Processos de Criação e Expressão Cênicas

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ALLEONI, Natália V. Pela Finita Beleza da Rosa – A criação de corpos cênicos a partir das memórias corporais do intérprete-criador. Campinas: UNICAMP; CAPES; Mestrado; Profa. Dra. Elisabeth Bauch Zimmermann. Bailarina, Pesquisadora e Educadora Artística.

RESUMO
Essa pesquisa relata o processo criativo do solo de dança Pela finita beleza da rosa, fruto da pesquisa de Mestrado em Artes da Cena (UNICAMP) Entre Rastros Laços e Traços – O corpo, suas memórias e um processo criativo em dança, da pesquisadora e intérprete Natália Alleoni, com o intuito compartilhar ferramentas e estratégias de criação. A escolha por apresentar tal processo está na complexidade da abordagem bem como na relevância prática da mesma, que contempla as imagens simbólicas como a matéria prima da investigação, às sensações e impulsos corporais como instrumento de criação e a expressividade e dramaturgia cênica - que surge na elaboração dos afetos vividos, revividos, reinventados -, como a obra final (mesmo que em constante processo). Como o trabalho lida com memórias da formação em dança, o trabalho cênico pode ser trazido também, como um rico material para discussões sobre metodologias da formação em dança. O solo (produto final da pesquisa) trás como fio condutor a intimidade das memórias (como cicatrizes na “pele”) e os medos e superações na árdua busca pelo “pertencer a”.

Palavras-Chave
Dança. Memória Corporal. Processo Criativo.

ABSTRACT
This research describes the process of creative solo dance For the finite beauty of the rose, fruit of the research of Master in Arts Scene (UNICAMP) The body, it’s memories and creative process in dance, the researcher and interpreter Natalia Alleoni, in order to share creation tools and strategies. The choice to present such process is the complexity of the approach and the practical relevance of the same, which includes symbolic images as the raw material of research, body sensations and impulses as an instrument of creation and expression and scenic drama - arising in preparing affections lived, revived, reinvented - as the final work (even if in a constant process). The major research topic (sending the project to closing solo) is the body memory in the process of creating scenic. As the work deals with memories of dance training, the scenic work can also be brought as a rich material for discussions on the methodologies of dance training. It can be said that the solo (end product of this research) is a common thread behind the intimacy of memories (like scars in the "skin") and fears and overruns in the arduous search for "belonging to". You could say that membership is the great quest of this Master's research, which is reflected in the solo and in all the discussions about it. It discusses the discovery of loneliness, contact with oneself and mainly works with the unconscious images that materialize in scenic bodies.

Keywords
Dance. Body memory. Creative Process.

ANDRADE, Letícia (nome artístico); OLIVEIRA, Letícia M. (nome completo). Práticas em torno do espect-ator: anotações sobre a oficina Dramaturgia da Recepção ministrada para a Cia Artehúmus, de São Paulo. Belo Horizonte: Escola de Belas Artes da UFMG; Doutoranda em Artes Cênicas; Bolsista Capes; Professor Orientador Dr. Antonio Barreto Hildebrando; Dramaturga, Diretora e Professora de Práticas Cênicas.

RESUMO
Esta comunicação pretende relatar a experiência vivenciada pela oficina “Dramaturgia da Recepção”, ministrada por Letícia Andrade, em São Paulo, no período de 15 a 17 de Julho de 2013, para a Cia Artehúmus e artistas interessados no tema. Parte da tese de doutorado em andamento intitulada “Dramaturgia do Espectador”, a oficina desenvolveu os conceitos de espectador ficcional ou virtual, espectador interativo, e, por fim, espectador interativo, através de jogos individuais e coletivos de depoimentos pessoais e narrativas polifônicas, buscando a interlocução direta com a plateia.
Palavras-chave: Processos de Criação da Cena Contemporânea, Dramaturgia do Espectador.

ABSTRACT
This communication is intended to report the experience lived by the workshop "Playwriting Reception", by Leticia Andrade in Sao Paulo, from 15 to 17 July 2013, for Cia Artehúmus and artists interested in the topic. Part of the doctoral thesis in progress entitled "Dramaturgy of the Spectator", the workshop developed the concepts viewer fictional or virtual, interactive spectator, and, finally, viewer interactive games through individual and collective personal testimonies and narratives polyphonic seeking direct dialogue with the audience.

Keywords: Creation Process of Contemporary Scene, Dramaturgy the Spectator.

BARCELLOS, Adriana dos Santos Teixeira. ZIMMERMANN, Elisabeth Bauch. A Experimentação, através da Dança, do Processo de Cisão sofrido por Nijinsky com base na Psicologia Analítica de Jung. Campinas: UNICAMP; UNICAMP; Doutoranda em Artes da Cena; Professora Orientadora Elisabeth Bauch Zimmermann, bailarina. UNICAMP; Professora Titular.

RESUMO
Este trabalho é o resultado de uma transformação do processo de criação com base na compreensão do processo de esquizofrenia vivido por Nijinsky a partir da ótica da Psicologia Analítica.
Nijinsky foi um coreógrafo que provocou violentas reações com suas obras, indo além de uma construção estética. Em suas coreografias é possível observar elementos simbólicos que indicam uma aproximação com o universo inconsciente, contato este que, somado a questões pessoais, pode ter contribuído para a instalação do processo esquizofrênico.
Jung em sua teoria, a Psicologia Analítica, descreve o inconsciente como uma dimensão em que se originam os mitos, símbolos e arquétipos. Construindo a personalidade e relacionando-se com o coletivo, o inconsciente é capaz de gerar comunicações com o universo arcaico (arché – principio) em diferentes gradações de força e (des) estruturação.
A pesquisa coreográfica se afastou dos métodos e modelos de criação estabelecidos, numa tentativa de se orientar pela força criadora do inconsciente, utilizando alguns elementos da Psicologia Analítica no Processo de Criação Artística.
Palavras-Chave: Dança. Inconsciente. Nijinsky. Psicologia Analítica. Processo de criação.

Abstract
This work is the result of a change in creation process based on the comprehension of schizophrenia suffered by Nijinsky and viewed by the optics of the Analytical Psychology.
Nijinsky caused violent reactions with his works, going beyond of an esthetic construction. In his choreographies it's possible to see symbolic elements that indicates an approach to the unconscious universe, a contact that, added to personal questions, can be a factor of contribution to the installation of schizophrenia.
Jung in his theory, the Analytical Psychology, describes the unconscious as a dimension where the myths, symbols and archetype have origin. Constructing the personality and relating with the collective, the unconscious is capable to communicate with the archaic universe (arché from the Greek - beginning) in different degrees of power, structure and loss of it.
The choreography search has gone away from the established methods and models of creation, in an attempt of being conducted by the creation power of the unconscious; using some elements of Analytical Psychology in an artistic process.
Key Words: Dance. Unconscious. Nijinsky. Analytical Psychology. Creation Process.

