) and Kathia Castilho (2009) about fashion.
KEYWORDS: Modes of the Body; Performance Arte; Fashion.
Comunicação - Mascaramento Espacial: a construção de um topos cênico por meio da espacialidade corporal do ator
SILVA, Ipojucan Pereira. Mascaramento Espacial: a construção de um topos cênico por meio da espacialidade corporal do ator. São Paulo: Universidade de São Paulo. Universidade de São Paulo; Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas – Doutorado; Felisberto Sabino da Costa. Bolsista da CAPES. Ator e diretor.
Fruto da pesquisa de doutorado “Mascaramento Espacial: um processo criativo envolvendo a espacialidade corporal do ator”, o artigo apresenta as etapas de um processo de criação em que a espacialidade corporal do ator sirva-lhe de matriz principal para a constituição de seu discurso cênico. Assim, como o emprego da máscara tem a função primordial de fomentar a exploração do campo da alteridade, as investigações teóricas e práticas trabalham com a proposta de que as projeções do espaço cênico sobre o corpo funcionem como uma forma de mascaramento, instaurando um princípio de fluxo de trocas entre espaço e corpo, responsável por uma qualidade diferenciada na resposta psicofísica do atuante. Conclusivamente, os resultados têm sido orientados para procedimentos metodológicos baseados na maneira como essa ambiência margeia um percurso que parte das dinâmicas e qualidades de movimento, e repercute posteriormente tanto na criação de ações físicas – elemento básico de todo o fenômeno teatral –, quanto na organização dessas ações em partituras cênicas.
PALAVRAS-CHAVE: Mascaramento : Espacialidade : Corporalidade : Atuação.
As a results of the doctoral research "Spatial Masking: a creative process involving bodily spatiality of the performer ", the article presents the stages of a creative process in which the bodily spatiality of the performer serves as a main matrix to construct their performance. Thus, as the use of mask has the primary function of promoting the exploration of the field of otherness, the theoretical and practical investigations suggest that the projections of the scenic stage on the body to act as a form of masking, establishing a flow of exchanges between space and body, responsible for a distinct quality in the psychophysical response of the performer. Conclusively, the results have been oriented to methodological procedures based on the way this ambience bordering a path that comes from the dynamics and qualites of the movements, and subsequently affects both the creation of physical actions – basic element of all the theatrical phenomenon – and the organization these actions in scenic scores.
KEY-WORDS: Masking: Spatiality: Embodiment: Performance.
SILVA, Ipojucan Pereira.pdf
Comunicação - Incêndios, o encontro entre a dramaturgia de Wajdi Mouawad e a encenação de Aderbal Freire Filho - o impacto de uma tragédia contemporânea no teatro brasileiro.
BERNAT, Isaac Garson. Incêndios, o encontro entre a dramaturgia de Wajdi Mouawad e a encenação de Aderbal Freire Filho - o impacto de uma tragédia contemporânea no teatro brasileiro. Rio de Janeiro: Faculdade CAL de Artes Cênicas (Faculdade CAL). Professor de Interpretação; ator, diretor.
A presente comunicação busca refletir sobre o processo de construção cênica do texto Incêndios, do autor libanês Wajdi Mouawad, pelo diretor Aderbal Freire Filho, bem como a repercussão da montagem no atual panorama teatral brasileiro. Há quase um ano em cartaz, e com sucesso de critica e público, a peça tem sido objeto de discussões e debates sobre o impacto que uma tragédia de estrutura clássica, mas com uma temática contemporânea pode causar no público e no próprio meio teatral. O fato da adaptação do texto original de Mouawad ter chegado ao Brasil inicialmente através do filme indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro, Incêndios do canadense Denis Villeneuve, também será cotejado com a análise deste fenômeno. É importante ressaltar que o autor deste trabalho participa como ator desta montagem, o que configura a possibilidade de se desenvolver um trabalho que alia o exercício artístico à reflexão teórica, tão cara a categoria de artista/pesquisador.
PALAVRAS-CHAVE: tragédia: encenação: teatro contemporâneo: cinema:
BERNAT, Isaac Garson. Incêndios, la rencontre entre la dramaturgie de Wajdi Mouawad et la mise scène d’Aderbal Freire Filho - la répercussion d'une tragédie contemporaine sur le Théâtre brésilien. Rio de Janeiro : Faculté CAL d'art de la scène ( Faculté CAL). Professeur d’interprétation ; comédien, metteur en scène.
RÉSUMÉE
Cette communication veut reflexir sur le processus de construction de la mise en scène de incêndios, texte de l’auteur libanais Wajdi Mouawaqd par Aderbal Freire Filho, metteur em scène ainsi que la répercussion de cette même mise en scène sur le panorama théâtral brésilien.À l’affiche depuis presque un an, succès auprès de la critique et du publique, le texte a fait l’objet de plusieurs discussions et débats sur l’influence qu’une tragédie de structure classique et de thématique contemporaine peut avoir sur le public et sur le milieu professionnel théâtral. Le fait que l’adaption du texte original de Mouawad soit arrivée au Brésil tout d’abord par le film du canadien Denis Villeneuve, indiqué à l’Oscar du meilleur film étranger, sera aussi traité par l’analyse de ce phénomène. Il est important de souligner que l’auteur de ce travail participe, comme comédien, de cette mise en scène ce qui lui donne la possiblié de développer,en même temps um travail à la fois artistique et théorique et/ou de recherche.
Mots clés : tragédie : mise en scène. Théâtre contemporain,cinéma
BERNAT, Isaac Garson.pdf
Comunicação - Performatividade vocal: os cantos vibratórios de tradição.
MARTINS, Janaína Trasel. Performatividade vocal: os cantos vibratórios de tradição. Londonderry: University of Ulster. Universidade Federal de Santa Catarina; professor efetivo. University of Ulster; Pós-Doutorado; Giuliano Campo. CAPES; Pesquisa Pós-Doutoral no Exterior.
Este texto irá abordar sobre questões pedagógicas relativas a performatividade da voz, com o foco na prática de cantos vibratórios, cantos rituais, cantos de tradições, como um caminho para a expansão da consciência criativa da ação vocal, na formação do performer. Este estudo inspira-se nos princípios das práticas vocais de Maud Robart, que trabalhou com cantos vibratórios de tradição juntamente com Jerzy Grotowski durante a fase da ‘Arte como Veículo’ e inspira-se também nas contribuições de Paul Zumthor sobre os conceitos de vocalidade, tradição cultural e performatividade. Através dos cantos vibratórios de tradição busca-se expandir a experiência vocal, alinhavando o conhecimento acadêmico ao saber popular e os conhecimentos contemporâneos às sabedorias ancestrais. Trata-se de no encontro com outras culturas ampliar a percepção e as perspectivas sobre as pedadogias da voz. A prática de cantos vibratórios pode servir como um procedimento para a expansão da experiência vocal, com o objetivo de desenvolver no performer a consciência criativa e a presença cênica no trabalho com a ação vocal, seja falada ou cantada.
Palavras-Chave: Performatividade vocal: Cantos vibratórios de tradição: Maud Robart: Paul Zumthor.
This paper will share pedagogical issues about the performativity of the voice, with focus on practical vibratory chants, ritual chants, songs of traditions, as a way to expand the creative consciousness of the vocal action, in the training of the performer. This study stems from the principles of the vocal practices of Maud Robart, who worked with vibratory songs of tradition with Jerzy Grotowski during the phase of 'Art as Vehicle', and is also inspired by the contributions of Paul Zumthor and his concepts of vocality, culture tradition and performativity. Through the vibratory chants of tradition the purpose is to expand the vocal experience, with an integration of the academic knowledge with popular knowledge and ancestral wisdom with the contemporary knowledge. In the encounter with other cultures, the goal is to extend perception and perspectives of vocal pedagogies. The practice of vibratory chants can be an approach to produces an expansion of the experience in voice, with the aim of developing the creative consciousness of the perfomer and the presence in work with vocal action, whether spoken or sung.
Keywords: Vocal Performativity: Vibratory chants of tradition: Maud Robart: Paul Zumthor.
Comunicação - Yoga e a experiência da criação artística
WILDHAGEN, Joana. Yoga e a experiência da criação artística. Campinas: Unicamp. Bolsista CAPES; doutoranda; orientadora Marília Vieira Soares. Dançarina, Pesquisadora, Instrutora de Yoga.
Investiga-se a experiência da criação artística a partir do contato cotidiano com diversas práticas meditativas do oriente, a exemplo do yogaindiano com seu arcabouço de visualizações, vocalizações, e a promoção de uma vivência aprofundada da meditação por meio de gestos (mudras) e exercícios de respiração (pranayamas). Busca-se observar quais tipos de percepção e consciência do movimento tais práticas suscitam. A discussão inclui a reflexão de diferentes concepções de técnica no âmbito das artes corporais, e alguns exemplos de artistas ocidentais que buscaram integrar o yoga em sua arte.
PALAVRAS-CHAVE: técnica: yoga: criação artística
Research on the experience of artistic creation based on daily contact with various meditative practices from the east, like the Indian yoga with its set of visual and vocal exercises, as well as its ability to provide a thorough experience of meditation through gestures (mudras) and breathing (pranayama). The intention is to observe what kinds of perception and awareness of movement such practices rouse. The discussion includes consideration of different technical concepts within the body arts, and some examples of Western artists who sought to integrate yoga into their art.
KEYWORDS: technique: yoga: artistic creation
WILDHAGEN, Joana.pdf
Comunicação - O ofício de ator - processos criativos e pedagógicos no espaço do laboratório
DIAS, J. P. P.O ofício de ator - processos criativos e pedagógicos no espaço do laboratório. Brasília: UnB. Universidade de Brasília; Mestrando do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas; orientado por Rita de Cássia de Almeida Castro.
O presente artigo apresenta a trajetória do Nutra – Núcleo de Trabalho do Ator – projeto de extensão e ação Contínua da Universidade de Brasília que, desde 2007, desenvolve o conceito de laboratório como espaço de estudo e experiência do ator. Com o foco no treinamento e seus desdobramentos e contribuições para o processo criativo, o núcleo estimula a aprendizagem e o ensino do próprio ofício. Os artistas do Nutra buscam princípios de trabalho do ator, que possam ser vivenciados e sistematizados em procedimentos pedagógicos, passíveis de serem compartilhados com outros atores.
PALAVRAS-CHAVE: ator; laboratório; treinamento; pedagogia teatral.
This article presents the trajectory of Nutra - Actor's work core - which is an extension and continuous action project of University of Brasília that develops the concept of laboratory as a place for studying and getting experience for actors. Having training and its developments and also its contributions for creative processes as center of attention, the actor's work core encourage learning and teaching. Nutra's artists seek actor's principles of work which could be experienced and systematized in pedagogical procedures, likely to be shared with another actors.
KEYWORDS: actor; laboratory; training; theatre pedagogy.
DIAS, J. P. P.pdf
Comunicação - A “Árvore no Deserto” como campo de investigação: a utilização da técnica circense na linguagem cênica teatral
BERGAMASCO, José Guilherme Pereira. A “Árvore no Deserto” como campo de investigação:a utilização da técnica circense na linguagem cênica teatral. Campinas: UNICAMP. Mestrado; Orientadora Veronica Fabrini Machado de Almeida.
O intuito deste trabalho é refletir sobre o uso da técnica acrobática como instrumento de potencialização da linguagem teatral. Através do estudo da cena “O Ponto de Ônibus”, que integra o espetáculo “Árvore no Deserto”, criado pelo grupo “Ponte pra Lua” nos anos de 2011 / 2012. Pretende-se demonstrar como a integração da linguagem acrobática circense na cena teatral levou à composição de uma poética cênica híbrida que ultrapassa a representação assumindo o risco da performance como ação real , ou seja, risco real no aqui-agora da cena. Risco este, que por sua vez, cria um laço cinestésico entre atores e público.
Palavras chaves: Circo, Teatro, Composições Hibridas, Técnicas Acrobáticas.
The purpose of this paper is to discuss the use of acrobatic technique as a tool for empowerment of theatrical language. Through the study of the scene "O Ponto de Ônibus", which integrates the show "Árvore no Deserto", created by the group "Ponte pra Lua" in the years 2011/2012. Intend to demonstrate how the integration of circus acrobatic language in the theater scene led the composition of a hybrid scenic poetic representation that goes beyond taking the risk of performance as real action. Risk which creates a kinesthetic link between actors and audience.
Keywords: Circus, Theatre, Hibrids compositions, acrobatic techniques
Comunicação - Pedagogia do artista e desmontagem cênica: conceitos e provocações.
BRITO, Raphael. (José Raphael Brito dos Santos). Pedagogia do artista e desmontagem cênica: conceitos e provocações. Uberlândia: Universidade Federal do Uberlândia. Programa de Pós-Graduação em Artes/Mestrado, subárea Teatro; Bolsista Capes; Narciso Larangeira Telles da Silva. Ator e Performer. FAPEMIG.
Como pesquisar o processo criativo? Quais as possibilidades de investigação das práticas teatrais contemporâneas? Quais os métodos ou modos de reflexão na cena teatral na atualidade? As práticas teatrais contemporâneas têm dialogado com os estreitos limites da criação e investigação da cena, ao mesmo tempo em que apresentam novas possibilidades de pesquisa em teatro. Portanto, as interrogações anteriores surgem como provocações acerca das novas possibilidades de investigação do saber da cena, a partir das recentes práticas e reflexões teatrais na contemporaneidade. Desta forma, este trabalho tem como objetivo discutir o conceito da pedagogia do artista tendo como pressuposto as recentes perspectivas metodológicas no fazer, pensar e criar nos processos criativos da cena atual, colocando a desmontagem cênica como estratégia de investigação e reflexão. Apresenta questionamentos acerca das práticas cênicas na contemporaneidade e os diferentes modos de criação. Aborda a desmontagem cênica e suas possíveis questões conceituais, com base na escassa referência, colocando este fundamento como reflexão ética e estética. O desnudamento da cena revela os afetos, motivos, paixões e provocações.
PALAVRAS-CHAVE: Processo criativo. Pedagogia do artista. Desmontagem cênica.
RESUMEN
¿Cómo investigar el proceso creativo? ¿Cuáles son las posibilidades de investigación de las prácticas teatrales contemporáneas? ¿Cuáles son los métodos o modos de reflexión en la escena teatral en la actualidad? Las prácticas teatrales contemporáneas han dialogado con los estrechos límites de la creación e investigación de la escena, al mismo tiempo en que han presentado nuevas posibilidades de pesquisa en teatro. Por lo tanto, las interrogaciones anteriores surgen como provocaciones acerca de las nuevas posibilidades de investigación del saber de la escena, a partir de las recientes prácticas y reflexiones teatrales en la contemporaneidad. De esta forma, este trabajo tiene como objetivo discutir el concepto de pedagogía del artista teniendo como presupuesto las recientes perspectivas metodológicas en el hacer, pensar y crear en los procesos creativos de la escena actual, colocando el desmontaje escénico como estrategia de investigación y reflexión. Presenta cuestionamientos acerca de las prácticas escénicas en la contemporaneidad y los diferentes modos de creación. Aborda el desmontaje escénico y sus posibles cuestiones conceptuales, con base en la escasa referencia, colocando este fundamento como reflexión ética y estética. El desnudamiento de la escena revela los afectos, motivos, pasiones y provocaciones.