BERGAMASCO, José Guilherme Pereira. Circo, teatro e a preparação corporal. Campinas: UNICAMP; Professor Assistente MA-I do Departamento de Artes Cênicas; mestrando; Professora Doutora Verônica Fabrini Machado de Almeida. Acróbata e ator.

RESUMO
Este trabalho visa estabelecer as relações existentes entre diferentes formas de preparação corporal para Atores e para Circenses, enfatizando suas aproximações e distanciamentos, baseadas na ideia de organicidade e precisão. Pode-se registrar situações de proximidades na preparação corporal do circense e do ator, como também, diferentes possibilidades de preparação com múltiplos reflexos na atuação. Para o alcance desses objetivos, optou-se pelo acompanhamento dos treinos e ensaios dos processos de montagem dos espetáculos cênicos e circenses de um grupo teatral e de um espaço circense, ambos localizados em Campinas/SP. A escolha do grupo teatral recaiu sobre a experiência do Circo K, da Boa Companhia de Teatro e Matula Teatro. Para a observação da preparação corporal circense escolheu-se o espaço “Cia do Circo”, por se tratar de um espaço que guarda a tradição circense. Percebeu-se que para o artista cênico não se tem um método especifico de preparação corporal dada a abrangência de suas possibilidades cênicas; o mesmo não ocorre para o artista circense que tem suas ações ancoradas na virtuosidade acrobática. Porém ambas as artes são realizadas por meio de ações e reações físicas tendo o corpo como veiculo para expressão e criação artística.

Palavras-chaves: Circo. Teatro. Preparação Corporal.

ABSTRAC
This work aims to establish the relationship between different forms of body training for Actors and Circus Performers, emphasizing their similarities and differences, based on the idea of organicity and accuracy. You can register similarities among the body training of the actor and the circus performer, as well as different possibilities of trainings with multiple reflections on the final acting. To achieve these goals, it was decided to monitor the training and the work in progress of stages productions of two theatre group and one circus company, both located in Campinas/SP. The chosen theatre groups were Boa Companhia and Matula Teatro, with their trilogy named Circo K, and the circus group Cia do Circo, wich saves the circus tradition. It was noticed that for the scenic artist it does not have one specific method of body training given the scope of its scenic possibilities, and the same is not true for the a circus artist who has anchored their actions in acrobatic virtuosity. But both arts are performed through actions and physical reactions using the body as a vehicle for expression and artistic creation.

Key-words: Theater. Circus. Body training.

BITTER, Sigrid. Desmontagem: memórias artísticas de uma autobiografia. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia (professora Adjunta) e Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro. Doutorado Interinstitucional UNIRIO-UFU; Doutoranda; Orientadora Profra. Dra. Nara Keiserman.

RESUMO
A proposta deste artigo está em trazer o atravessamento artístico das histórias de vida familiar e das escolhas pessoais, num processo de desmontagem de uma experiência de vida apresentada na disciplina Pedagogia(s) do Teatro: Práticas Contemporâneas, do programa DINTER UFU/UNIRIO-2013. O texto traz o conceito atual de desmontagem e como elas vêm sendo apresentadas, as observações e socializações oriundas deste trabalho e a narrativa da desmontagem: memórias artísticas de uma autobiografia, além da reflexão final sobre todo o processo.

Palavras chave: Desmontagem. Autobiografia. Práticas Pedagógicas.

ABSTRACT
The purpose of this article is to bring the art of crossing stories of family life and personal choices, a process of dismantling a life experience presented in Pedagogy discipline (s) Theatre: Contemporary Practices, program DINTER UFU/UNIRIO-2013 . The text presents the current concept of disassembly and how they have been presented, the observations and socialization arising from this work and the narrative of disassembly: memories of an artistic autobiography, besides the final reflection on the whole process.

Keywords: Disassembly. Autobiography. Pedagogical Practices.

CARVALHAL, Júlia Alves Rodrigues. Provocador Cênico: Problematização da função em processos contemporâneos. Brasília: Universidade de Brasília – UnB. Mestranda em Artes; orientador Marcus Mota; bolsista CAPES. Atriz, Assistente de Direção e Produtora Cultural.

RESUMO
Para compreender a função do provocador cênico e sua necessidade diante do processo de criação coletiva é necessário compreender as modificações sofridas na função do diretor teatral. Será analisada a transformação ocorrida a partir do século XIX que propôs inversões na relação da cena com o texto, investigando a importância e o papel do diretor teatral nesse processo, até sua extinção em processos contemporâneos. Compreendendo, assim, a aparição de seu substituto, o Provocador Cênico. Nessa comunicação eu apresento um diálogo entre essas questões diante de panoramas estabelecidos por Jean-Jacques Roubine, Hans-Thies Lehman, André Carreira, entre outros, para compreender as transformações que ocorreram historicamente nas funções envolvidas nos processos criativos, podendo, assim, problematizar os processos contemporâneos.
Palavras-chave: Provocador Cênico. Processo Criativo. Diretor Teatral.
ABSTRACT
To understand the role of the ‘scenic teaser’ (provocador cênico) and his necessity in the collective creation process it is necessary to comprehend the changes on the role of the theatre director. Will be analyzed the transformation occurred on the Nineteen Century on that proposed an inversion in the relation of the scene with the text, comprehending the importance and the role of the theatre director in this creative process and his extinction on contemporary process. Having knowledge, this way, of the appearance of his substitute, the scenic teaser. In this paper I present the dialogue between those questions, considering the perspective of Jean-Jacques Roubine, Hans-Thies Lehman, André Carreira, among others, to perceive the historic transformation of those roles involved in a creative process, may thus, problematize the contemporary processes.
Keywords: Scenic Teaser. Creative Process. Theater Director.

CASTRO, Raquel. Procedimentos de jogo musical na cena: um estudo no rastro das propostas de Meierhold. Belo Horizonte: Programa de Pós-Graduação em Artes - EBA/UFMG; doutoranda; Or. Prof. Dr. Maurilio Andrade Rocha. Atriz e diretora.

RESUMO

Este estudo tem por finalidade destacar princípios de composição e discriminar procedimentos criativos que se referem ao jogo com a música no teatro do encenador russo Vsévolod Meierhold (1875-1940). Parte da premissa que a música é uma das mais importantes matrizes de construção da cena meierholdiana e encontra-se no cerne da renovação artística proposta pelo encenador. Para tal fim, a pesquisa se apoia, como principal fonte de investigação, nos textos teóricos do encenador e nos relatos de seus comentadores. A partir das informações rastreadas, o artigo apresenta uma proposta de delineamento dos recursos e estratégias desenvolvidos por Meierhold em que a música opera como elemento construtivo da cena teatral nos planos da atuação, encenação e dramaturgia.

Palavras-chave: Interação Música-Teatro. Jogo musical. Vsévolod Meierhold.

RÉSUMÉ

Cette étude a pour but de mettre en relief des principes de composition et de detaillé des procedures créatives faisant référence au jeu avec la musique dans le théâtre du metteur en scène russe Vsévolod Meyerhold (1875-1940). On part de la prémisse que la musique est l'une de matrices les plus importantes de la construction de la scène meyerholdienne et se retrouve au coeur de sa renovation artistique. Dans ce but la recherche s'appuye, comme principale source d'investigation, sur les textes théoriques du metteur en scène et sur les récits de ses commentateurs. A partir des informations ratissées, on présente une proposition de délinéation des ressources et stratégies développées par Meyerhold dans laquelle la musique agit en tant qu'élément constructif de la scène théâtrale dans les domaine du jeu de l'acteur, de la mis-en-scène et de la dramaturgie.

Mots-clés: Interaction Music-Théâtre. Jeu avec la musique. Vsévolod Meierhold.

CASTRO, Rita de Almeida. Memórias reinventadas. Brasília: Universidade de Brasília; Professora Adjunta. Atriz e diretora teatral. Grupo de Pesquisa Poéticas do Corpo.


RESUMO

O presente artigo discute o processo de criação da peça À Deriva do grupo de pesquisa Teatro do Instante – que reúne artistas das áreas de artes cênicas, música e arte computacional, em uma perspectiva interdisciplinar. Tendo a memória como uma das referências para a construção dramatúrgica, temos a experiência de sete atores do grupo em suas singulares trajetórias movidos por suas inquietações, fluxos criativos e devires. A dramaturgia foi construída coletivamente com a colaboração de um dramaturgista, por meio das fronteiras tênues entre pessoalidade e ficcionalidade. Propomos uma análise sobre a fricção entre autonomia criativa, desconstrução de parâmetros e a ressignificação da figura do diretor.

Palavras-chave: Memória. Pesquisa. Experiência. Dramaturgia.



ABSTRACT


The present paper discusses the creation process of the play À Deriva by the Theatre Research Group Teatro do Instante – which gathers artists from scenic arts, music, creative coding and computational art, in an interdisciplinary perspective. Taking memory as the core reference for the dramaturgic construction, we explore the experiences of the group’s seven actors in their unique course moved by personal restlessness, creative flows and becoming. The dramaturgy was constructed collectively with dramatist collaboration, working through smooth borders between personal and fiction accounts. We propose an analyses of the friction among creative autonomy, parameters deconstruction and the roll of the theatre director.

Keywords: Memory. Research. Experience. Dramaturgy.

CHAVES, Marcos. Sonoridades em Gota D’Água sul-mato-grossense. Dourados: Universidade Federal da Grande Dourados; professor assistente; Universidade do Estado de Santa Catarina; doutorando; Prof. Stephan Arnulf Baumgärtel. Ator e criador de trilha sonora.

RESUMO

O artigo analisa a musicalidade no processo de criação do espetáculo teatral douradense Gota D’Água, da Associação Cultural Oficina de Interpretação Teatral – OFIT. Dialoga com o diretor Nill Amaral, artista com vasta experiência no Mato Grosso do Sul e integrante da primeira turma do bacharelado em artes cênicas (do estado) que colou grau em 2013. O cruzamento da proposta de encenação com a atualização do texto de Chico Buarque e Paulo Pontes, organizada na amarração dramatúrgica de Éder Rodrigues, insere a trama em latifúndio sul-mato-grossense. A sonoridade da obra perpassa percussão dos objetos de cena na execução dos atores. O canto cênico acompanha proposição musical, interpretado a capella na primeira temporada de apresentações. A pesquisa do ambiente sonoro caminha lado a lado com a proposta cênica de trazer a narrativa para registro próximo dos atores e espectadores da região.

Palavras-chave: Musicalidade. Criação. Canto.

ABSTRACT

This article analyzes musicality in the process of creating the theatrical show from Dourados, Gota D’Água (Drop of Water), by Associação Cultural Oficina de Interpretação Teatral – OFIT. It dialogues with the director Nill Amaral, an artist with wide experience in Mato Grosso do Sul and member of the first group of bachelor’s degree in scenic arts (of the state) who graduated in 2013. The crossing of the staging proposal with the updating of Chico Buarque and Paulo Pontes' text, organized in Éder Rodrigues' dramaturgical tying, inserts the plot in a sul-mato-grossense latifundium. The sonority of the play passes by percussion of the objects in the scene performed by the actors. The performing singing follows the musical proposal, sung acapella in the first season of shows. The sound atmosphere research walks side by side with the scenic proposal of bringing the narrative to the close record of the actors and spectators in the region.

Key-words: Musicality. Creation. Singing.

COLOMBO, Eduardo. APONTAMENTOS SOBRE FLUXO E ORGANICIDADE NO TRABALHO DO ATUADOR. Campinas: Universidade Estadual de Campinas. Mestrado em Artes da Cena; Suzi Frankl Sperber. Bolsa FAPESP. Ator e diretor de teatro.

Resumo: A presente comunicação trata de uma reflexão sobre a organicidade na atuação do ator, tendo como referência o trabalho prático que desenvolvo na pesquisa de mestrado no PPGAC-UNICAMP, a saber, um estudo sobre relações entre a dramaturgia do ator no processo criativo e o conceito de "corpo-vida" de Jerzy Grotowski. Nesse contexto, experimento um diálogo entre experiências do percurso da minha investigação e reflexões do sinólogo francês François Jullien sobre a questão da “eficácia”. Assim, procuro dar palavra aos conteúdos e questionamentos que me inquietam e elucidar o que venho desenvolvendo como ator-pesquisador.

Palavras-chave: grotowski; organicidade; françois jullien; eficácia; potencial de situação

Abstract: This communication is a reflection about “organicity” in the performance of the actor. Its main references are the practical work I develop in my master research at the State University of Campinas (UNICAMP), a study about relations between the dramaturgy of the actor in the creative process and the concept of "body-life" developed by Jerzy Grotowski. In this context, I experiment a dialogue between experiences of the course of my research and reflections of the French sinologist François Jullien on "efficacy". In this way, I`m trying to give words to the contents and questions that touch me, and clarify what I have developed as an actor-researcher.