PALABRAS-CLAVE: Proceso creativo. Pedagogía del artista. Desmontaje escénico.
Comunicação - A vocalidade da cena como acontecimento.
RANGEL, Juliana. A vocalidade da cena como acontecimento.Fortaleza: Universidade Federal do Ceará. Professora Assistente do Instituto de Cultura e Arte. Doutoranda; Orientador prof. Dr. Elvis Matos.
O historiador cultural Roger Chartier traz contribuições relevantes para pensar as mudanças históricas ocorridas na cena teatral ocidental quanto aos aspectos da performance oral até o aparecimento de suas formas estéticas escritas e impressas. O autor aponta para uma transformação de um ‘acontecimento’ de uma performance sonora ritualística para um ‘monumento’ poético da palavra, gerando o aparecimento de certa clivagem entre as circunstâncias da enunciação concreta da obra ritualística (pensa na antiga Grécia). Estes são os meandros do textocentrismo que subjugará todo o jogo corpóreo-vocal da cena à força intelectiva da palavra. É esse jogo de vozes, falas, sons inventados e escutados no tear da cena pelos atuantes que interessa para este trabalho, que faz parte de pesquisa de doutorado em andamento. Interessa, então, investigar processo de criação em voz, sobretudo na sua força de criação de ambiência sonora na cena, que ressalta intensamente sua potência de ‘acontecimento’. A noção de corpo vibrátil (Rolnik) será chave para esse pensamento. Nesta perspectiva, os atravessamentos que podem ocorrer em um processo de criação da vocalidade da cena com o texto são inteiramente diferentes, o mesmo apresenta-se mais como material do que como obra acabada a ditar o que fazer na cena. Neste sentido, trata-se de investigar a palavra como um dispositivo de invenção de sons, formas, relações espaciais, ressonâncias, consonâncias, dissonâncias, rupturas, fricções de vocalidades, entre outras composições geradas e escutadas na cena. São essas possíveis texturas sonoras, em processos de criação, que esta pesquisa busca cartografar.
Palavras- Chave: Vocalidade, processo de criação, acontecimento.
The cultural historian Roger Chartier brings importants contributions to thinking the historical changes in western theater scene about its aspects of oral performance until the emergence of his writings printed, and esthetic forms. The author highlights to a transformation of an 'event' of a ritualistic sound performance for a poetic 'monument' of the word, creating the appearance of certain cleavage between the circumstances of concrete enunciation of ritualistic work (think in ancient Greece). These are the ways of the text as the center of everything that subjugates the entire body-play voice of the scene over the intellectual power of the word. Such voices game, speeches, created and listened sounds in the loom of the scene by acting that matters for this work, which is part of PhD research in progress. Then, interests investigating the establishment in voice process, especially for its power to create sound ambience in the scene, which strongly emphasizes its power 'event'. The idea of a vibrating body (Rolnik) will be the key to this thought. In this perspective, the crossings that can occur in a process of creating the vocality of the scene with the text are completely differents, the same appears more like material than as a finished work to tell us what do in the scene. In this sense, it is about investigating the word as a device of the invention of sounds, shapes, spatial relationships, resonances, consonances, dissonances, breaks, vocals frictions and other compositions generated and heard in the scene. These possible sounds textures in creative processes that this research seeks to map.
Keywords: vocality, process creation event.
Comunicação - A relação músico/ator na criação do personagem: uma análise das experiências no Théâtre du Soleil
BACCO, Karine. A relação músico/ator no processo de criação do personagem: uma análise das experiências noThéâtre du Soleil. Rio de Janeiro: Programa de Pós-Graduação em Estudos Contemporâneos das Artes. Universidade Federal Fluminense; mestrado; Pretextato Taborda Junior. Atriz.
O Théâtre du Soleil é um grupo que tem como particularidade a presença do músico desde o início do processo de criação de seus espetáculos. Em cinquenta anos completados em 2014, trinta e cinco são em parceria com o músico Jean-Jacques Lemêtre que entrou no grupo em 1979, para auxiliar na criação de Mefisto, mas que somente a partir do ciclo Shakespeariano começou a estar presente desde o início. Esse artigo faz parte de uma pesquisa de mestrado que busca compreender a relação músico/ator na criação do personagem, e tem como objetivo analisar essa relação a partir do estudo dos procedimentos utilizados pelo Soleil em Ricardo II (1981), Noite de reis (1982) e Henrique IV(1984). Para tanto, propõe-se a análise dos instrumentos utilizados nos três espetáculos, bem como de entrevistas realizadas com Lemêtre e os atores sobre o processo de criação da trupe. Essa relação se dá a partir da escuta, do jogo e da improvisação, propostos pelos atores, encenadora e músico, através do concoctage, que consiste em uma conversa onde são sugeridos elementos a serem trabalhados nas improvisações. Dessa troca de estímulos surgem subsídios para que o músico escolha seus instrumentos e possa dialogar com as propostas corporais dos atores em cena.
PALAVRAS-CHAVE: criação do personagem; relação músico/ator; Théâtre du Soleil.
Bientôt cinquante ans sur scène, « Le Théâtre du Soleil », une troupe qui a comme particuliarité la présence du musicien dès le début dans le processus de création, compte avec la participation de Jean-Jacques Lemêtre entant que collaborateur depuis Méphysto, en 1979. Pourtant, il n’a étéqu’à partir des Shakespeares, éffectivement, dès le début. Cet article fait partie d’une recherche de master qui cherche comprendre la relation musicien/acteur dans la création du personnage, et a comme objectif analyser cette relation à partir de l’étude des procédures utilisées par Le Soleil, dans la création de Richard II (1981), La nuit des rois (1982) et Henry IV (1984). Pour cela, on propose l’analyse des instruments employés dans les trois spectacles, ainsi que des entretiens faits avec Lemêtre et les acteurs sur le processus de création de la troupe. Cette relation a lieu à partir de l’écoute, du jeu et de l’improvisation proposés par les acteurs, metteur en scène et musicien, à travers le concoctage, qu’il s’agit d’une discussion où ils définent les éléments travaillés pendant les improvisations. Cette échange de propositions donne au musicien des subventions pour choisir ses instruments, ceux qui pourront dialoguer avec les propositions corporelles des acteurs en scène.
MOTS-CLÉS: création du personnage; relation musicien/acteur; Théâtre du Soleil.
BACCO, Karine.pdf
Comunicação - Corpomemória da Criação Partilhada
SILVA, Keila Fonseca. Corpomemória da Criação Partilhada. Natal: Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia do RN; Professora do curso de Tecnologia em Produção Cultural. Atriz.
O artigo discute a colaboração em processos descentralizados de criação cênica e dramatúrgica em teatro de grupo, problematizando o papel da memória e suas interfaces com o corpo criador. Haverá um “corpomemória”? Existirá uma memória coletiva além das memórias do sujeito ator? Como orquestrar as múltiplas vozes e memórias dentro de um processo criativo colaborativo? Tomou-se como estudo de caso o processo de criação do espetáculo “Sobre Asas e Abismos”, da Confraria da Cena (IFRN, Natal/RN), processo no qual foi possível perceber que as memórias dos partícipes colaboradores (entre atores, direção, cenógrafo, sonoplasta e figurinista) podem ser acionadas através do corpo, seja através do movimento, seja através de estímulos sensoriais. Essas memórias tornam-se matéria prima da criação colaborativa em questão.
Palavras-chave: Processo colaborativo – Corpo – Memória
The article discusses the collaborative decentralized scenic and dramaturgical creation in the theater group processes, questioning the role of memory and its interface with the creator body. There will be a "corpomemória"? Is there a collective memory beyond the memories of the actor guy? How to orchestrate multiple voices and memories within a collaborative creative process? Was taken as a case study of the process of creating the show "On Wings and Depths", the Brotherhood of the Scene (IFRN, Natal / RN), process in which it was revealed that the memories of the participants collaborators (among actors towards set designer, sound designer and costumer) can be driven through the body, whether through movement, either through sensory stimuli. These memories become raw material for collaborative creation concerned.
Keywords: Collaborative Process - Body - Memory
Comunicação - Um canto que é escuta: uma investigação da unidade corpo/voz no ator que canta
MOURA, Leticia Carvalho Gaspar de. UM CANTO QUE É ESCUTA: UMA INVESTIGAÇÃO DA UNIDADE CORPO/VOZ NO ATOR QUE CANTA. Rio de Janeiro: UNIRIO. Curso de Mestrado em Artes Cênicas PPGAC – UNIRIO, Tatiana Motta Lima.
Cantora, professora de canto.
A presente pesquisa trata de uma investigação sobre a relação dos atores com o ato de cantar. O trabalho se propõe a investigar de que forma esses artistas podem criar uma aproximação com a música e o canto a partir do alargamento do sentido da escuta. A partir de uma investigação teórica sobre o conceito de escuta e sua ligação com a percepção da voz no corpo e no espaço, consideram-se também as relações (com colegas de trabalho e também do ator com ele mesmo) que cercam esta produção corporal/vocal. Como referencial teórico, são usados recortes das obras de quatro autores: Jerzy Grotowski, Glorinha Beutenmüller, Francesca Della Monica e Meran Vargens. A pesquisa a ser apresentada tem um caráter teórico-prático e foi realizado, como parte do processo, um Laboratório Experimental que teve como objetivo investigar, em um grupo de atores, de que forma a escuta pode ser sensibilizada e ampliada para servir ao canto, e também a partir dele. Procurou-se também observar como isso se reflete no ato de cantar pelo atuante, em sua apropriação de conceitos musicais.
PALAVRAS-CHAVE: atores, voz, canto, escuta, contato.
This research is about the relation of the actors with the act of singing. The presented work is an investigation in how these artists can become more intimate with the music and the singing from broadening their sense of hearing. The research starts with a theoretical investigation about the concept of hearing and it’s connection with the perception of the voice in the body and in space, also considering the relations (with work colleagues and the actor with himself) that are part of this voice and body production, from the following authors: Jerzy Grotowski, Glorinha Beutenmüller, Francesca Della Monica e Meran Vargens. This research has a theoretical and practical concept and, as part of the process, an Experimental Lab was realized with the objective of investigating, in a group of actors, in what way the sense of hearing can be intensified and broaden to serve the singing and also from within it. Also observed was how this is reflected in the act of singing by the actor.
KEY WORDS: actors, voice, singing, hearing, contact.
CARVALHO Leticia.pdf
Comunicação - Polifonia e encenação: a iluminação cênica no trabalho do ator de teatro.
MOURA, Luiz Renato. Polifonia e encenação: a iluminação cênica no trabalho do ator de teatro. Juazeiro do Norte: Universidade Regional do Cariri/URCA; Professor substituto. Ator-iluminador e encenador.
O presente artigo propõe uma investigação sobre a polifonia na linguagem da encenação teatral, analisando especificamente a iluminação cênica no trabalho criativo do ator. Nessa perspectiva, a partir do momento que o ator passa a interagir com o processo criativo da iluminação, e principalmente, assume suas concepções atmosféricas e espaciais no corpo e na imaginação, passa a exercer uma relação polifônica, pois articula num só processo criativo, outras linguagens. A Cia. de Teatro Engenharia Cênica e seus processos colaborativos servem como base para o desenvolvimento da pesquisa.
PALAVRAS-CHAVE: Ator, iluminação cênica, encenação.
This article proposes an investigation into the polyphony in the language of theatrical staging, stage lighting specifically analyzing the creative work of the actor. From this perspective, from the moment that the actor starts to interact with the creative process of lighting, and primarily assumes its atmospheric and spatial concepts in body and imagination, begins to exercise a polyphonic relationship because only articulates a creative process, other languages. Cia Engineering Theater Scenic and their collaborative processes serve as the basis for the development of research.
KEYWORDS: Actor, stage lighting, theatrical staging.
Comunicação - Poéticas da dança: entre contemporaneidade e imanência.
CONCEIÇÃO, Luiz Thomaz S. Poéticas da dança: entre contemporaneidade e imanência. Jequié: Universidade Estadual do Sudoeste da Bahia; Professor Auxiliar.
Este trabalho visa analisar o espetáculo “Lírica Morada” da Companhia Moderno de Dança de Belém do Pará, a partir da perspectiva de poética da dança contemporânea proposta por Laurence Louppe (2012), e a poética da dança imanente proposta por Ana Flávia Mendes (2010). O espetáculo foi produzido no ano de 2012, a partir do poema “Para ler como quem anda nas ruas” do poeta paraense João de Jesus Paes Loureiro, o qual narra trajetos e percepções de um flaneurpelas ruas da capital paraense.
O espetáculo não se propôs a narrar o poema,para isso foi desenvolvido um processo de criação baseado na poética da dança imanente. Tal poética, fundamentada no conceito de imanência do filosofo Gilles Deleuze, propõe uma dança no qual o corpo fale por si. A pesquisa de movimento se dá na autodescoberta do corpo sobre suas relações rizomáticas com o tema do espetáculo. Nesse sentido, memórias e sensações que o eu lírico apresenta no poema se confundem com as dos intérpretes-criadores, que buscam, nas suas próprias vivências, produzir a poética do espetáculo. Uma poética imanente.
A dança imanente encontra-se inserido no movimento da dança contemporânea, a qualLaurence Louppe propõe que seja caracterizada pela individualização do corpo e do gesto no processo criativo. Nesse ponto, encontra-se o elo com a dança imanente, pois ambos têm, como matéria de trabalho, a realidade e autenticidade do próprio corpo. A análise parte de uma visão interna-externa da obra, tecendo reflexões sobre a construção poética do espetáculo.
Palavras-chave: poética; dança contemporânea; imanência.
This work aims to analyze the show "Lírica Morada" by Companhia Moderno de Dança, from the perspective of contemporary’s dance poetics proposed by Laurence Louppe (2012), and immanent’s dance poetic proposed by Ana Flavia Mendes (2010). This show was produced about the poem "Para ler como quem anda nas ruas” of the poet João de Jesus Paes Loureiro, who narrates paths and perceptions of a flaneur through the streets of Belém.
The development of the creative process was based on the immanent dance. This poetic, based on the concept of immanence of the philosopher Gilles Deleuze, proposes a dance in which the body speak for it self. The immanent dance is inside a contemporary dance movement. Laurence Louppe analyzes this movement and suggests that its about the individualization of body and gesture in the creative process. At this point, it’s possible to find a link to the immanent dance.The analys is an internal-external view of the work, creating reflections about thepoetic construction.
Keywords: poetic; contemporary dance; immanence.
Comunicação - Aspectos da Metodologia Gaga Para o Trabalho do Ator
ABI SAAB, Luiza Beloti; SOUZA, Aguinaldo Moreira; ALVIM, Valeska. Aspectos da Metodologia Gaga para o Trabalho do Ator. Londrina: Universidade Estadual de Londrina. Universidade de Brasília; Programa de Pós-Graduação em Artes; Soraia Maria Silva.