Palavras-chave: grotowski; organicity; françois jullien; efficacy; potential situation

COSTA, Daniel S.; NAVARRO, Grácia. Processo criativo, autobiografia e a cena híbrida: um modo de fazer relacional. Campinas: Universidade Estadual de Campinas – UNICAMP. Mestrado; Orientação Profa. Dra. Grácia Maria Navarro. Professor Departamento de Artes Cênicas – Instituto de Artes - UNICAMP.

RESUMO
Este trabalho apresenta reflexões sobre um estudo voltado para o corpo expressivo e para o processo criativo nas artes da cena, por meio de um intercâmbio entre o estudo de teorias do corpo e o exercício prático e sistemático da criação. Com base na ideia de experiência, de um corpo vivido e pensado, conforme a fenomenologia da percepção é proposta no estudo teórico-prático a investigação dos fundamentos técnicos-criativos de um processo criativo relacional fundado na autobiografia do autor, ou seja, das tessituras de um modo de fazer que subsidiam a elaboração estética de uma cena híbrida, na contaminação das relações entre arte-vida; realidade-ficção; eu-mundo; técnica-criação.
PALAVRAS-CHAVE: processo criativo; autobiografia; cena híbrida

ABSTRACT
This paper presents reflections on a study focused on the expressive body and the creative process in the arts scene, by means of an exchange between the study of theories of the body and exercise practical and systematic creation. Based on the idea of experience, a lived body and thought, as the phenomenology of perception is proposed in the theoretical and practical study research of creative-technical foundations of a creative process relational based on the autobiography of the author, ie, the tessitura of one way to do that subsidize the elaboration of a scene aesthetic hybrid, the contamination of the relations between arte-vida; realidade-ficção; eu-mundo; técnica-criação.
KEYWORDS: creative process; autobiography; hybrid scene

COUTO, Lara Barbosa. Considerações sobre o trabalho do ator na desvinculação ator/personagem. Salvador: Universidade Federal da Bahia; Professora substituta; Doutoranda (até o momento, sem bolsa); Professor orientador: Jacyan Castillho. Atriz, produtora e professora.

CONSIDERAÇÕES SOBRE O TRABALHO DO ATOR NA DESVINCULAÇÃO ATOR/PERSONAGEM.

RESUMO
O objetivo desse trabalho é apresentar algumas reflexões sobre o trabalho do ator em cenas onde se percebe a desvinculação ator/personagem. Partindo do tratamento dado ao termo por Anatol Rosenfeld, a desvinculação refere-se aos casos em que um mesmo ator interpreta mais de uma personagem. Da mesma maneira, a técnica aparece quando uma mesma personagem é interpretada por mais de um ator. A partir desse panorama geral, é possível identificar diversas modalidades de uso da técnica, como a troca, o desdobramento da personagem e a rotação de papéis. O texto relata ainda procedimentos e reflexões a partir da realização de uma oficina teatral sobre o tema da desvinculação, chamada No Carrossel Holandês: criação da personagem na mudança de papéis. O termo Carrossel Holandês alude ao esquema tático da seleção holandesa na Copa do Mundo de 1974, caracterizada por sua estrutura cambiante, através da qual os jogadores trocavam de posição entre si, realizando diversas funções ao longo do jogo. Nas aulas, que serviram como espaços de experimentação, foram investigadas estratégias de uso do recurso e suas particularidades para o ator.


Palavras-chave: Construção da personagem. Desvinculação ator/personagem. Procedimentos criativos. Teatro.

ABSTRACT
The purpose of this project is to present some reflection regarding the actor’s work in scenes where a disconnection between actor/character can be noticed. Starting from the Anatol Rosenfeld’s treatment to the term, the disconnection refers to the cases in which an acter plays more than one character. In the same way, the technique appears when a character is played by more than one actor. From this general perspective it is possible to identify various modalities of the use of this technique, like the exchange, the deployment of the character and the rotation of parts. The text talks also about procedures and reflections that came after the execution of a Workshop regarding the disconnection theme, called No Carrossel Holandês (In the Dutch Carousel): the creation of the character in the exchange of parts. The term Dutch Carousel alludes to the tactical of the Dutch team in the World Cup of 1974, characterized by it’s changing structure, in which the players changed their positions with each other, implementing various functions during the game. In the classes, which have served as spaces for experimentation, strategies for the use of this resource for the actor were investigated.

Key-words: Building character. Disconnection between actor/character. Creative procedures. Theate

CURI, Alice Stefânia. Aproximações à noção de Dramaturgia de Ator. Brasília: Universidade de Brasília. Professora Adjunta. Atriz, diretora, pesquisadora.

corpo cênico; sentidos; práticas

“Dramaturgia de ator” é um termo que tenta dar conta do descentramento do discurso textual/verbal para processos de enunciação que emergem das interações complexas do corpo do ator com os demais elementos constitutivos da cena. O texto lança um olhar sobre possíveis acepções e desdobramentos dessa expressão, e dedica-se, ainda, a pensar recursos a serem buscados e princípios que podem orientar práticas criativas e de preparação de corpos cênicos.

scenic body: sense: practices

“Dramaturgy of actor” is a term that attempts to account for the decentering of discourse textual / verbal enunciation processes that emerge from complex interactions of the actors body with the other elements of the scene. The text takes a look at the possible meanings of this expression, and dedicates itself still to think practices and principles that can guide the research and creation of scenic bodies.

CYPRIANO, Adriano. Poéticas da Consciência – aspectos do trabalho de criação do performer no pós-moderno. São Paulo: Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo; tese produzida para a obtenção de título de doutor em Artes Cênicas, na área de Pedagogia do Teatro e concentração em formação do artista, com orientação do professor doutor Armando Sérgio da Silva. Professor do ensino técnico, superior [Fundação Cásper Líbero – direção de elenco RTV] e palestrante em pós-graduação lato sensu [Faculdade de Belas Artes – cinema], pesquisador licenciado do CEPECA [Centro de Pesquisa em Expressão Cênica do Ator – ECA USP].

RESUMO
A pesquisa investiga possibilidades de entendimento do termo ‘consciência’ no estrito âmbito do trabalho de composição cênico-teatral, considerado o ambiente pós-moderno. A tese propõe um modelo tripartite para uma suposta Consciência Cênica, a hipótese central fraciona a consciência cênica em Autoexpressiva, Político-histórica e Místico-mítica; a cada uma das frações apresentadas correspondem aspectos intermediários e complementares.

Palavras-chave: Performer. Consciência. Cena.

ABSTRACT
This doctorship research investigates the possibilities of understanding of the term 'consciousness' - in the strict context of scenic composition for theatre, considered the postmodern environment. The thesis proposes a threefold model for an alleged Scenic Consciousness, the central hypothesis splits consciousness in Self Expressive, Politic-historical and Mystical-mythical; each of these fractions shows intermediate and complementary aspects.

Keywords: Performer. Consciousness. Scene.

DE PAULA, José Eduardo. Corpo do afeto: tempo e experiência como agenciadores de memórias. Uberlândia: IARTE/UFU; professor assistente; ECA/USP; doutorado; Armando Sérgio da Silva. Encenador e performer.

RESUMO

Este texto visa discutir possíveis paralelismos entre Stanislavski e Grotowski, tendo como foco a importância sobre a “memória”, presente em suas proposições.
A partir das noções sobre “devir” e “eficácia”, a memória será considerada como objeto de relevância nas pesquisas de Stanislavski e Grotowski, possibilitando discutir corpo do afeto e os processos de preparação e criação como agenciadores de memórias.
“Período” será outra noção relevante em Stanislavski que permitirá evidenciar uma possível proposta artístico-pedagógica que elege os processos de preparação e criação como espaço-tempo, campo experiencial e meio promotor de memórias.
Como salto evolutivo nos processos criativos do ator, Grotowski debruça-se sobre as noções de “corpo-memória” e “corpo-vida”, privilegiando esta última por parecer mais justa com a noção de “hoje–aqui–agora”, ao passo que a primeira parece instalar no ator certo estado nostálgico e, por isso, ser menos eficaz.
Observando experiência e prática como matérias interdependentes, é possível considerar que viver é praticar a vida, quanto praticar a vida é experimentar e experienciar a vida. Em ambos os sentidos estão contidas as noções de processo, tempo-espaço, duração, memória e corpo-vida como matérias geradas de modo relacional, via experiência.
Não poderia ser diferente com o ator, para quem preparação e criação podem ainda ser consideradas como ambientes promotores de uma lógica de trânsito, nos quais os processos e o percurso no tempo são vistos como geradores e instaladores de memórias [sejam elas pessoais, coletivas, históricas e contemporâneas, transientes e do devir], pois permitem experimentar a vida como uma rede que entrelaça as distintas camadas do viver, seus diferentes ambientes, relacionando-os via ação gerada e geradora de experiências criativas agenciadoras de memórias.

Palavras-chave: ator. Preparação. Criação. Memória.

ABSTRACT

This paper aims to discuss possible parallels between Stanislavski and Grotowski, focusing on the importance of the "memory" that is present in their proposals.
From the notions of "becoming" and "efficacy", memory will be considered as an object of importance in the research of Stanislavski and Grotowski, allowing the discussion regarding body of affection and the processes of preparation and creation as a “dealer of memories”.

Keywords: Actor. Preparation. Creation. Memory

DIAS, Natacha. A Ação como herança: ação física e corporeidade nas práticas criativas de Stanislavski e de Grotowski. São Paulo: Universidade de São Paulo; Mestrado; Profa. Dra. María Thais Lima Santos. Atriz e bailarina.

RESUMO

O artigo tem como ponto de partida a noção de ação ou, ainda, ação física, a partir dos trabalhos desenvolvidos por Stanislavski e Grotowski. Considerará, para tanto, os diferentes contextos histórico-culturais nos quais suas investigações se desenvolveram, o que se desdobra em perspectivas distintas sobre a corporeirade e sua importancia no trabalho do ator.
Para tanto, refletirá sobre as fontes por meio das quais Grotowski têve acesso à pesquisa de Stanislavski - como a influência do Teatro Reduta e da obra de Vassiliev Toporkov – e sobre o contexto sócio-político que caracterizava as relações entre Rússia e Polônia nos anos cinqüenta e sessenta.
Sob a ótica da linha orgânica, fundamental para a compreensão das obras dos dois artistas, o texto irá se debruçar sobre as semelhanças e diferenças entre suas respectivas ideias de impulso, linha de ação, comunicação e contato. A partir de tais elementos concretos, busca-se refletir sobre a continuidade da tradição do trabalho do ator sobre si mesmo a partir da ótica da artesania teatral.

Palavras-chave: Ação física. Impulsos. Contato. Stanislavski. Grotowski.

RESUMEN

Como punto de partida, el artículo toma la noción de acción ó acción física, desde la obra de Stanislavski y Grotowski. Tendrá en cuenta, por lo tanto, los diferentes contextos históricos y culturales en que se desarrollarón sus investigaciónes, que se prolonga en diferentes puntos de vista sobre corporeidad y su importancia en el trabajo del actor.
Por lo tanto, reflexionará sobre las procedencias a través de las cuales Grotowski tenía acceso a la investigación de Stanislavski - como la influencia del Teatro Reduta y de la obra de Vassiliev Toporkov – y el contexto socio-político que caracteriza las relaciones entre Rusia e Polonia en los años cincuenta y sesenta.
Desde el punto de vista de la línea orgánica, clave para entender las obras de los dos artistas, el texto irá volcarse en las similitudes y diferencias de sus respectivas ideas de impulso, línea de acción, comunicación y contacto. A partir de estos elementos, sobrepensará la continuidad de la tradición del trabajo del actor sobre sí mismo desde la perspectiva de la artesanía teatral.

Palabras-clave: acción física. Impulsos. Contacto. Stanislavski. Grotowski.

DIP, Nerina Raquel. Os caminhos criativos de Barba Azul: embricamentos estéticos e políticos no processo de criação. Tucumán Argentina: Universidad Nacional de Tucumán. Facultad de Artes. Professor Adjunto. Facultad de Artes UNT.

RESUMO - Barba Azul é o mais recente espetáculo montado pelo Grupo de Teatro Die Pinken Clauden (Tucumán – Argentina). O processo de criação para montagem do espetáculo teve duração de um ano e meio, e sua estreia ocorreu em maio de 2013. Durante o período de ensaios, a criação atravessou diversos momentos nos quais se articularam questões biográficas, estéticas, políticas e artísticas. Cada uma delas, como sempre ocorre, impregnou, de modos diversificados – e nem sempre conexos - o camino da criação. Em razão disso, foi necessário, a cada novo passo, tomar decisões de natureza estética que, mesmo não tendo uma relação tão direita com a dramaturgia, acabaram por influenciar e determinar o resultado final. Neste trabalho, analiso os aspectos externos à dramaturgia que se constituíram em motivos de criação e revisão das rotas e projetos iniciais. Dentre esses aspectos, podem ser citados: composição do grupo, inserido em proposição conhecida pelo nome de teatro de grupo; relações de gênero; constituição e história do grupo; dificuldades econômicas e pessoais.
PALAVRAS-CHAVE: Teatro Argentino – Teatro e Questões Política – Processo criativo.