O presente artigo apresenta a metodologia Gaga, a linguagem de movimento proposta pelo coreógrafo israelense Ohad Naharin, analisando alguns princípios técnicos e conceitos estéticos usados em seu trabalho artístico. Em seguida, busca uma perspectiva de apropriação dos elementos apresentados para contribuir com as pesquisas no trabalho do ator. Para tanto, utilizou-se um grupo de atores-pesquisadores, que já desenvolviam um treinamento técnico de trabalho do ator em projeto de pesquisa da Universidade Estadual de Londrina e um grupo de alunos iniciantes de teatro, na Escola Municipal de Teatro de Londrina. Ambos os grupos foram capazes de construir uma presença cênica e aprimorar a percepção corporal, ainda que em diferentes níveis individuais. Gaga mostrou-se uma eficiente ferramenta para trabalho do ator, desenvolvendo a percepção e o domínio corporal, a percepção de espaço, a concentração e o prazer pelo movimento, merecendo maiores estudos.
Palavras-chave: Ohad Naharin: Gaga: Trabalho do ator: Metodologias.
This article presents the methodology Gaga, the language movement proposed by Israeli choreographer Ohad Naharin, analyzing some technical principles and aesthetic concepts used in your artwork. After that, search a perspective of appropriation of elements presented to contribute to the actor’s work research. For this, we used a group of actors - researchers, who have developed a technical training of the actor's work on a research project at the State University of Londrina and a group of beginners theater students, the Municipal School Theatre, in Londrina. Both groups were able to build a scenic presence and enhance body awareness, albeit in different individual levels. Gaga proved to be an efficient tool for the actor's work, developing body awareness and mastery, the perception of space, concentration and enjoyment for the movement and deserves further study.
Keywords: Ohad Naharin ; Gaga ; Actor’s work ; Methodologies.
ABI SAAB, Luiza Beloti SOUZA, Aguinaldo Moreira ALVIM, Valeska.pdf
Comunicação - Experiências somáticas e estéticas na dança, na performance e no ensino de arte.
Marcia V B Araujo
A proposta é refletir sobre a experiência artística como via legítima de autoconhecimento e conhecimento estético, visitando alguns autores da teoria do conhecimento, também inseridos na prática somático-estética, que compreendem os princípios somático-performativos (termo proposto por Ciane Fernandes), como essenciais no autodesenvolvimento do dançarino, do performer e do educador em arte cênica.
Para compreender as noções ligadas à experiência artística, explora-se desde o senso comum, passando por outras concepções teóricas, entre elas a Antropologia Estética, a Antroposofia e as abordagens de movimento provenientes de Rudolf Laban (Laban/Bartenieff e Body-Mind Centering), concluindo com a análise de três experiências em arte-ritual:In-Corpo-Oração, Impermanência e Ventre, criadas a partir da exploração de conteúdos internos das performers e da aplicação dos princípios investigativos somáticos, estéticos e ritualísticos.
Analisar os processos criativos do ponto de vista da pesquisa e da abordagem teórica que os criou; esse é o desafio que este estudo traz ao exigir um distanciamento das vivências que permitiram a ampliação das possibilidades criativas e expressivas das autoras, cujo valor afetivo-cognitivo residiu no autoconhecimento que surgiu da imaginação artística e da transformação de si mesmo.
Palavras-chave: pesquisa somática, experiência estética, arte-ritual, sistema Laban, Euritmia Antroposófica.
The proposal is to reflect on the artistic experience as a legitimate means of self-knowledge and aesthetic knowledge, visiting some authors the theory of knowledge, also inserted into the somatic-aesthetic practice, which understand thesomatic-performative (term proposed by Ciane Fernandes) as essential principles in the development of the dancer, the performer and educator in scenic art.
To understand the concepts related to the artistic experience, it explores from common sense, from other theoretical conceptions, including the Aesthetic Anthropology, Anthroposophy and approaches movement from Rudolf Laban (Laban/Bartenieff e Body-Mind Centering), concluding with an analysis of three experiments in art-ritual: In-Corpo-Oração, Impermanência and Ventre created from the internal content of the performers and the application of somatic, aesthetic and ritualistic investigative principles.
Analyze the creative processes from the point of view of research and theoretical approach that has created; this is the challenge that this study brings to require a distance from the experiences that allowed the expansion of creative and expressive possibilities of the authors, whose affective-cognitive value resided in self-knowledge that arose from the artistic imagination and itself transformation.
Keywords: somatic research, aesthetic experience, art-ritual, Laban System, Eurythmy Anthroposophical.
Comunicação - Orins: o canto do Batuque como ativador do estado performático
LARA, Marcos. Orins: o canto do Batuque como ativador do estado performático. Santa Maria: UFSM. Mestrando em Artes Visuais, linha Arte e Cultura, pelo Programa de Pós-graduação em Artes Visuais/UFSM, Gisela Reis Biancalana. Ator, performer e diretor teatral.
O presente artigo aborda questões relacionadas ao trabalho sobre si mesmo do performer que, aqui, engloba tanto o artista da cena teatral quanto o da performance arte. O texto discute questões teórico-práticas no âmbito da preparação do performer que busca um estado não cotidiano diante de seu público, um estado psicofísico de atenção plena que coordene o corpo e o desperte para torná-lo presente. É nos Orins, cantos de tradição africana presentes no Batuque do Rio Grande do Sul que se busca um meio de atingir tais objetivos. O trabalho com os Orins propõe, para além da atenção plena, investigar como cada canto influencia organicamente no corpo, como o canto conduz o corpo-mente de seu cantante. Tal abordagem diante dos cantos do Batuque tem em Grotowski (1993) sua base teórica e, portanto, a prática do canto é tomada pela perspectiva do Organon. Investiga-se, assim, se a prática deste instrumento ritual pode elevar o corpo e a mente do performer para um estado pleno de atenção.
Palavras-chave: Performer. Preparação. Batuque. Tradição. Presença.
This article addresses issues related to working about yourself of the performer that here encompasses both the artist of the theatrical scene as performance art. The paper discusses theoretical and practical issues in the area of the preparation of the performer that seeks a psychophysical state of mindfulness that will coordinate the body and make it awake, present. It is in the Orins, corners of African tradition present on the Batuque of Rio Grande do Sul who seeks a way to meet these goals. The work with Orins proposes, in addition to mindfulness, investigating how each corner affects organically the body, such as the corner leads the body-mind of your singer. This approach of the corners of the Batuque has in Grotowski (1993), its theoretical basis, and therefore the practice of singing is taken from the perspective of the Organon. Is investigated whether the practice of this ritual instrument can elevate the mind and body of the performer into a full state of attention.
Keywords: Performer. Preparation. Batuque. Tradition. Presence.
Comunicação - Apresentação das personagens da Commedia dell’Arte
GÓIS, Marcus Villa. Apresentação das personagens da Commedia dell’Arte. Campo Grande: Universidade Estadual do Mato Grosso do Sul. UEM/DE/ IV/A. Ator e Diretor teatral.
Trata-se da descrição de um modo de construção de 7 das personagens da Commedia dell’Arte indicadas pela Claudia Contin e utilizado durante a montagem do Festival de Uma Cia Só.
PALAVRAS-CHAVE: Commedia dell’Arte; Personagem; Dramaturgia do Ator.
This is the description of a mode of construction of seven characters of the Commedia dell'Arte indicated by Claudia Contin and used during assembly of the Festival of One Company Only.
KEYWORDS: Commedia dell'Arte; character; Actor dramaturgy.
GOIS, Marcus Villa.pdf
Comunicação - Jogatina é um jogo de cenas, um exercício de criação em teatro.
NETTO, Maria Amélia Gimmler. Jogatina é um jogo de cenas, um exercício de criação em teatro. Pelotas: UFPel. Professora do Curso de Teatro-Licenciatura da Universidade Federal do Centro de Artes da UFPel. Mestre em Artes cênicas pelo PPGAC/UFRGS. Licenciada em Educação Artística com habilitação em Artes Cênicas pelo CEARTE/UDESC. 2014.
A experiência aqui apresentada se caracteriza por fazer uso do jogo de aprendizagem proposto por Bertolt Brecht - através do estudo prático de suas Peças Didáticas publicadas em Língua Portuguesa - para investigar as relações entre as atuais teorias de teatro contemporâneo - a partir da ideia de Teatro Pós-Dramático, proposta por Hans Thies Lehmann - e as atuais possibilidades de criação e aprendizagem em teatro. Jogatina é um jogo de cenas, um exercício de criação em teatro. O Projeto de Pesquisa “JOGATINA: Jogo de Aprendizagem, Teatro Pós-Dramático e suas contribuições para a pedagogia do teatro” e é coordenado pela Professora Mestre Maria Amélia Gimmler Netto e integra o “Grupo de Estudos e Pesquisas em Teatro, Educação e Práxis Social” da Pró-Reitoria de Pesquisa-UFPeL. O experimento conta com a participação de cinco alunos do Curso de Teatro-Licenciatura do Centro de Artes da UFPel.
Palavras-Chave: Jogo de aprendizagem – Teatro Pós-Dramático – Processo de Criação
La experiencia que aquí se presenta se caracteriza por hacer uso del Juego de Aprendizage propuesto por Bertolt Brecht - a través del estudio práctico de las Piezas de Enseñanza publicados en portugués - para investigar la relación entre las teorías actuales del teatro contemporáneo - a partir de la idea de Teatro Post-Dramático, propuesto por Hans Thies Lehmann - y las posibilidades actuales de la creación y el aprendizaje en el teatro. JOGATINA es un juego de escenas, un ejercicio de creación em teatro. El proyecto de investigación "Jogatina: Teatro Post-Dramático, Teatro Post-Dramático y sus aportaciones a la pedagogía del teatro" es coordinado por la profesora María Amelia Maestro Gimmler Netto y hace parte del "Grupo de Estudios e Investigación en Teatro, Educación y Praxis Social” de La UFPEL. El experimento se basa en la participación de cinco estudiantes de la Licenciatura en Teatro de UFPel.
Palabras-Clave: Teatro Post-Dramático - Teatro Post-Dramático – Proceso de Creación
NETTO Maria Amelia Gimmler.pdf
Comunicação - Histórias de dançar,contar e...palhaço conta história?
MACHADO, Maria Ângela De Ambrosis Pinheiro; FIGUEIREDO, Valéria Maria Chaves de; FERREIRA, Alexandre Donizzeti. Histórias de dançar,contar e...palhaço conta história?. Goiânia: Universidade Federal de Goiás. Universidade Federal de Goiás; Professor adjunto. Clown, atriz e contadora de história.
Este artigo visa apresentar o resultado da pesquisa realizada pelos autores relativa ao levantamento de histórias de Goiás e os processos criativos gerados por esta pesquisa. Se por um lado, o objetivo da pesquisa foi realizar um levantamento de histórias contadas por contadores de Goiás, por outro, de posse dessas histórias e na mão de artistas, a semente criativa estava lançada. Os desafios relativos criação artística envolvendo a linguagem da dança, do palhaço e da contação de história fomentaram os processos criativos propostos. Este artigo tem em vista refletir sobre os procedimentos e resultados alcançados pela pesquisa de linguagem cênica que integrou as linguagens artísticas citadas acima. O resultado artístico está composto por três espetáculos cênicos e que, atualmente, embora autônomos, vem sugerindo nova perspectiva integrativa, uma vez que tem sido apresentado nas escolas de Goiânia. Estas apresentações têm suscitado, por sua vez, questionamentos acerca de uma efetiva de intervenção artística na escola, contínua e integrada, objetivando constituir espaços de experiência estética, socialização e formação de público nas escolas.
PALAVRAS CHAVE: dança; palhaçaria; contação de história.
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The purpose of this study is to show the final research product done by authors about Goiás stories and the creative process generated from this research. If for one side, research´s goal was to accomplish a survey of stories that were told by tellers from Goiás, the other hand it has got these stories in artists´ hands, the creative seed process came up. The challenges related to creative artistry involving the dance´s language, clown and the stories´ narration promoted the imaginative process proposed.
This study proposes reflection about the proceeding and results achieved by scenic language research that integrated the artistic languages above pointe out. The artistry result is composed for three scenic spectacles, which at the moment, even though autonomous, they have been suggesting a new integrating perspective. It has been presented at schools in Goiania. These events have elicited, on the other hand, questions about the effectiveness artistic intervention at schools, continue and integrated with the objective to build out spaces of esthetics experience, socialization and training of public school.
Key words: Dancing, clowning, stories´ narration
MACHADO, Maria Angela De Ambrosis Pinheiro.pdf
Comunicação - O retrato da dança no Brasil - 1950/2000
RAMOS, Enamar. O RETRATO DA DANÇA NO BRASIL – 1950 A 2000. Rio de Janeiro. Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro-UNIRIO. Professor Adjunto. Escola de Teatro.
O presente artigo procura registrar parte da história da dança escrita no Teatro Municipal do Rio de Janeiro no período de 1950 a 2000. O texto foi elaborado com base em depoimentos dos bailarinos que integraram seu Corpo de Baile nesse período. A origem dessa companhia remonta a Maria Olenewa que, em 1937, criou a Escola de Danças Clássicas do Teatro Municipal do Rio de Janeiro (atual Escola de Danças Maria Olenewa) com objetivo de formar de preparar bailarinos que atuassem nas Óperas. Essa história, por ser recente, ainda não foi devidamente documentada. Pretendemos, ao termino da pesquisa, documentar com texto e imagem o resultado obtido para que as atuais e as futuras gerações possam identificar as pessoas que a construíram e conhecer todas as montagens encenadas. A bibliografia sobre o assunto é praticamente inexistente, por isso a reconstrução dessa história está sendo realizada com base nos depoimentos dos bailarinos.
Palavra chave – Dança, Ballet , Theatro Municipal RJ,
ABSTRAT
This article aims to register part of the dance history at the Municipal Theater of Rio de Janeiro - from 1950 to 2000. The text is based on the testimony of the dancers who joined its corps de ballet in that period. The origin of the company dates back to Maria Olenewa who, in 1937, created the Classic Dance School of the Municipal Theater of Rio de Janeiro (now School of Dance Maria Olenewa) to prepare dancers who acted in Operas. It is recent history and, therefore, has not been properly documented. We intend, after finishing the research, to document text and image of the result, so that current and future generations can know the people who built it and all the staged compositions. The literature on the subject is scarce, so the reconstruction of the history is being made based on the testimonies of the dancers.
Keywords – Dance, Ballet , Municipal Theatre – RJ,
RAMOS, Enamar.pdf
Comunicação - "Ator e imagem videográfica: modalidades de interação"
ISAACSSON Marta. Ator e imagem videográfica: modalidades de interação.Porto Alegre: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas - UFRGS; CNPq; produtividade de pesquisa 1C.
Ao incorporar novas tecnologias, o teatro não só renova seu modo de operar, mas também remedia meios que o sucederam, como o cinema e o vídeo. O presente estudo constitui parte do desenvolvimento do projeto Cena e Intermedialidade, cujo propósito é reconhecer os procedimentos intermediais instaurados na cena no processo de remediação. São aqui examinadas encenações contemporâneas nas quais a presença do ator é posta em fricção com imagens videográficas, no interesse de identificar a natureza das relações estabelecidas entre o jogo vivo dos corpos e as imagens virtuais projetadas. A análise nos permite evidenciar diferentes modalidades de interação, dentro das quais o ator assume funções performativas diversas.
PALAVRAS-CHAVE: Intermedialidade - Ator - Novas Tecnologias - Vídeo - Imagem
RÉSUMÉ Acteur et images vidéo : modalités d'interaction
En intégrant les nouvelles technologies, non seulement le théâtre renouvelle leur fonctionnement, mais il réalise aussi la remédiation des moyens du cinéma et de la vidéo. Cette étude s'inscrit dans le projet Scène et Intermédialité, qui a pour but de reconnaître les opérations intermédiaires instaurées sur scène, dans ce processus de remédiation. Sont examinées ici des mises en scène contemporaines, dans lesquelles la présence de l'acteur se trouve en contact avec des images vidéo, afin d'identifier la nature des relations établies entre le jeu des corps et les images virtuelles projetées. L'analyse met en évidence les modalités d'interaction dans lesquelles l'acteur exerce différentes fonctions performatives. Mots-clés : Intermédialité - Acteur - Nouvelles technologies - Vidéo – Image
ISAACSSON Marta.pdf
Comunicação – Martin Rosso
Comunicacao - O BOXE COMO TREINAMENTO NO ESPETACULO "MUJERES DE MI VIDA"
GOMEZ, MAXIMO JOSE. O BOXE COMO TREINAMENTO NO ESPETACULO MUJERES DE MI VIDA. TUCUMAN, ARGENTINA: FACULTAD DE ARTES UNT / UNIVERSIDADE FEDERAL DE MINAS GERAIS UFMG. DOUTORANDO FERNANDO MENCARELLI.
O trabalho desenvolve o modo como foram utilizadas técnicas de boxe na construção do treinamento nos processos criação do espetáculo “Mujeres de mi vida”. A partir de uma experiência direta no âmbito do boxe se trabalhou para a transferência e adaptação de princípios específicos de essa disciplina, tomando como referencia conceitos de Meierhold sobre biomecânica. Isto é, pensar a ideia de um corpo inserido em ações que permitam o comprometimento da totalidade de sua estrutura, sem desvincular o ritmo como padrão de organização no tempo e no espaço. O trabalho partiu da construção de sequências de movimento que traduziam de forma indireta a gramatica física do boxe que se constitui a partir de movimentos corporais codificados que se ligam a partir de combinações libres. Neste sentido a cultura do pugilismo, que tem por objetivo a construção de uma estética, uma ética e uma dinâmica de funcionamento específica foi estudada para trasladar elementos próprios da teatralidade tais como: precisão, intensidade, mudança de ritmo, vinculação do corpo com o espaço, etc. O objetivo não foi a translação direta de uma disciplina a outra senão o possibilidade de construção de estruturas de comportamento equivalentes que facilitaram, desde os princípios do boxe, a aquisição de elementos expressivos do trabalho do ator. PALAVRAS-CHAVE: BOXE: TREINAMENTO: PERFOMANCE. RESUMEN Este Trabajo estudia la forma como fueron utilizadas técnicas de box en la construcción del entrenamiento dentro de los procesos creativos del espectáculo “Mujeres de mi vida”. A partir de una experiencia directa en el ámbito del boxeo, se trabajó para la transferencia y adaptación de principios específicos de esa disciplina tomando como referencias conceptos de Meierhold sobre biomecánica. Esto significa pensar la idea de un cuerpo inserto en acciones que permitan el comportamiento de la totalidad de su estructura sin desvincularse del ritmo como padrón de organización en el tiempo y en el espacio. El trabajo partió de la construcción de secuencias de movimiento que traducían de modo indirecto la gramática física del boxeo que se construye a partir de movimientos corporales codificados, que se ligan desde combinaciones libres. En este sentido la cultura del pugilismo que tiene por objetivo la construcción de una estética una ética y una dinámica de funcionamiento específica, fue estudiada para trasladar elementos propios de la teatralidad tales como: precisión, intensidad, cambio de ritmo, vinculo del cuerpo y el espacio, etc. El objetivo no fue la traslación directa de una disciplina a la otra sino la posibilidad de construcción de estructuras de comportamiento equivalentes que facilitasen desde los principios del boxeo, la adquisición de elementos expresivos en el trabajo del actor.
PALAVRAS CLAVES: BOXEO: ENTRENAMIENTO: PERFOMANCE.
Comunicação - Processos e procedimentos criativos para a produção de espessuras corporais. Rio de Janeiro: UNIRIO.
MAGALHÃES, Mona (MAGALHÃES, Mônica). Processos e procedimentos criativos para a produção de espessuras corporais. Rio de Janeiro: UNIRIO. Professora, Atriz e Maquiadora.
Parte-se do princípio que o corpo é a ancoragem da presença no mundo (Fontanille e Zilberberg, 2001). Estar presente, por conseguinte, é o primeiro modo de significação que busca incessantemente a plenitude.Para estar em cena os criadores e os atores de um espetáculo visam estar plenos com seus corpos e personagens, mesmo que para isso alterem as propriedades das envolturas corporais: a compactação, a conexão e a interface de triagem. As modificações dessas propriedades são caminhos para evidenciar e ampliar os sentidos poéticos na cena. Neste artigo, propõem-se abordar alguns modos para a modificação da compactação do corpo, como as próteses faciais anatômicas, que ampliam a espessura corporal para que uma personagem possa se tornar visível ao público e ao mesmo tempo virtualizar o rosto e/ou corpo do ator. Apresenta-se assim as pesquisas de materiais, os estudos de anatomia facial e os procedimentos desenvolvidos nos últimos três anos na disciplina optativa de Caracterização II, na Escola de Teatro, da Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro, para a qual foram desenvolvidas próteses que se acoplam perfeitamente ao rosto, desde as mais simples e econômicas até as mais complexas e dispendiosas.
PALAVRAS-CHAVE: Corpo, caracterização, próteses.
MAGALHÃES, Mona (MAGALHÃES, Mônica). Processus et procédures créatifs pour la production de épaisseurs corporels. Rio de Janeiro: UNIRIO. Professeur docteur, actrice et maquilleuse
On suppose que le corps est l’ancrage de la présence dans le monde (Fontanille et Zilberberg, 2001). Être présent, donc, est le premier mode de signification qui cherche sans cesse la plénitude. Pour être sur la scène, les créateurs et les acteurs d'un spectacle afin d'être complet avec leur corps et les personnages, même si pour cela modifient les propriétés des l’enveloppements corporels: le compactage, la connexion et l'interface de triage. Les modifications de ces propriétés sont des moyens à mettre en évidence et d'amplifier les sens poétiques sur les lieux. Dans cet article, on propose d'aborder certains modes pour la modification de la compression du corps, comme les prothèses faciales anatomique, qui s'étendent l'épaisseur corporel pour qui le personnage peut-il devenir visible au public et au même temps pour virtualiser le visage et/ou le corps de l'acteur. On présent aussi les recherches de matériaux, les études de l'anatomie faciale et les procédures mises en place dans les trois dernières années en cours optionnel de Caractérisation II, dans l’École de Théâtre de l’Université Fédéral de Rio de Janeiro - Unirio, pour lequel les prothèses ont été développées pour unir parfaitement au visage, de la plus simple et la plus économique à la plus complexe et coûteuse.
MOTS CLES: Corps, caractérisation, prothèses.
MAGALHAES, Mona.pdf
Comunicação - O ki do ator
KEISERMAN, Nara. O ki do ator. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro-UNIRIO. Professora Associada 1. Encenadora, atriz, diretora de movimento.
A Pesquisa Institucional Ator rapsodo: pesquisa de procedimentos para uma linguagem gestual tem se organizado em diferentes etapas, de acordo com o foco investigativo, que abrange as unidades corpo-movimento-palavra, trabalhadas com diferentes ênfases e referências. Recentemente, operou-se uma mudança significativa, em que a narratividade compreendida em sua condição literária e conectada ao épico teatral, passou a ser um pressuposto e não mais objeto de investigação, dando lugar a uma busca afinada com aquilo que vinha se colocando de forma latente nos laboratórios realizados com os alunos bolsistas: o trabalho do ator sobre si mesmo vinculado ao “cuidado de si”, de Foucault (2004) e, principalmente, em conexão a disciplinas e conhecimentos não teatrais: Alinhamento Energético ou Fogo Sagrado, Leitura Corporal, Linguagem Orgânica, Yoga Suksma Vyayama e os Chakras. Os resultados das experiências laboratoriais, em que se manipularam tais saberes, concretizados na corporeidade criadora dos atores bolsistas, trouxe naturalmente um olhar interessado em alguns princípios das Artes Marciais, principalmente na noção de ki, que parece ser a chave do caminho para se estar simultaneamente em si e no outro.
Palavras-Chave: Corpo: Movimento: Chakras: Espiritualidade: Ki.
The institutional research Rhapsodist actor: procedures of research for a gestual language has been organized at different stages, according to the research focus, which can be the literature or the movement language proposed to the actors students. Recently, operated a significant change: the narrative connected to the Epic Theater has become a presupposition, and not more a subject to be investigated. The Experimental Laboratories indicated an approach to the "care of the self" (Foucault, 2004), the actor's work on himself, connected to disciplines non-theatrical knowledge: Sacred Fire, Body Reading, Organic Language and Yoga Suksma Vyayama. The results brought interest in some principles of Martial Arts, especially the notion of ki, which seems to be the key to being both in themselves and in others.
Key words: Body: Movement: Chakras: Spirituality: Ki.
KEISERMAN Nara.pdf
Comunicação - O Corpo Vivido Numa Instituição Totalitária: Inspirações Para Um Processo de Criação.
SALLES, Nara; PIRES, Josadaque Albuquerque da Silva. O Corpo Vivido Numa Instituição Totalitária: Inspirações Para Um Processo de Criação. Natal: UFRN. Universidade Federal do Rio Grande do Norte. Professora Associada no Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas. Mestrando do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas.
O artigo propõe uma reflexão sobre a memória dos corpos que se revelam na cena cotidiana de uma instituição hospitalar cujo objetivo é tratar e a cuidar de pessoas em situação de sofrimento psíquico ou portadoras de transtornos mentais. Descreveremos como esses corpos se articulam e se fazem presentes ou ausentes na cena de um hospício, como ocupam e se fazem existir e resistir num espaço marcado historicamente por relações totalitárias e por histórias humanas que trazem em si marcas de abandono, traumas e desencantos. Discutimos a relação de corpo, espaço e movimento em um ambiente carregado de cargas emocionais e expressivas em que a vulnerabilidade e fragilidade da condição existencial humana se revelam. Problematizamos como se dá o fenômeno da corporeidade no hospício a partir da observação e vivencia interativa relacional dos corpos, dos espaços e da movimentação percebendo esses corpos em ações corporais na ocupação dos espaços visando um processo de criação cênica.
PALAVRAS-CHAVES: corpo: fenomenologia: espaços totalitários: processos de criação.
This paper proposes a reflection on the memory of the bodies revealed in the everyday scene of a hospital whose goal is to treat and care for people in psychological distress or suffering from mental disorders. Describe how these bodies are articulated and are present or absent at the scene of a hospice, they occupy and do exist and stand in the space marked historically by totalitarian relations and human stories they carry marks of neglect, trauma and disappointments. We discuss the relationship of body, space, and motion in a loaded emotional and expressive loads environment in which the vulnerability and fragility of the human existential condition are revealed. It questions how is the phenomenon of corporeality in hospice from observation and interactive relational experiences of bodies, spaces and movement realizing these bodies in bodily actions in the occupation of spaces targeting a process scenic creation.
KEYWORDS: body: phenomenology: totalitarian spaces: creation processes.
Comunicação - Cia. Artehúmus de Teatro: as raízes sociais e poéticas da fertilidade artística
GUIMARÃES, Natália. Cia. Artehúmus de Teatro: as raízes sociais e poéticas da fertilidade artística. São Paulo: Universidade Estadual Paulista “Júlio de Mesquita Filho” – Unesp. Instituto de Artes; Mestrado em Artes; Lúcia Regina Vieira Romano. Capes; Mestrado.
Esta pesquisa propõe uma análise das referências estéticas das práticas teatrais da Cia. Artehúmus de Teatro, grupo paulista fundado em 1987. Nas pegadas do teatro contemporâneo, esta companhia teatral mobiliza múltiplos elementos estéticos ao longo de uma experiência artística que dá a mesma importância a todas as etapas do processo criativo. Diante de tamanha pluralidade, a pesquisa aqui projetada mobiliza um instrumento metodológico também plural – a “crítica genética” – que se notabiliza por desvelar a gênese criativa da obra artística ao invés de se prender ao espetáculo finalizado. Contudo, como a “crítica genética” ainda se prende a um referencial exclusivamente estético e, considerando que nenhuma obra vaga num vácuo social, esta pesquisa também propõe a “sociologização” do processo criativo, isto é, propõe desvelar as escolhas estéticas que engendram a obra, conectando-as às raízes sociais dos artistas e do grupo. Em suma, se o espetáculo final é um ponto de condensação da experiência criativa, esta, por sua vez, é a condensação das múltiplas experiências sociais dos artistas envolvidos no processo criativo. Os instrumentos metodológicos mobilizados são: entrevistas; caderno de campo; análise de documentos; análise do espetáculo e de suas críticas etc.
PALAVRAS-CHAVE: Processo de Criação: Crítica Genética: Teatro de Grupo.
This research suggests an analysis of the aesthetic references of the theatrical practicesof Cia. Artehúmus de Teatro, a theatre company founded in São Paulo in 1987. Following the paths of contemporary theatre, this company has applied several aesthetic elements throughout its history based on giving equal importance to each stage of the creative process. In order to address such a wide variety, the present research employs an equally plural methodological instrument – the ‘genetic criticism’ – known to be effective in unveiling the creative genesis of a work of art, instead of simply evaluating the final performance. Nevertheless, once the ‘genetic criticism’ grantedly focus on a merely aesthetic referential and considering that no work of art operates in a social vaccum, this research also proposes a deeper look over the social roots of the artists and their work, in order to understand their aesthetic choices. In a nutshell, if we consider the final performance to be the ‘condensation point’ of a creative experience, this last one is the epitome of multiple social experiences lived by each and every artist involved in the creative process. The applied methodological instruments are: interviews; field diaries; document analysis; analyses of performances and reviews, among others.
KEYWORDS: Creative process: genetic criticism: devised theatre.
GUIMARAES, Natalia.pdf
Comunicação - A postura multidisciplinar dos artistas no processo de composição da cena intermedial
SOLDERA, Natalia. A postura multidisciplinar dos artistas no processo de composição da cena intermedial. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Mestranda; Orientadora Marta Isaacsson. Bolsista CAPES. Encenadora.