ABSTRACT - Barba azul es el más reciente espectáculo del grupo de teatro Die Pinken Clauden.
Su proceso de trabajo duró un año y medio, hasta su estreno en mayo de 2013.
Durante ese período la creación fue atravesando diversos momentos en los que se articularon cuestiones biográficas, estéticas, políticas y artísticas. Cada una de ellas impregnó el camino de la creación de situaciones dramáticas. Ellas condujeron a tomar decisiones únicas que aunque no están directamente conectadas a dramaturgia, acabaron influyendo y determinando el resultado escénico final.
En este trabajo analizaré aquellos aspectos externos a la dramaturgia que se vivieron durante el proceso creativo. La composición del grupo, las relaciones de género, la disponibilidad de un espacio propio, la historia del grupo, sus creaciones precedentes, la situación económica, la situación personal de actrices y directora son algunos de los factores externos. Estudiaré cómo estos aspectos se materializan en el ordenamiento de las escenas, el uso del espacio, la selección de los recursos, el diseño del vestuario y la elección de la música. Todo esto enmarcado en el trabajo conocido como Teatro de Grupo.

FERREIRA, Cecília Maria de Araújo (Raiffer). O Grupo de Pesquisa LaCrirCe – Laboratório de Criação e Recepção Cênicas – formação de espaço de compartilhamento: criação de elos e poéticas. Juazeiro do Norte: Universidade Regional do Cariri - URCA; Professora Efetiva; Doutoranda do Programa de Pós-Graduação em Artes da Universidade Federal de Minas Gerais - UFMG; Professor Doutor Maurílio Rocha. Encenadora, Dramaturga e Atriz.

Compartilhamento. Poética. Treinamento. Colaborativo.

O Grupo de Pesquisa LaCrirCe tem se configurado como um espaço privilegiado de compartilhamentos cênicos e discussões das atividades desenvolvidas via encontros semanais temáticos, treinamentos, ensaios abertos e debates após as sessões públicas das apresentações teatrais. Desde 2011 temos desenvolvido a montagem didática “O Evanescente Caminho”, a partir da livre adaptação, com improvisações e várias versões de dramaturgia, de A Divina Comédia de Dante Alighieri. Os alunos do curso Licenciatura Plena em Teatro da URCA tem experimentado variadas funções na criação e elaboração das cenas, fato que amplia a formação, transpondo a sala de aula para a sala de ensaio, aspecto privilegiado nos princípios do teatro em colaboração. Por haver uma grande escassez de teatros em nossa região, cariri cearense, (espaços formais e disponíveis para apresentação de espetáculos) a presente pesquisa desenvolve também a utilização de espaços alternativos. Este fato leva a considerar/buscar/criar estratégias para o uso eficiente destes espaços, além de contribuir para o acesso da comunidade ao teatro.

Partage. Poétique. Formation. Collaboratif.

Le LaCrirCe Research Group a émergé comme une des actions privilégiées de pittoresque et de discussions d'activités par le biais de réunions hebdomadaires thématiques, des sessions de formation, des répétitions publiques et des discussions après les sessions de représentations théâtrales publiques. Depuis 2011, nous avons développé la didactique de l'ensemble "Le chemin de fuite" de l'adaptation libre, avec des improvisations et des différentes versions du drame, de la Divine Comédie de Dante Alighieri. Les étudiants du diplôme complet en théâtre URCA a connu divers rôles dans la création et le développement des scènes, ce qui augmente la formation, la transposition de la salle de classe à la salle de pratique, aspect privilégié les principes de théâtre en collaboration. Parce qu'il ya une grande pénurie de théâtres dans notre région, Cariri Ceará (espaces formels et disponibles pour la présentation de spectacles) recherche développe également l'utilisation d'espaces alternatifs. Ce fait conduit à considérer / recherche / d'élaborer des stratégies pour une utilisation efficace de ces espaces, et cette caractéristique contribue à l'accès à la communauté théâtrale en général

FORNACIARI, Christina. Presenças possíveis. Salvador: UFBA; Capes; Bolsista Doutorado; Doutoranda; Ivani Santana. Performer e professora.

RESUMO

Ao longo das últimas décadas, artistas e pesquisadores das artes do espetáculo vêm sinalizando novas formas de organização e inter-relação entre os elementos heterogêneos (corpo, som, texto, imagem e movimento) que compõe a cena. Seja em teatro, dança ou performance, tais elementos tradicionalmente combinados em torno da presença física e vívida do actante, começam a assumir novas configurações. O presente artigo pretende olhar para novas formas de presença decorrentes do processo descrito acima, com ênfase nas ideias oferecidas por dois relevantes pesquisadores da cena contemporânea: a britânica Claire Bishop (CUNY - The City University of New York), que trabalha com a noção de “arte participativa”, e o italiano Enrico Pitozzi (UNIBO - Universitá di Bologna), que nos oferece a ideia de “palco aumentado”. Ambos sinalizam uma quebra epistemológica nas artes cênicas, através da qual se investe o papel do actante com múltiplas possibilidades presenciais. Levando em conta formas ao vivo e mediadas de introdução de presença em obras, os referidos pesquisadores apontam caminhos que possibilitam novas presenças, seja através da mobilidade física de não atores na obra, seja por outros procedimentos (imersivo, proprioceptivo, de estimulação psicológica ou intelectual, multidimensional, sensorial, etc). Tais caminhos e suas consequências são o objeto de investigação deste artigo.

Palavras-chave: presença. palco aumentado. arte participativa. new media.

ABTRACT

Over the past decades, artists and theorists have indicated new forms of organization and inter-relationship between the heterogeneous elements (body, sound, text, image and movement) that compose the scene. Either in theater, dance or performance, such elements traditionally combined around the physical presence of the performer, begin to assume new forms. This paper aims to look at new forms of presence resulting from the process above, with emphasis on the ideas offered by two relevant researchers on the contemporary scene: the British researcher Claire Bishop (CUNY - The City University of New York), who works with the notion of "participatory art", and the Italian professor Enrico Pitozzi (UNIBO - Universitá di Bologna), which gives us the idea of "expanded stage”. They signalize a epistemological break in the performing arts, through which the role of the performer is invested with multiple possibilities of presence. Considering both live and mediated presence, those researchers point paths that enable new forms of presence in the scene (either through physical mobility of non-actor on site, or by other procedures, as immersivand proprioceptive theatre, psychological or intellectual stimulation, etc.). Such paths and its consequences will be this paper’s object of investigation.