Durante a pesquisa de mestrado intitulada O processo de composição da cena intermedial: as tecnologias digitais e a dimensão real do fenômeno cênico, foram realizadas duas investigações práticas consideradas neste recorte, o Laboratório Experimental de Teatro I, estágio docente da mestranda e o Experimento Cênico I - dispositivo timeline. A criação de uma cena intermedial exige a presença criativa de todos os trabalhos que constituem o fazer teatral, dos artistas (atores e encenador), técnicos e espectadores. Estes trabalhos podem ser exercidos por diferentes artistas, cada um agindo em suas competências específicas, ou por diferentes artistas multidisciplinares, todos exercendo todas as funções. O que se entende neste trabalho por postura multidisciplinar é o engajamento do artista em todas as funções que constituem a criação intermedial cênica. A produção deste espaço de criação, no qual os artistas podem transitar de forma fluída por todas as funções que compõem a cena, pretende, além de valorizar as diferentes inteligências criativas que cercam o processo, permitir a desalienação dos artistas em relação às funções que não são de seu domínio principal.
PALAVRAS-CHAVE: Intermedialidade; artista multidisciplinar; processo de criação cênica.
Pendant la recherche de maîtrise intitulée O processo de composição da cena intermedial: as tecnologias digitais e a dimensão real do fenômeno cênico, deux pratiques empiriques, examinées dans cette sélection, ont été réalisées, Le Laboratoire Expérimental de Théâtre I, comme stage de formation de l'étudiante de deuxième cycle, et l'expérience scénique I - dispositif de timeline. La création d'une scène intermédial nécessite la présence créatrice de tous les travaux qui font le théâtre, les artistes (acteurs et metteur en scène), les techniciéns et les spectateurs. Ces travaux peuvent être exercées par des différents artistes, chacun agissant sur leurs compétences spécifiques, ou différents artistes multidisciplinaires, tous exercent toutes les fonctions. Qu'entend-on par une posture multidisciplinaire dans ce travail est l'engagement de l'artiste dans toutes les fonctions qui constituent la création intermédial scénique. La production de cet espace de création, dans lequel les artistes peuvent se déplacer de manière fluide par toutes les fonctions qui composent la scène, vise, à valoriser les différentes intelligences créatrices du processus intermédial et permettre la “non-aliénation” des artistes, sur les fonctions qui ne sont pas de leur domaine principal.
MOTS-CLÉS: Intermedialité; artiste multidisciplinaire; processus de création scenique.
SOLDERA Natalia.pdf
Comunicaçao - SIN NOMBRE AUN, RESIDÊNCIA ARTÍSTICA SOBRE A MULHER NETA DE ARABES NA ARGENTINA.
DIP, NERINA RAQUEL. SIN NOMBRE AUN, RESIDÊNCIA ARTÍSTICA SOBRE A MULHER NETA DE ARABES NA ARGENTINA. TUCUMAN, ARGENTINA: IBERESCENA UFMG UNT. EBA UFMG DOUTORANDA FERNANDO MENCARELLI.
A coletividade árabe no norte da Argentina é numerosa e fez uma grande contribuição a cultura regional desse pais. Essa contribuição manifesta-se em vários campos culturais, mais no teatro e na performance ainda não foi estudada nem analisada em profundidade. Atualmente a terceira geração é a mais atuante. Esses netos e netas já superaram o tempo do desarraigo que padeceram seus ancestres, mas ainda possuem um nível de pertença a cultura de seus avôs. A performance constitui a linguagem escolhida por uma neta de sírios para recuperar a memoria biográfica. Essa memoria, no contexto é individual e social ao mesmo tempo. Este trabalho faz uma análise desse processo que foi realizado na forma de Residência Artística entre a performer mexicana Violeta Luna e a autora deste trabalho. Essa Residência foi realizada em três fases: a escritura da memoria, o encontro das mulheres e a criação dos materiais. Este trabalho aprofunda o estudo da primeira e segunda fase, fazendo uma análise dos cadernos da neta e dos depoimentos da performer Violeta Luna na segunda fase. Depois de identificar os passos procura se estabelecer o modo em que as imagens pessoais são transformadas em ações e imagens na cena.
PALAVRAS-CHAVE: MEMORIA: MULHER: PERFOMANCE: CULTURA: ORIGEM
La colectividad árabe del norte de Argentina es numerosa y realizo una gran contribución a la cultura regional de ese país. Esa contribución se manifiesta en varios campos culturales, pero en el teatro y en la perfomance todavía no fue estudiada ni analizada en profundidad. Actualmente la tercera generación es la más activa. Esos nietos y nietas ya superaron el tempo del desarraigo que padecieron sus ancestros, pero todavía poseen un nivel de pertenencia a la cultura de sus abuelos. La perfomance constituye el lenguaje elegido por una nieta de sirios para recuperar la memoria biográfica. Esa memoria, en ese contexto es individual y social al mismo tempo. Este trabajo realiza un análisis de ese proceso que fue realizado bajo la forma de Residencia Artística entre la performer mexicana Violeta Luna y la autora de este trabajo. Esa residencia fue realizada en tres fases: la escritura de la memoria, el encuentro de las mujeres y la creación de los materiales. Este trabajo profundiza el estudio de la primera y la segunda fase, realizando un análisis de los cuadernos de las nietas y de las declaraciones de la performer Violeta Luna en la segunda fase. Después de identificar los pasos del proceso creativo, se estudia la manera en que las imágenes personales se transformaron en acciones e imágenes en la escena.
PALAVRAS CLAVES: MEMORIA: MUJER: PERFOMANCE: CULTURA: ORIGEN
Comunicação - A dança do corpo existencial: o Método BPI (Bailarino-Pesquisador-Intérprete) e o desenvolvimento da identidade corporal do artista da cena.
ALLEONI, N. V. A dança do corpo existencial: o Método BPI (Bailarino-Pesquisador-Intérprete) e o desenvolvimento da identidade corporal do artista da cena. Campinas: UNICAMP; Doutorado; Prof.ª Dr.ª Graziela Estela Fonseca Rodrigues. Bailarina, Pesquisadora e Educadora Artística.
RESUMO A pesquisa em questão tem como objetivo principal a compreensão do desenvolvimento da identidade corporal do bailarino a partir do método Bailarino-Pesquisador-Intérprete (BPI), da Prof.ª Dr.ª Graziela Estela Fonseca Rodrigues (criadora do método e orientadora do projeto). Esse método propõe abrir mão, corajosamente, de idealismos para que se defronte com a realidade e com o mundo que se faz parte. Tem como objetivo percorrer um Brasil dos esquecidos e estudar este solo fértil de criatividade humana como propõe este método. Assim, trata-se de uma pesquisa que busca desobstruir a memória e ativar as lembranças pessoais e coletivas, reestabelecendo uma relação com o outro de forma integral para então, em seguida, incorporar em si uma imagem-chave capaz de possibilitar ao intérprete a abertura de seu processo criativo na sua melhor performance. Para tal, pretende-se abandonar o corpo idealizado, fruto de uma perspectiva e formação narcísica, para encontrar e assumir um corpo próprio. Para a realização de pesquisa, faz-se necessária uma profunda imersão e compreensão corporal do método e consequente análise sensível do processo. Desta maneira, a vivências dos três eixos norteadores – Inventário do Corpo, Co-Habitar com a Fonte e Estruturação da Personagem – e das diversas ferramentas do método - técnica do sensível, dojo, registros do processo, laboratórios dirigidos, pesquisa de campo entre outros, fazem-se necessárias para que possa ocorrer o desenvolvimento expressivo da artista-pesquisadora. Palavras-Chave: Método BPI; Dança; Identidade Corporal; Imagem Corporal.
This research objectifies to comprehend the development of the dancer body identity using the BPI method – Bailarino-Pesquisador-Intérprete (Dancer-Researcher-Interpreter) of the Prof. Dr. Graziela Estela Fonseca Rodrigues, who orientates this project. The method propose to bravely give up idealisms in order to face reality and the world we are part of. It aims to course “a Brazil of the forgotten” and to study the creativity the country has. Thus, the research wants to unblock the memory and stimulates personal and collective remembrance, so it’s possible to reestablish the relationship with others in an integrate way and then incorporate a special image that enables the gap for the creative process in its best performance. The intention is to abandon the idea of a perfect body that comes from a narcissistic perspective, to discover and assume an own body. To make the research possible it’s necessary a deep body immersion and the total comprehension of the method beyond a sensitive analysis of the process. Having said that, experiencing the three guidelines – body’s repertoire, co-existing with its source and the structuring of its character – and the many tools of the method – sensitive’s technique, process recording, guided creation process, field research among others –, is necessary to make possible the expressive development of theresearcher artist.
Keywords: BPI Method; dance; Body identity; Body Image.
ALLEONI N V.pdf
Comunicação - A percepção do sistema Coordenação Motora como dispositivo para a criação em artes presenciais (2)
BIANCHI, Paloma. A percepção do sistema Coordenação Motora como dispositivo para a criação em artes presenciais. Florianópolis: UDESC. Universidade do Estado de Santa Catarina; Mestrado; Sandra Meyer Nunes.
Os estudos sobre percepção têm ocupado um lugar de destaque nos processos de pesquisa dos artista do corpo. Ainda assim, tem ela sido pouco investigada dentro da concepção da Coordenação Motora das fisioterapeutas Marie-Madeleine Béziers e Suzanne Piret (1992). Essa comunicação apresenta algumas características desse estudo, procurando aprofundar o entendimento sobre a motricidade que essas pesquisadoras apresentam, e suas possíveis consequências na questão da percepção em um processo criativo. A fim de adensar tal perspectiva, propõe-se um diálogo com os conceitos de percepção e de habilidade desenvolvidos pelo filósofo Alva Noë (2004; 2012), para quem a percepção consiste em uma atividade hábil, que se apoia na compreensão do sistema sensóriomotor e requer o empenho da pessoa em sua relação com o mundo. Esta comunicação também disserta sobre as experimentações do coletivo de pesquisa e criação em artes presencias Mapas e Hipertextos, no qual a Coordenação Motora está inserida tanto como treinamento quanto em suas práticas criativas.
PALAVRAS-CHAVE: Percepção : Coordenação Motora : Processo Criativo
The perception studies have been occupying a prominent place in the performers’ research process. However, the conception of perception in Béziers and Piret’s (1992) Motor Coordination study has been poorly investigated. This communication presents some characteristics of this study, seeking to deepen the understanding about motricity that these researchers present, and its possible consequences on the issue of perception in a creative process. In order to build up this perspective,a dialogue is proposed with the concepts of perception and skill developed by the philosopher Alva Noë (2004; 2012), to whom perception consists in a skilled activity, which is based on the sensorimotor understanding and requires the commitment of oneself in relation with the world. This paper also talks about the collective of research e creation in performing arts called Mapas e Hipertextos, in which the Motor Coordination is embedded as both training and in its creative practices. KEY-WORDS: perception : Motor Coordination : creative process
Comunicação - O trabalho contínuo de composição da personagem
SALLAS, Paula R. R. O trabalho contínuo de composição da personagem. Brasília:UnB. Universidade de Brasília; Mestranda do Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas; orientada por Rita de Cássia de Almeida Castro.
Este trabalho propõe o estudo da personagem que é desenvolvida e apresentada continuamente no repertório de alguns atores. O trabalho de composição contínua da personagem se assemelharia ao oficio dos atores da Commedia Dell´Arte, que trabalhavam com o mesmo personagem-tipo ao longo de sua carreira. Este espaço que se dá para o trabalho contínuo propõe uma verticalização, fluências das próprias ações e uma troca mais integrada com estímulos provindo das trocas entre o ator e os espectadores. Resulta num transbordamento de suas ações em cena, transformando seu corpo e sua obra. Neste artigo, proponho uma discussão inicial sobre o trabalho contínuo de composição da personagem, tendo como ponto de partida os trabalhos da atriz Ana Cristina Colla nas personagens desenvolvidas no espetáculo Café com Queijo; Luiz Carlos Vasconcelos, com o palhaço Xuxu; e o trabalho de 7 anos da autora com palhaça Xicaxaxim.
PALAVRAS-CHAVE: personagem; ator; repertório.
This work aims to study a character which is continuously presented and developed in some actor's repertory. The character's continuous composition work would resemble to Commedia Dell'Arte actor's craft, which worked with the same type along his career. This given continuous work space suggests verticalization, fluency of the own's actions and a more integrated exchange with an actor and audience exchanging incentive. This results an overflow of his scene's actions, making a body and work transformation. This article proposes an early discussion about the character's composition continuous work using as bottom line the works of Ana Cristina Colla on her Café com Queijo spectacle developed character; Luiz Carlos Vasconcelos with Xuxu clown; and my 7 years work as Xicaxaxim clown. KEYWORDS: Character; actor; repertoire; repertory.
SALLAS, Paula R. R.pdf
A performatividade como elemento desterritorializador na encenação contemporânea
MAFFEI, Paulo. (Paulo Ricardo Maffei de Araujo). A performatividade como elemento desterritorializador na encenação contemporânea. Ouro Preto: UFOP. Instituto de Filosofia, Arte e Cultura; Mestrado em Artes Cênicas; Elvina Maria Caetano Pereira. CAPES; Bolsa de Mestrado. Encenador e Performer.
Este artigo busca evidenciar uma possível cartografia acerca do conceito de encenação como um território já consolidado pela tradição teatral e suas linhas de fuga – pensadas aqui como desterritorializações – causadas pela presença da performatividade. Nossa proposta é a de investigar as relações estabelecidas entre teatro e performance na encenação contemporânea sob a luz do operador conceitual “teatro performativo” defendido pela pesquisadora Josette Féral, analisando a performatividade como um elemento desterritorializador na encenação contemporânea. Trata-se de articular este conceito de leitura do teatro contemporâneo apresentado por Féral juntamente com os conceitos de “agenciamento” e de “território, desterritorialização e reterritorialização”, apresentado por Gilles Deleuze e Félix Guattari, a fim de se enfatizar a presença de novas formas de apresentação do “enunciado cênico” e de outras vias de comunicação na encenação contemporânea assim como o esfumaçamento de suas fronteiras com outras linguagens artísticas, a partir da estreita relação que o teatro vem estabelecendo com a performatividade.
PALAVRAS-CHAVE: Encenação: Performatividade: Teatralidade: Contemporaneidade
This article aims to demonstrate a possible staging concept mapping as a territory already consolidated by the theatrical tradition and its escape lines - deterritorializations - caused by the presence of performativity. Our proposal is to investigate the relationship between theater and performance in contemporary staging in the light of the conceptual operator "performative theater" advocated by researcher Josette Feral, analyzing performativity as a deterritorializor element in the contemporary staging. We seek to use this concept of reading contemporary theater presented by Feral, along with the concepts of "agenciament" and "territory, deterritorialization and reterritorialization," presented by Gilles Deleuze and Félix Guattari, in order to emphasize the presence of new conceptions of "discourse scenic "and other media in contemporary staging, and the blurring its borders with other artistic languages, from the close relationship that the theater has established with performativity.
KEYWORDS: staging: performativity: theatricality: contemporaneity.
MAFFEI Paulo.pdf
Comunicação - O Andamento-Ritmo no Trabalho Pré-Expressivo do Grupo Cerco: coletividade e communitas.
PHILIPPSEN, Philipe. O Andamento-Ritmo no Trabalho Pré-Expressivo do Grupo Cerco: coletividade e communitas. Porto Alegre: PPGAC - UFRGS; Mestrando; Inês Alcaraz Marocco. Ator e músico.
Este artigo propõe uma reflexão sobre o aspecto rítmico dos exercícios utilizados pelo Grupo Cerco de teatro no seu trabalho pré-expressivo, especialmente sobre o papel interpessoal desta ritmicidade. Essa reflexão faz parte da pesquisa de mestrado “O Andamento-Ritmo no Trabalho Pré-Expressivo do Grupo Cerco”. Neste segmento da pesquisa, o ritmo como fator socializante, criador de vínculos entre o grupo durante o treinamento é visto através de uma perspectiva antropológica e neurológica. O aspecto coletivo, convivial do ritmo musical ou cinestético presente nos rituais e os processos cerebrais ligadas a ele (LEVITIN) são identificados como um dos fatores que acarretam acommunitas (TURNER) no fenômeno liminar, que é o processo criativo de um trabalho coletivo.
PALAVRAS-CHAVE: ritmo: pré-expressividade: grupo: treinamento do ator: communitas.
ABSTRACT This article aims at reflecting about the rhythmic aspects of the exercises used by the theater group Grupo Cerco in its pre-expressive work, particularly about the interpersonal aspect of this rhythmicity. This reflection is part of the master’s research “Tempo-Rhythm in the Pre-Expressive Work of Grupo Cerco”. In this part of the research, rhythm as a socializing factor, creator of bonds among the group during the training is seen through an anthropological and neurological perspective. The collective and convivial aspect of musical or kinesthetic rhythm present in rituals and the cerebral functions related to it (LEVITIN) are identified as one of the factors bringing about the communitas (TURNER) in the liminal phenomenon, which is the creative process in collective work.
KEYWORDS: rhythm: pre-expressivity: group: actor’s training: communitas.
Comunicação - ESPETÁCULO ....: PRÍNCIPIOS E PROCEDIMENTOS DE DIREÇÃO
LEITE, Rafael. [ESPETÁCULO ....: PRÍNCIPIOS E PROCEDIMENTOS DE DIREÇÃO]. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia – UFU, Instituto de Artes, Programa de Pós-graduação em Artes, Mestrado. Professor orientador: Narciso Larangeira Telles da Silva. Encenador.FAPEMIG.
A presente comunicação tem como objetivo expor a pesquisa em andamento sobre o processo de encenação em um espaço não convencional a partir das técnicas dos viewpoints, partindo do processo colaborativo, como procedimento de encenação. Neste caso o que me move, o que me deixa curioso é como o processo em si vai se desenvolvendo desde a escolha do tema, a seleção do elenco, preparação, ensaios e, finalmente, a montagem da obra. Nosso objeto de análise é a peça TABUS? e seu processo de criação. A encenação ou direção é o foco principal desta pesquisa onde o olhar do diretor/pesquisador se fez presente durante o desenvolvimento prático da pesquisa. Com o processo colaborativo esse diretor pode ser ,de fato, um suporte para a obra teatral a fim de deixar os atores trabalharem com total liberdade? O que um olhar de um pesquisador participante como diretor pode trazer para obra?E este papel, o de encenador, é bem empregado dentro do teatro? O uso da técnica dos viewponts favoreceu o desempenho dos atores e da direção dentro do espaço não convencional durante as marcações de cena, principalmente por ser uma linguagem clara que todos participantes compreenderam e aceitaram.
Palavras-chaves: encenação, processo colaborativo, viewpoints.
Esta Comunicación tiene por objeto exponer a la investigación en curso sobre el proceso de la puesta en escena de un espacio no convencional desde la técnica de lós viewpoints, con base en el proceso de colaboración como un procedimiento de puesta en escena. En este caso lo que me mueve, lo que me hace curioso es cómo el propio proceso se desarrollará a partir de la elección del tema, la selección del reparto, preparación, control, y finalmente el montaje de la obra. Nuestro objeto de análisis es la obra ¿Tabus y su proceso de creación. La puesta en escena y la dirección es el foco principal de la investigación, donde estuvo presente el ojo del director / investigador durante el desarrollo de la investigación práctica. ¿Como el proceso de colaboración que funcionario puede ser en realidad un apoyo al trabajo de teatro con el fin de permitir que los actores trabajan con total libertad?¿ Lo que una mirada de un investigador participante como un director puede traer al trabajo?¿ Y este rol, como director, es bien utilizado en el interior del teatro? El uso de la técnica de viewponts favoreció el desempeño de los actores y la dirección en el espacio no convencional durante la escena de las marcas, sobre todo porque es un lenguaje claro que todos los participantes entienden y aceptan.
Palabras clave: Dirección, proceso de colaboración, espacios, viewpoints
Comunicação - O corpo-em-vida do ator no teatro de animação: uma investigação sobre hibridismo em títeres corporales
MÜTZENBERG, Raquel. O corpo-em-vida do ator no teatro de animação: uma investigação sobre hibridismo em títeres corporales. Cuiabá: Universidade Federal de Mato Grosso; Mestrado em Estudos de Cultura Contemporânea; orientadora: Maria Thereza de Oliveira Azevedo. Atriz e bonequeira.
O presente trabalho busca compreender a poética do ator-criador em uma faceta específica da arte de teatro com bonecos: os títeres corporais, técnica em que o ator é manipulador de um boneco composto pelo seu próprio corpo. A partir de uma vivência com o ator argentino Roberto White, sua poética é registrada em um diário de trabalho com atores para decodificar o corpo e seus movimentos, buscando colecionar possibilidades para a criação de outro ser – o títere corporal. Por meio da observação participativa, são analisadas as instâncias em que o ator-criador se relaciona com seu corpo. Tal vivência subsidia a hipótese de que no treinamento do ator que desenvolve esse tipo de boneco há o objetivo de atingir um corpo-em-arte, tomando esse corpo como multiplicidade que abrange todos os outros corpos, ações, comportamentos e zonas possíveis de contato e afecções. Resultam desta técnica personagens compostos principalmente por partes do corpo humano e alguns elementos plásticos, e o domínio dessa técnica requer um treinamento para a manipulação do seu próprio corpo utilizando técnicas que se aproximam do ilusionismo, como a prestidigitação.
Palavras-chave: bonecos híbridos; teatro de animação; corpo-em-arte; títeres corporais.
This paper seeks to understand the poetics of the actor-creator on a specific facet of the art of theater with puppets: the títeres corporales, technique in which the actor manipulates a puppet that is composed by its own body. From an experience with argentine actor Robert White, his poetry was recorded in a logbook with actors to decode the body and its movements, seeking to collect possibilities for the creation of a hybrid puppet. Through participant observation, we analyze the instances in which the actor-creator works his own body. This experience underpins the hypothesis that training the actor to develop this type of puppet requires achieving a body-on-art, taking this body as multiplicity that includes all other bodies, actions, behaviors and possible zones of contact and disorders. The result of this technique are characters composed mostly of human body parts and some plastic parts, and handling these puppets that requires training for manipulating of their own body using techniques that approach the illusionism.
Keywords: hybrid puppets; Puppet Theater; body-in-art; títeres corporales.
MUTZENBERG Raquel.pdf
Comunicação - Expressão Política no Corpo-Coletivo Mapas e Hipertextos
PURPER, Raquel. Expressão Política no Corpo-Coletivo Mapas e Hipertextos. Florianópolis: Universidade Estadual de Santa Catarina. Udesc; Doutorado em Teatro; Orientador Edélcio Mostaço; Bolsa Capes.
A reflexão proposta por essa comunicação refere-se à experiência compartilhada no Coletivo de pesquisa Mapas e Hipertextos, formado por artistas-pesquisadores de diferenças formações artísticas. O Coletivo desenvolve pesquisas em relação a corpo, poética, ética, estética, espaços alternativos, política, presença/ausência, tecnologia. O objetivo principal é fazer com que a questão de pesquisa de cada participante seja contemplada na pesquisa geral do grupo fazendo com que, assim, cada integrante possa se sentir motivado e engajado. A questão de pesquisa abordada nessa comunicação refere-se a um entendimento de política atravessado pelas noções de subjetividade, encontro e comum e em como a relação entre estes conceitos estão se tornando visíveis nos encontros do Coletivo, mais especificamente nas experiências dos processos de criação artísticos.
Palavras-chave: comum; corpo; política; subjetividade
The reflection proposed by this communication refers to the shared experience in Collective Maps and Hypertext, formed by artist-researchers from different artistic backgrounds. The Collective conducts research in relation to body, poetics, ethics, aesthetics, alternative spaces, politics, presence/absence, technology. The main objective is to make the research question of each participant is contemplated in the general research group making, so each member can feel motivated and engaged. The research question addressed in this communication refers to an understanding of policy traversed by notions of subjectivity, meeting and common and how the relationships betwenn these concepts are becoming visible in the meetings of the Collective, more specifically on the experience of the artistic processes creation.
Keywords: body; common; policy; subjectivity
PURPER, Raquel.pdf
Comunicação - A escritura cênica criada por meio do jogo das máscaras"
KAMLA, Renata Ferreira. A escritura cênica criada por meio do jogo das máscaras. São Paulo: Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo; doutorado; orientador Armando Sérgio da Silva. Diretora, encenadora, professora de teatro e doutoranda em Artes.
O presente trabalho tem o intuito de refletir possibilidades de sistematização de procedimentos artísticos-pedagógicos para desenvolvimento de uma metodologia de criação dramatúrgica, por meio das conexões possíveis entre máscara, jogo e performance. Tendo como norteadores bibliográficos as ideias expandidas de máscara desenvolvidas na dissertação de mestrado “Um olhar por meio de.” – Máscaras, uma possibilidade pedagógica de Renata Kamla; do jogo teatral e dramático de Viola Spolin e Jean Pierre Ryngaert; da performance segundo Renato Cohen, Richard Schechner e Josette Féral; estuda-se detalhada e processualmente cada um desses elementos inter-relacionando-os, na tentativa de gerar dramaturgia, que serão devidamente registradas e novamente colocadas em jogo em novas improvisações, para que se chegue à definição da escrita cênica. Com a colaboração de um grupo de atores para a verificação prática, objetiva-se a realização de um espetáculo resultante dos procedimentos e sistematizações criadas, contribuindo, assim, para a pedagogia do teatro, ampliando o repertório de possibilidades criativas aos profissionais que trabalham nesta área.
Palavras-chave: jogo; máscara; performance; dramaturgia.
The present work aims to reflect opportunities for systematization of artistic-pedagogical procedures for developing a methodology of dramaturgical creation, through the possible connections between mask and game performance. Guiding ideas as bibliographic expanded mask developed in master thesis "A look through." – masks, a possibility pedagogical of Renata Kamla; theatrical and dramatic game of Viola Spolin and Jean Pierre Ryngaert; the performance according to Renato Cohen, Richard Schechner and Josette Féral; study is detailed and procedurally each of these elements interrelating up in an attempt to generate drama, which will be properly recorded and again placed at stake in new improvisations, for the definition of scenic writing. With the collaboration of a group of actors for practical verification, objective is the realization of a resulting spectacle of the procedures and created systematizations, thus contributing to the teaching pedagogy of theater, expanding the repertoire of creative possibilities for professionals working in this area.
Keywords: game; mask; performance; dramaturgy.
Comunicação - Aprendizado Intercultural do Jongo
MEIRA, Renata Bittencourt. Aprendizado intercultural do Jongo. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia. Universidade Federal de Uberlândia; docente efetivo.
O trabalho apresenta um processo de (re)criação e aprendizado do Jongo desenvolvido em uma pesquisa acadêmica e prática com o objetivo primeiro de estabelecer um diálogo em dança com dançadores tradicionais. Um grupo de pesquisa em dança da Universidade Federal de Uberlândia reuniu em sua prática fragmentos do Jongo recolhidos no contato com educadores e portadores de tradições populares, por meios de comunicação em rede, em criações artísticas e em produtos da indústria cultural. Os fragmentos indicaram modos de dançar e o grupo aprendeu ao mesmo tempo em que (re)criou o Jongo com a metodologia da bricolagem em processos de apropriação e ressignificação. O resultado foi uma dança própria que guarda semelhanças com o Jongo tradicional do Rio de Janeiro. A legitimação desta dança (re)criada foi reconhecida por integrantes do Jongo da Serrinha num encontro promovido pela universidade. As conclusões apontam para a existência de um conhecimento prático em dança entremeado na trama cultural contemporânea que pode ser acessado por meio de pesquisas interculturais.
PALAVRAS-CHAVE: dança; processo de criação; estudos interculturais; cultura popular.
The research presents a process of (re)creation and learning of the Jongo developed in an academic research and practice with the first purpose of establishing a dance dialogue with traditional dancers. A dance research group from Federal University of Uberlândia gathered Jongo fragments collected during contacts with educators, bearers of popular traditions, on the internet, on artistic creations and cultural industry. The fragments indicated ways of dancing and the group learned at the same time as (re) created the Jongo with the methodology of bricolage into processes of appropriation and redefinition. The result was a dance that has similarities with traditional Jongo of Rio de Janeiro. The legitimacy of this dance (re)created was recognized by members of Jongo da Serrinha at an academic event held at the University. The findings indicate the existence of a practical knowledge of dance at the contemporary cultural framework that can be accessed through intercultural research.
KEYWORDS: dance; creative process; intercultural studies, popular culture.
Comunicação- Teatro Dominicano Contemporâneo
BODDEN, Hamlet. (Reynoso Bodden, Hamlet). Teatro Dominicano Contemporâneo. Porto Alegre. Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas; mestrado em andamento; orientador: João Pedro Alcântara Gil. (Ator, dramaturgo e encenador).
A pesquisa constitui o estudo de algumas das debilidades e acertos, estratégias e percursos utilizados nos processos de composição e montagem de 5 criadores contemporâneos da República Dominicana das áreas da dança, o teatro e a performance, com o proposito de iluminar as condições em que é construído o texto performativo das suas propostas cênicas. A tais fins é entendido o termo contemporâneo tanto na sua acepção temporal quanto sua acepção estética, e é escolhida a República Dominicana como contexto de investigação pelas possibilidades de analise que sua realidade sociocultural oferece ao comparar os pressupostos criativos dos artistas pesquisados, que desenvolvem nele sua arte, com as premissas da algumas das teorias que tentam definir as evoluções cênicas de nossos dias, como o teatro pós-dramático de Hans-ThiesLehmann, o teatro performativo da Jossette Féral, e o teatro no campo expandido de José Antonio Sánchez, entre outras. A entrevista, depoimentos feitos por cada artista, assim como o visionado e a desmontagem duma de suas criações, são algumas das técnicas empregadas para descrever suas possíveis caraterísticas comuns e tentar iluminar outros caminhos percorridos por o teatro atual.
PALAVRAS-CHAVE: Processos criativos: Teatro pôs-dramático: Texto performativo: Artes cênicas dominicanas.
La investigación se constituye del estudio de algunas de las debilidades y aciertos, estrategias y recursos utilizados en los procesos de composición y montaje de 5 creadores contemporáneos de la República Dominicana de las áreas de la danza, el teatro y la performance, con el propósito de iluminar las condiciones en que es construido el texto performativo de sus propuestas escénicas. A tales fines, el término contemporâneo es entendido tanto en su acepción temporal como estética, y se escoge la República Dominicana como contexto de investigación por las posibilidades de análisis que su realidad sociocultural oferta al compararse los presupuestos creativos de los artistas investigados, que en el desarrollan su arte, con las premisas de algunas de las teorías que intentan definir las evoluciones escénicas de nuestros días, como el teatro post-dramático de Hans-ThiesLehmann, el teatro performativo de la Jossette Féral, y el teatro en el campo expandido de José Antonio Sánchez, entre otras. La entrevista, testimonios hechos por cada artista, así como el visionado y desmontagem de una de sus creaciones, son algunas de las técnicas empleadas para describir sus posibles caraterísticas comunes, y a través de ellas intentar iluminar otros caminos recorridos por el teatro actual.