Key-words: presence. expanded stage. participatory arts. new media

FREITAS, Maria Vitória Alves. Brincar de mamulengo: a criação de um elo com o público. Salvador - BA: Universidade Federal da Bahia; CAPES; Pós-graduação: Mestrado em Artes Cênicas. Orientadora: Jacyan Castilho. Atriz, produtora, dramaturga e professora.

RESUMO

O presente artigo lança uma reflexão sobre o termo brincar inserido no contexto do teatro de mamulengo. Quando um mamulengueiro vai se apresentar com seus bonecos ele diz que vai brincar. O significado da palavra brincar traz em sua origem a palavra “vínculo”. Assim, o mamulengueiro sai de sua casa não com o intuito de se apresentar para uma plateia, mas para criar um vínculo, um elo com aquele público. A partir da interferência do espectador, o mamulengueiro busca sempre um movimento que se renove a cada apresentação, ou melhor dizendo, a cada brincadeira. Sabe-se que o intuito de estabelecer um vínculo com o espectador não é algo exclusivo do teatro de mamulengos. Dessa forma, este trabalho teórico discorre sobre os aspectos peculiares, específicos desse brincar do mamulengueiro.
Palavras-chave: Teatro. Mamulengo. Brincar. Público.

RÉSUMÉ

Cet article est une réflexion sur le mot jouer mis dans le contexte du théâtre de Mamulengo. Quand un mamulengueiro va se présenter avec leurs marionnettes, il dit qu'il va jouer. Le sens du mot jouer s’origine du mot “lien”. Ainsi, le mamulengueiro quitte sa maison non avec l'intention de se présenter à un public, mais pour établir un lien avec ce public. A partir de l'intervention du spectateur, le mamulengueiro cherche toujours un mouvement qui est renouvelée a chaque présentation. Le but d'établir un lien avec le public n'est pas une chose très originale et unique. Ainsi, ce document aborde les aspects théoriques particulières et spécifiques à ce travail du mamulengueiro.
Mots-Clés:Théâtre. Mamulengo. Jouer. Public.

GATTI, Daniela. Título. Corpo-Texto / Texto-Corpo: uma relação intertextual entre dança e texto. Campinas: Universidade Estadual de Campinas – UNICAMP; Professora do Departamento de Artes Corporais- IA
RESUMO

O presente artigo propõe refletir sobre o conceito de “corpo-texto” nos processos criativos em dança, tendo o texto como gerador de sentidos e articulador na presentificação do corpo em movimento que é lido como escritura, elemento central da costura simbólica e de representação para à construção da expressão artística. Como suporte para essas discussões, o artigo se pauta em Kristeva que nos referencia nas discussões sobre intertextualidade – códigos, linguagem, e técnicas.


Palavra – Chave: Processos Criativos. Dança. Corpo – Texto. Intertextualidade.

ABSTRACT

This paper proposes a reflection on the concept of "body-text" in the creative processes in dance, and the text as a generator of meaning and articulation in presentification body in motion which is read as scripture, central seam and symbolic representation for the construction of artistic expression. In support of these arguments, the article is guided in Kristeva we reference in discussions of intertextuality - codes, language, and techniques.

Keywords: Creative Processes. Dance. Body-Text. Intertextuality.
 

GOMES, Adriane. Giorgio Strehler: trajetória e formação de um encenador. Londrina: Professora Assistente da Universidade Estadual de Londrina. UNICAMP; Doutoranda no Programa de Pós Graduação em Artes da Cena; Orientação Isa Kopelman.
Palavras – Chaves: Encenação, Strehler, tradições teatrais.

RESUMO
As descobertas realizadas por alguns encenadores no início do século XX, principalmente no que concerne à fusão de tradição e inovação em suas práticas artísticas e pedagógicas, já antecedem alguns dos procedimentos que caracterizariam grande parte do teatro das décadas seguintes e, de certo modo, já começam a compor as bases do fazer teatral contemporâneo. Esta pesquisa pretende abordar o resgate das fontes da teatralidade visando à renovação da arte teatral. O estudo desta proposta abre um amplo campo de relações com a cena contemporânea, que se relaciona a um movimento de busca da renovação teatral por meio da compreensão e da reinterpretação da tradição. Esta tendência, que caracterizou em grande medida a modernidade teatral, ainda se mantém válida e é objeto de crescente interesse artístico e acadêmico. A experimentação contínua dos princípios expostos, realizada por diversas gerações de artistas e pesquisadores teatrais, pode ser compreendida como uma das bases formativas do teatro contemporâneo, que se caracteriza como uma arte de muitas referências e que foge a qualquer possibilidade de enquadramento em noções puras de gênero e estilo. Optou-se por investigar alguns desses aspectos nos procedimentos de encenação de Giorgio Strehler (1921-1997).

Keywords: Staging, Strehler, theatrical traditions
ABSTRACT
The findings made by some of the directors in the early twentieth century, primarily on what concerns the fusion of the tradition and innovation in artistic and pedagogical practices, already precedes some of these procedures that will feature great part of the following decades in dramatics and, in a certain way, the foundation of making a more contemporary theater. This research wants to approach the rescue for bases of theatricality aiming the renovation of theatrical art. The study of this proposal will open a large field about relations with the contemporaneous scene, that has to do with a movement that seeks renewal in theater through understanding and reinterpretation of tradition. This liability, that featured largely the modern theater, it still holds valid and it's a target of increasing artistic and academic interest. The experimentation continues with the exposed elements, held by several generations of artists and theatrical researchers, can be understood as one of the training basis of contemporary theater, characterized as one of the arts of many references and escapes any possibility of a pure notion frame of gender and style. It was decided to investigate some of these aspects in the drama procedures of Giorgio Strehler ( 1921-1997).

GÓMEZ. Máximo José. O texto como ponto de partida no processo de criacão do espetáculo Las González, de Hugo Sacciccia. Tucumán Argentina: Universidad Nacional de Tucumán. Facultad de Artes. Professor Adjunto. Facultad de Artes UNT.