PALABRAS LLAVE: Procesos creativos: Teatro post-dramático: Texto performativo: Artes escénicas dominicanas.
Comunicação - Pensar a semiótica teatral na leitura da atmosfera cênica.
CARVALHO, Robison Breno Oliveira. Pensar a semiótica teatral na leitura da atmosfera cênica. Ouro Preto: UFOP.Instituto de Filosofia Artes e Cultura. PPGAC UFOP; Mestrando em Teatro; Orientador: Rogério Santos Oliveira. Diretor e ator.
O objetivo deste artigo é realizar uma breve revisão sobre os procedimentos de leitura da escritura cênica no que diz respeito à construção de seus signos. Buscando aqui subsídios que reforcem a proposta de estudar a conformação da atmosfera cênica no processo da criação da cena, observados no trabalho do diretor. Pensando especificamente aqui na lógica estruturada pela semiótica de como se configuram as suas relações entre signo-significado–significante, porém tratando de signos que são compostos de uma carga semântica relativa exclusivamente ao fazer teatral. Embasado por teóricos como: Kowzan, Fischer-Lichte, Pavis, De Toro e outros, que já esmiuçaram sobre este estudo e que apontarão caminhos acerca da semiótica teatral e auxiliará no percurso da pesquisa.
PALAVRAS-CHAVE: semiótica; atmosfera; direção; processo;
The objective of this article is a brief review about of the proceedings for the reading of Performing scripture in respect of the scenic atmosphere construction. Seek subsidies to strengthen the proposal to study the scenic atmosphere conformation in the process of scenic creating, about the work of director. Thinking here the logic specifically structured semiotics of how to configure the relation: sign-signifier-signified, but addressing signs that are composed of a semantic charge exclusively on theatrical creation. Supported by theorists such as: Kowzan, Fischer-Lichte, Pavis, De Toro and others that much already done on this study and that will point some ways about Semiotics Theater and will help us.
KEY WORDS: semiotic; atmosphere; direction; process
CARVALHO Robison Breno Oliveira.pdf
Comunicação - A Voz e o Campo de Visão
CASTRO, Rodrigo. A voz e o Campo de Visão. Campinas: UNICAMP. UNICAMP; doutorado em Artes da Cena; Marcelo Ramos Lazzaratto.
Esta pesquisa teve como foco estudar as vocalidades dos atores no jogo improvisacional desenvolvido pelo prof. Dr. Marcelo Lazzaratto chamado Campo de Visão, que possui apenas uma única regra em sua dinâmica: seguir qualquer movimento que entre no campo de visão do ator.
Sendo o Campo de Visão um jogo muito simples e amplo, múltiplos aspectos que compõem a voz do ator em ficção foram aprofundados, entre eles: o silêncio, a respiração, o espaço e sua acústica, a palavra, entre outros. Alguns aspectos técnicos da emissão vocal também foram estudados no jogo: articulação, dicção, caixas de ressonância, timbre, registro e ritmo, sempre integrados à criação poética do intérprete.
Além disso, para a verticalização da investigação, reuniu-se um grupo de atores de diversas formações que, durante seis meses em encontros semanais, pesquisou algumas especificidades da voz no Campo de Visão, o que acabou sugerindo a maior parte dos conceitos que aqui foram estruturados.
Palavras-Chave: Expressão vocal; Técnica vocal; Audição; Improvisação
This research focuses on studying the actors voice in the improvisational game developed by PhD. Marcelo Lazzaratto called Field of Vision, which has only one rule in its dynamics: follow any movement that appears on the field of vision of the actor.
As the Field of Vision is a very simple and vast game, many aspects that make up the voice of the actor in fiction was deepened during the research, being: the silence, breathing, the space and its acoustics, the word, among others. Some technical aspects of vocal production were also studied in the game: articulation, diction, resonance, timbre, register and rhythm, for example, always integrated to the interpreter poetics.
In addition, to further the investigation, there was a group of actors from different backgrounds, which, during six months in weekly encounters, researched some specific voice aspects in the Field of Vision, which was responsible for most of the concepts here structured.
Key-words: Vocal expression; Vocal technique; Listening; Improvisation
CASTRO Rodrigo.pdf
Comunicação - A canção alemã como ferramenta didática para o desenvolvimento da musicalidade do movimento
OLIVEIRA, Rogério R. A canção alemã como ferramenta didática para o desenvolvimento da musicalidade do movimento. Brasília: UnB. Instituto Federal de Brasília; Professor da Licenciatura em Dança do IFB. Professor de Música para Dançarinos.
Partindo-se dos pressupostos teóricos de Jacques Dalcroze, para quem, por meio da escuta atenta, os elementos e as formas musicais podem ser traduzidas para o gesto corporal, buscou-se verificar a eficácia do uso do Lied, gênero musical erudito exemplar onde se cultua, em larga medida, o fraseado expressivo, como recurso didático para a construção de matizes no acabamento de movimentos eloqüentes e melífluos. O experimento constituiu-se da análise de três canções alemãs e da técnica da improvisação estruturada a partir da audição dessas obras. Constatou-se que os efeitos de fluência apurada no gestual, suscitados pelo poder sugestivo, tanto musical como imagético, das peças usadas nesse laboratório, concorreram, de modo significativo, para a manifestação do que se poderia considerar como a afluência da musicalidade em torno da movimentação corporal.
PALAVRAS-CHAVE: Lied, movimento, fraseado, expressividade
Starting from the theoretical assumptions of Jacques Dalcroze, to whom, through attentive listening, the elements and musical forms can be translated into the body gesture, it was sought to verify the efficacy of the Lied, model classical music genre where expressive phrasing is largely cultivated, as a teaching resource for the construction of nuances in the accomplishment of mellifluous and eloquent moves. The experiment consisted in the analysis of three German songs and the technique of structured improvisation by listening these works. It was found that the effects of the refined fluency in the gesture, raised by the suggestive power, both musical and imagetic, of the pieces used in this laboratory, contributed, in a significant way, to the manifestation of what could be considered the influx of musicianship around the body movement.
KEY-WORDS: Lied, movement, phrasing, expressiveness
OLIVEIRA, Rogerio R.pdf
Comunicação: O “fluxo de Ação”
OLIVEIRA, Rogério Santos. O “fluxo de Ação” . Ouro Preto: Universidade Federal de Ouro Preto. Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas do Instituto de Filosofia, Arte e Cultura da Universidade Federal de Ouro Preto. Professor Adjunto III.
Este texto relata os resultados obtidos durante um projeto de pesquisa realizado sob nossa orientação: o projeto em questão buscou compreender como se manifesta o que chamamos de “fluxo de ação” a partir de uma pesquisa pratica durante o processo de construção de uma cena teatral, que teve como centro de análise e investigação a função do referido “fluxo de ação” na elaboração dos sentidos da cena teatral, que se constrõem nas relações estabelecidas com outros elementos cênicos durante o processo criativo de um objeto cênico.
PALAVRAS CHAVE: Teatro: Fluxo de ação: Cena Teatral.
RESUMÉN
Ese texto habla sobre los resultados durante un proyecto de investigación hecho sob nuestra orientación: el proyecto en cuestión ha buscado compreender como se manifiesta lo que llamamos de “fluxo de ação” a partir de una investigación practica durante el proceso de construcción de una escena teatral, que tuve como centro de analisis y investigación la función del referido “fluxo de ação” en la elaboración de los sentidos de la escena teatral, que se construye en las relaciones establecidas con los otros elementos de la escena durante el processo creativo de uno objeto escenico.
PALABRAS LLAVE: Teatro: Fluxo de ação: Escena Teatral.
OLIVEIRA, Rogerio Santos.pdf
Comunicação - A potência da presença: dos percursos de um livro-objeto à vivência de uma instalação.
BITTER, Sigrid. A potência da presença: dos percursos de um livro-objeto à vivência de uma instalação. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia (professora Adjunta) e Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro. Doutorado Interinstitucional UNIRIO-UFU; Doutoranda; Orientadora Nara Keiserman. Programa de Apoio à Qualificação (QUALI-UFU/2014).
O texto traz reflexões de leituras e de discussões evocadas durante a disciplina do doutorado interinstitucional (DINTER) UNIRIO-UFU de 2013: Tópicos especiais em criação e produção em artes: técnicas e poética na arte do corpo, ministrada pelos professores: Dr. Fernando Aleixo e Dra. Nara Keiserman. Houve como tarefa a criação de um livro-objeto que levasse a uma instalação. A proposta do livro-objeto estava vinculada às vivências da disciplina e ao modo como o conteúdo desta interferiria e mobilizaria questões pessoais naquele momento, que acabavam se reverberando num modo de existência. A construção da instalação se daria com o exercício da própria poética do aluno. Esses contextos de reflexões e de discussões puderam fortalecer e potencializar as vivências que já existiam, a partir de uma escuta impulsionada pela meditação. Durante o processo surgiram diversos insights, os quais acabaram sendo os condutores desse percurso. Nessa perspectiva, articulam-se também os estudos desenvolvidos por pesquisadores da área, como Luiz Fuganti, para quem o essencial não é registrar conhecimentos e sim dar sentido às próprias experiências, ou seja, é ter a presença integral do momento e do que se faz com aquilo que acontece a cada um.
PALAVRAS-CHAVE: Livro-objeto: Instalação: Subjetividades: Poetização.
The text contains reflections of readings and discussions raised during the course of the inter Ph.D. (DINTER) UNIRIO-UFU 2013: Special Topics on creation and production on arts: techniques and poetic on the art of the body, taught by professors: Dr. Fernando Aleixo and Dr. Nara Keiserman. There was the task of creating a book-object that would take to an installation. The book-object proposal was linked to the experiences of the course and to how its content would interfere and mobilize personal issues in that moment, that ended up reverberating in a mode of existence. The construction of the installation would occur with the exercise of the student's own poetic. These contexts of reflections and discussions could strengthen and enhance the experiences already bring me, from a listening driven by meditation. During the process several insights emerged, which ended up being the drivers of this route. From this perspective, are also articulated the studies developed by researchers in the field, such as Luiz Fuganti, for whom the essential thing is not knowledge recording, but giving meaning to the experiences, that is, having the full presence of the moment and of what is done with what happens to which one.
KEYWORDS: Book-object: Installation: Subjectivities: Poeticization.
Comunicação: Dramaturgia de Corpos e Espaço em Cidade Proibida
FAGUNDES, Patricia (Silvia Patricia). Dramaturgia de Corpos e Espaço em Cidade Proibida. Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul, professor adjunto. Encenadora.
O trabalho analisa os procedimentos de criação e encenação da intervenção-espetáculo Cidade Proibida (Cia Rústica - RS), desenvolvida a partir do repertorio corporal e da memória dos artistas envolvidos em uma composição afetiva com a cidade, reivindicada como lugar de convívio e experiência sensível. Entre novembro de 2013 e maio de 2014, oito intervenções foram realizadas durante a noite em parques e praças de Porto Alegre, espaços de possível convívio que tornam-se proibidos pela ameaça potencial de violência. O processo estruturou uma dramaturgia cênica aberta que incorporou a diversidade de referências e possibilidades da equipe, compondo com o tempo/espaço urbano e com o próprio público; através de metodologia investigada pela autora em seu trabalho como encenadora e docente, e na pesquisa O processo de ensaios como um mecanismo de relações.
Palavras-chave: Intervenção urbana: Encenação: Tempo/Espaço: Memória: Processos de ensaio: Processos de pesquisa.
The paper analyzes the creative and staging procedures of the show-intervention Forbidden City (Cia Rústica), developed from the body and memory repertoire of the artists involved in an affective composition with the city, claimed as a place of conviviality and sensitive experience.Between November 2013 and May 2014, eight interventions were performed during the night in parks and squares of Porto Alegre, spaces of possible interaction that become prohibited by the potential threat of violence. The process has structured an open scenic dramaturgy that incorporated the diversity of references and possibilities of the team, composing with urban time/space and the public itself;through a methodology investigated by the author in her work as a theater director and teacher, and in the research The rehearsal process as amechanism of relationships.
Key words: Urban intervention: Directing: Time/Space: Memory: Rehearsal process: Research process.
FAGUNDES, Patricia.pdf
Comunicação - Itinerante 21 Terras: orbitações artísticas.
SILVA, Soraia Maria. Itinerante 21 Terras: orbitações artísticas. Brasília: UnB. Departamento de Artes Cênicas; professora associada, bailarina, produtora e coordenadora do CDPDan.
A produção cultural na cena contemporânea tende a considerar relevante o uso pedagógico das tecnologias de informação e comunicação na qual estejam presentes vários atores sociais, por meio do intercâmbio entre participantes originários de diferentes meios culturais. A intenção desse projeto foi realizar um espetáculo interdisciplinar que contemplasse os polos Eros e Tânatos na sua produção envolvendo a dança, o videodança, as artes visuais, a música e a sua apresentação em escolas, teatros e espaços públicos urbanos.
Palavras Chave: Dança; Vídeo; Pintura; Produção.
SILVA, Soraia Maria.pdf
DEMONSTRAÇÃO - Soundpainting: lingua de sinais para composição ao vivo
OMURA, Taiyo Jean. DEMONSTRAÇÃO - Soundpainting: língua de sinais para composição ao vivo. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (UNIRIO). Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas. Orientação: Joana Ribeiro da Silva Tavares. Bolsista: Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior; nível 5.
O Soundpainting é uma língua de sinais, multidisciplinar, para composição ao vivo. Criada pelo compositor estadunidense Walter Thompson em Nova York em meados dos anos 70, possuiu atualmente (2014) mais de 1200 sinais. Inicialmente voltado para a composição em música, o Soundpainting ampliou suas fronteiras ao desenvolver sinais específicos também para dançarinos, atores, artistas visuais. Funciona basicamente assim: o soundpainter (compositor), como se fosse um maestro, dirige/conduz/compõe através de seus sinais lançados para o grupo de performers. O(s) performer(s), já iniciados na língua, vão ler os comandos do soundpainter e a partir daí iniciar a sua ação performática. Ao modo de um dj, ou melhor, de um montador cinematográfico, o soundpainter utiliza o material performado pelos performers, ao vivo, para montar a composição. Assim como um dj, o soundpainter pode utilizar materiais previamente compostos, como samplers. Trechos de músicas, coreografias, obras dramáticas e literárias, podem ser incorporados como parte de uma composição em Soundpainting. O presente trabalho faz parte de uma pesquisa experimental com o Soundpainting. Investigamos as possibilidades práticas de criação performática e composição com essa língua, bem como pautamos algumas questões teóricas. Os conceitos de improvisação e acaso são postos em questão, a partir de referências seminais da performance, como John Cage, de fato, um dos diversos professores do criador do Soundpainting Walter Thompson. A poética da sinestesia presente nas bases dessa língua também merece a atenção de nossa pesquisa. Um 'longo, imenso e racional desregramento de todos os sentidos' como aponta o poeta Rimbaud, parece ser uma chave do processo composicional do Soundpainting.
Palavras-chave: soundpainting; composição; língua de sinais; improvisação; performance.
Soundpainting is a multidisciplinary sign language for live composing. Created by Walter Thompson, an american composer, in New York on the 1970s, it has now (2014) more than 1200 signs. Inicially working just with composition in music, the Soundpainting language enlarged its frontiers by developing specific signs also for dancers, actores, visual artists. It works, basically, like this: the soundpainter (composer), similar to a maestro, directs/conducts/compose by his lauching his signs to the performers group. The performers, already familiar with the language, will read the soundpainter commands and then iniciate their performatic actions. As a dj, or even better, a cinema editor, the soundpainter uses the material performed by the performers, live, to edit the composition. Like a dj, the soundpainter can use previously composed material - samples. Parts of music, choreography, dramatic and literary text, can be used as part of a composition in Soundpainting. The present work is a experimental research with Soundpainting. We investigate the language practical possibilities with performatic creation and composition, also developing some theorical questions. The concepts of improvisation and chance are questioned, by seminal performance references like John Cage, in fact, one of Walter Thompson's (the Soundpainting creator) teachers. The synaesthetic poetic in the basis of this language also deserves our research attention. A 'long, immense and racional derangement of all senses' paraphrasing the poet Rimbaud, seems to be a precious key to understand the compositional process with Soundpainting.
Palavras-chave: soundpainting; composition; sign language; improvisation; performance.
Demonstração-"Corporeidade poética nos jogos coreográficos com a Língua Brasileira de Sinais
JOSEPH, Tatiana W. R. Corporeidade poética nos jogos coreográficos com a Língua Brasileira de Sinais. Cidade de Santa Maria. Universidade Federal de Santa Maria. UFSM; Professora Adjunta do Curso Bacharelado em Dança. Bailarina, Pesquisadora e Coreógrafa.
O trabalho, de natureza teórico-prática, orienta-se a partir de uma pesquisa corporal e visa desenvolver procedimentos para processos criativos que contam com elementos da gramática da língua brasileira de sinais. Dialoga-se com alguns princípios da análise do movimento de Laban aplicados ao estudo de um trabalho coreográfico. Do ponto de vista prático, faz-se uso dos seguintes elementos: um texto dramático em língua portuguesa; estudos da língua brasileira de sinais; materiais desenvolvidos durante o próprio processo (JOSEPH:2010); trilha sonora composta para o trabalho. Do ponto de vista teórico, identificam-se e comentam-se aspectos presentes na compreensão da corporeidade fenomenológica proposta por Merleau-Ponty, na Fenomenologia da Percepção, e suas relações com a gramática corporal da língua brasileira de sinais e correlações com O Domínio do Movimento de Rudolf Laban. A demonstração prática é entendida como produto poético que sintetiza possibilidades dos jogos coreográficos elaborados durante a pesquisa. Apresentam-se resultados de pesquisa de Desenvolvimento Científico Regional encetada em Cuiabá e microrregião entre 2011-2013, e sua evolução para a presente pesquisa “O gesto como poética do tempo: de um estudo sobre o uso e a compreensão do gesto na dança do século XX aos processos criativos com a língua brasileira de sinais”, desenvolvido na Universidade Federal de Santa Maria, com prazo de 36 a 50 meses de prazo previsto.
PALAVRAS-CHAVE: processo criativo; composição coreográfica; língua brasileira de sinais; corporeidade.
This is a research about creative processes in dance with elements of the grammar of Brazilian sign language. Some principles of Laban movement analysis are applied to the study of a choreographic work. From a practical point of view, use of the following elements: a dramatic text in Portuguese; Brazilian sign language studies; materials developed during the process itself (JOSEPH: 2010); soundtrack composed for the work. From the theoretical point of view, and comment on identified aspects present in phenomenological understanding of corporality proposed by Merleau-Ponty, Phenomenology of perception, and its relations with the body grammar of Brazilian sign language and correlations with the domain of the movement of Rudolf Laban. The practical demonstration is understood as poetic product that summarises possibilities of coreografic games.
KEY-WORDS: creative process; coreographic composicion; Brasilian sign language; corporality.
Comunicação - O treinamento no teatro e sua função no Teatro Laboratório de Jerzy Grotowski
CERASOLI JR, Umberto. O treinamento no teatro e sua função no Teatro Laboratório de Jerzy Grotowski. São Paulo: Universidade de São Paulo. Doutorando. Orientador: Armando Sérgio da Silva. Membro do Cepeca (Centro de Pesquisa em Experimentação Cênica, da ECA/USP).
Este trabalho pretende apresentar a noção de treinamento no âmbito do teatro e, em particular, discutir a função que desempenhou durante os anos sessenta no Teatro Laboratório de Jerzy Grotowski. Como material de base para a reflexão serão utilizados textos publicados por Grotowski e a experiência do autor com os Exercícios Físicos e Plásticos.
Palavras-chave: Treinamento do Ator, Teatro Laboratório
El entrenamiento teatral y su función en el Teatro Laboratorio de Jerzy Grotowski
Resumen: Este trabajo pretende presentar el concepto de entrenamiento en el teatro y, en particular, discutir el papel que desempeñó durante los años sesenta en el Teatro Laboratorio de Jerzy Grotowski. Como base para la reflexión se utilizarán textos publicados por Grotowski y la experiencia del autor con los Ejercicios Físicos Plásticos.
Palabras clave: Entrenamiento del Actor, Teatro Laboratorio
Comunicação oral - Língua pra que te quero: entre personagens tipos e caricaturas
OLIVEIRA, Urânia Auxiliadora Santos Maia de Oliveira.FIGUEIREDO, Valéria Maria Chaves. Língua pra que te quero:entre personagens tipos e caricaturas. Goiânia: UFG; Professoras adjuntas.
Este resumo pretende apresentar o processo de montagem do espetáculo “Língua pra que te quero” resultado da disciplina Oficina do Espetáculo do curso de Artes Cênicas da UFG. Faz-se necessário testemunhar a saga do Prof. Asclepíades Tourinho para entender todos os modos, tempos, formas, hábitos, costumes e maneiras de aplicar, de utilizar, de praticar, de exercitar... a língua! Baseando-se nas Crônicas O GRAMÁTICO, de Humberto de Campos, e A HONRA DOS BROSSABOURG, de Georges Courteline, e em muitas histórias e mexericos da vida real, a autora deu com a língua nos dentes, e, enquanto o diabo esfregou um olho, usou metáforas e trocadilhos, exagerou em provérbios, prolóquios, adágios e conversa pra boi dormir... Aproveitou enquanto Brás era tesoureiro, e perguntou: LÍNGUA, pra quê te quero? O que foi mais intensificado no processo de montagem do referido espetáculo foi a construção de personagens.Sabemos que os personagens se dividem em simples e complexos, na peça trabalhamos com os simples que podem ser classificado em tipo e caricatura. O tipo possui determinadas características determinantes, o seu comportamento é previsível no decorrerdas cenas, o que lhe atribui funcionalidade relacionando-o com o universo que o cerca. A caricatura é o tipo com um determinado aspecto ou traço exacerbado, explorado ao extremo e transformando-se na característica principal do personagem. A caricatura pode aparecer na tragédia, mas seu emprego se dá, na maioria das vezes, nas sátiras e nos textos irônicos. Sua utilização tem por finalidade ironizar, ridicularizar ou criticar comportamentos e pessoas de determinados grupos sociais. Para a criação dos personagens tipos e caricaturas recorremos ao método das ações físicas de Constantin Stanislavisk. Nossa pesquisa baseou-se no princípio sob o qual Stanislavski apoia sua prática teatral; uma natureza orgânica que guia a atuação do ator. Assim, trabalhamos a criação de personagens dentro dos limites físicos e psicológicos humanos. Nesse sentido, priorizamos algumas conceituações sobre o corpo e os processos de criação. Nos estudos do movimento elegemos a busca de um corpo que funda a própria cena e para tal, recorremos também ao sistema Laban.
Palavras-chave: Atuação, construção do personagem, memória, ações físicas, corpo.
This summary aims to present the process of mounting the show "language, that you want to" result of discipline atelier spectacle the Performing Arts course at UFG. It is necessary to witness the saga of Professor. Asclepiades Tourinho to understand all moods, tenses, forms, habits, customs and ways of applying, using, practicing, exercising ... language! Based on The Chronicles GRAMMARIAN, Humberto de Campos, and HONOR OF BROSSABOURG, Georges Courteline, and many stories and gossip from real life, the author gave to the whistle, and while the devil rubbed one eye , used metaphors and puns, exaggerated in proverbs, prolóquios, adages and cock-and-bull story ...SeizedwhileBrázwastreasurer, and asked: LANGUAGE, for what you want? What was more intensified in the assembly process of this spectacle was the construction of characters. We know that the characters are divided into simple and complex, in spectacle we work with the simple that can be classified into type and caricature. The type has certain defining characteristics, its behavior is predictable during the scenes, which assigns functionality relating it to the universe that surrounds you. The caricature is the type with a particular aspect or trait exacerbated exploited to the extreme and becoming the main feature of the character. The caricature may appear in tragedy, but, most often in the satires and ironic texts. Its use is intended to mock, ridicule or criticize behaviors and people from certain social groups. For the creation of characters types and caricatures resorted to the method of physical actions of Constantin Stanislavisk. Our research was based on the principle under which Stanislavski supports its theatrical practice, an organic nature that guide the actions of the actor. So, strive to create characters within the limits of human physical and psychological. Accordingly, we prioritize some concepts about the body and the processes of creating. The study of the movement seek a body that establishes the scene itself, also appealed to the system Laban.
Key words: Performance, building character, memory, physical actions, body.
OLIVEIRA Urania Auxiliadora Santos Maia de FIGUEIREDO Valeria Maria Chaves.pdf
Comunicação em GT - Arte, vida e cuidado de si: o processo de criação do ator/performer como experiência curativa
POTY, Vanja. Arte, vida e cuidado de si: o processo de criação do ator/performer como experiência curativa Campinas: Unicamp, Doutorado em Artes da Cena. Orientação: Júlia Ziviani Vitiello.
Fundamentada nas práticas do cuidado de si investigadas por Michel Foucault (1985, 2006, 2008), a pesquisa visa problematizar o treinamento do ator/performer em suas relações com a vida. Para tal intento, pensa o teatro para além do espetáculo em suas associações com o ritual, e a criação artística como fomentadora de potências autocurativas do artista. A metodologia consiste em estudo bibliográfico, imersão nos processos criativos de Lygia Clark e Sophie Calle e proposta performativa. Essa ponderação tem como base o tratamento dado ao corpo em suas experiências artísticas, por meio de discussão sobre a função terapêutica da arte. Como suportes teóricos deste desígnio, recorremos às investigações de Nicolas Bourriaud (2011), Denis Guenoun (2007), Pierre Hadot (2006), Gilberto Icle (2007), Suely Rolnik (2001, 2006, 2011), Cecília Salles (2004 e 2006) e Richard Schechner (2012).
Palavras chave: Cuidado de Si; Processo Criativo; Ritual; Treinamento.
Based in the practices of self-care investigated by Michel Foucault (1985, 2006, 2008), the research intends to discuss the training of the actor / performer in its relations with life. For this purpose, think the theater beyond the spectacle in its associations with the ritual, and artistic creation as a promoter of self-healing powers of the artist. The methodology consists of bibliographic study, immersion in the creative processes of Lygia Clark and Sophie Calle and a performative proposal. This weighting is based on the treatment of the body in their artistic experiences through discussion about the therapeutic role of art. As theoretical supports of this endeavor, we turn to investigations of Nicolas Bourriaud (2011), Denis Guenoun (2007), Pierre Hadot (2006), Gilberto Icle (2007), Suely Rolnik (2001, 2006, 2011), Cecilia Salles (2004 and 2006 ) and Richard Schechner (2012).
Keywords: Care of Himself; Creative Process; Ritual; Training.
Comunicação-LAB : Territórios emergentes.
RIBEIRO, Walmeri. LAB < Outros Lugares, Formatos e Práticas em Performance > : Territórios emergentes. Fortaleza: Universidade Federal do Ceará|UFC. Professora Adjunta II, coordenadora do PPGARTES ICA|UFC. Artista audiovisual.
Esta comunicação propõe a apresentação do processo de criação do LAB< Outros Lugares, Formatos e Práticas em Performance >, realizado em agosto de 2013 em Fortaleza. Balizado pelos temas: colaboração x coletivo, performance x performatividade, espaço público x vida pública, o LAB propôs o encontro de seis artistas|pesquisadores do Brasil e da Alemanha, de diferentes áreas do conhecimento, tendo como questão central a discussão em torno de como nós percebemos, pensamos e construímos os lugares, a partir da relação corpo e espaço, em especial, corpo e cidade. Percorreremos a cidade de Fortaleza, observando principalmente os códigos, ritmos e rituais dos espaços públicos. Balizando esta experiência propúnhamos as seguintes questões como princípios direcionadores: Como podemos criar outras perspectivas e formas de convivência no espaço público? Qual é este “lugar” do artista no contexto urbano? Como metodologia empregamos a Performance como Pesquisa ( performance as research). Assim, os princípios direcionadores disparados como questões iniciais aos artistas participantes, foram investigados a partir do corpo e os seus sentidos como base para experiênciar, mapear e resignificar a cidade. Com este corpo-pensante, sensível e ao mesmo tempo público, foi composta e apresentada uma outra geografia, tanto da cidade de Fortaleza, quanto de seus lugares pessoais, sejam eles imaginários ou não. De forma transdisciplinar, as contribuições teóricas indicadas pelos artistas|pesquiadores, abriam frente a um diálogo entre as artes, política, urbanismo, ciências humanas e sociais. Dentre os autores que nortearam as discussões estavam Chantal Mouffe, Hanah Arendt, Richard Sennet, Jacques Ranciere, Arthur Sabatini, Brad Haseman, Edgar Morin e Cecília Almeida Salles. O laboratório - patrocinado pelo Centro Cultural Banco do Nordeste no VII Agosto da Arte, com organização do Laboratório de Poéticas Cênicas e Audiovisuais – LPCA ICA|UFC e o atelier obra viva Berlim|Alemanha-, contou com a participação, além dos seis artistas, de pesquisadores convidados para debater os três temas que nortearam as experiências, criações e discussões. Como desdobramento deste laboratório, surgiram projetos de investigação artística motivados pela imersão nas áreas de prostituição e em áreas denominadas de “áreas de risco“, projeto de pesquisa (apresentado como pesquisa de pós-doutoramento) por uma das artistas, intervenções realizadas durante o LAB e uma mostra dos trabalhos produzidos pelos artistas, realizada em setembro de 2013 no CENA 15| Centro Cultural Dragão do Mar. Assim, pretende-se com esta proposta de comunicação apresentar esta experiência e seus desdobramentos, bem como discutir os temas abordados no LAB gerando novos espaços de contribuição e reflexão.