RESUMO - Este trabalho apresenta reflexão sobre o processo criativo desenvolvido no espetáculo teatral Las González, do dramaturgo argentino Hugo Sacciccia. Na montagem da obra uma série de fatores estéticos e estruturais determinaram os caminhos trilhados no proceso de encenação. Dentre eles, podem ser destacados: questões concernentes às marcas identitárias contidas no texto e interessantes ao conjunto criador; a superação de uma aguda crise pela qual havia pasado o grupo; a constituicão de um elenco integrado por artistas de diferentes formações e geracões; a escolha por um texto de autor argentino cujo número de personagens não correspondia àquele do grupo; negociações políticas, estéticas e éticas pelas quais o grupo teve de trilhar no sentido de conseguir chegar ao resultado final da obra. Tais circunstâncias, agregadas ao fato de o coletivo inserir-se em proposição de teatro de grupo, acabaram por evidenciar os expedientes de que se lançou mão para tomar o texto como um desafio e ponto de partida do proceso criador e, de certa forma, colaborativo.

PALAVRAS-CHAVE: Processo criativo – Texto – Teatro de Grupo.
ABSTRACT - El presente trabajo reflexiona sobre el proceso creativo desarrollado en el espectáculo teatral Las González del dramaturgo Argentino Hugo Saccoccia. En el montaje de la obra una serie de factores estéticos y estructurales determinan los caminos recorridos en el proceso de la puesta en escena. Entre ellos se destaca cuestiones concernientes a sus trazos identitarios e interesantes para el conjunto creador: la superación de una aguda crisis grupal por la que había atravesado el grupo; constitución de un elenco compuesto por artistas de diferentes generaciones y por lo tanto con formaciones diferentes; elección de un texto de autor argentino cuya composición de personajes no coincide con la conformación del grupo; negociaciones políticas, estéticas y éticas por las que se transitó hasta llegar al resultado final de la obra. Estas circunstancias insertas en el hecho de ser el grupo un colectivo vinculado a las formas de producción del Teatro de Grupo evidencian las elecciones que hicieron del texto un desafío y el punto de partida del proceso creador y en cierta forma colaborativo.

GONÇALVES, Thaís. Processos de criação autobiográficos: a vida como obra de arte. Fortaleza: Universidade Federal do Ceará (UFC); Professora assistente; Universidade Técnica de Lisboa (UTL); doutoranda; Daniel Tércio (Orientador).

RESUMO
Qual a diferença entre dançar e mover-se? Que processos de criação demarcam uma produção em dança, na perspectiva de uma linguagem em arte, de modo a diferenciá-la de uma sequência de passos harmoniosamente executados, tal como descrevem os dicionários? Essas são inquietações que movem a disciplina História e temporalidade na dança: especificidades, ministrada na graduação em Dança do Instituto de Cultura e Arte da Universidade Federal do Ceará (ICA/UFC). Acreditando que não há separação entre teoria e prática, dança e pensamento, e trazendo a indagação da coreógrafa alemã Pina Bausch, que perguntava a cada um dos bailarinos “o que te move?”, os alunos desenvolvem uma investigação que culmina em uma composição coreográfica cujo tema é Minha historia da dança dançada por mim. Entre os referenciais artísticos, 3 Solos em um Tempo, da bailarina Denise Stutz, e o solo Isabel Torres, do criador francês Jérôme Bel. As duas composições cruzam histórias pessoais com a história da dança. Este texto apresenta o modo como os alunos elaboram cenicamente as inquietações em torno do quanto são capazes de dançar e pensar por si mesmos no sentido de uma produção em arte. Entre os referenciais conceituais, a noção de corpo com campo de forças e de vida como obra de arte, em José Gil e Michel Foucault.

Palavras-chave: dança. corpo. vida como obra de arte.

ABSTRACT
What is the difference between dance and move? What creation processes bring about a production of dance, from the perspective of a language in art, in order to differentiate it from a sequence of steps executed harmoniously as well describe the dictionaries? These are concerns that move the discipline History and temporality in dance: specificities, taught in undergraduate Dance Institute of culture and Arts of the Federal University of Ceará(ICAUFC). Believing that there is no separation between theory and practice, dance and thought, and bringing about the question of the German choreographer Pina Bausch, who used to ask each of her dancers "What moves you?" The students develop a research that culminates in a choreography whose theme is my story of the dance danced by me. Among the artistic references, 3 solos at a tempo of the ballerina Denise Stutz, and the soloist Isabel Torres, the French creator Jérome Bel. The two compositions intersect personal stories with the story of the dance.
This text presents the way students prepare scenically the concerns about how much they are able to dance and think by themselves towrds the art production. Among the conceptual references, the notion of body force field and life as a work of art, in José Gil and Michel Foucault.

Key words: dance. body. life as a work of art.

GONZÁLEZ BETANCUR, Juan David. Pressupostos para a criação do espetáculo unipessoal Meus caros amigos. Salvador: Universidade Federal da Bahia. Doutorado em Artes Cênicas. Luiz César Marfuz Alves. Bolsista CAPES-PECPG. Ator, diretor y dramaturgo.

Espetáculo unipessoal: Ator-intérprete: Ator-autor: Processos de encenação: Criação autônoma do ator.

A presente comunicação expõe os pressupostos teóricos que levaram à encenação do espetáculo unipessoal Meus caros amigos, o qual faz parte da pesquisa do Doutorado em Artes Cênicas do seu criador. Partindo do conceito de ator-intérprete e propondo a categoria de ator-autor para uma expressão cênica que leva até o limite a autonomia do ator no panorama do espetáculo unipessoal, apresentam-se a metodologia de trabalho e os conceitos-chaves que fizeram com que o exercício prático de criação cênica permitisse a reflexão sobre uma abordagem criativa autônoma com interesses autorais.

One-Man Show: Actor-Interpreter: Actor-Author: Staging Processes: Autonomus Creation of the Actor.

This paper presents the theoretical assumptions that led to the staging of the one-man show entitled Meus caros amigos, which is part of the PhD research of its creator. Based on the concept of actor-interpreter and proposing an actor-author category for a theatrical expression that leads to the limit the autonomy of the actor in the landscape of one-man show, it is presented the methodology and key concepts that would make the practical exercise of stage creation allows a reflection about a creative approach with authorial interests.

GUIMARÃES, Daniela. A Improvisação como linguagem cênica: Steve Paxton e Lisa Nelson no encontro com a Cia Ormeo (MG). Salvador: UFBA; Profa. Dra. Ivani Santana. Encenador, Cineasta, Dançarino.

Em se tratando do uso do tempo presente e da complexidade de interação de linguagens na Improvisação Cênica, dois nomes de grande importância - que estiveram em experiências variadas dos movimentos artísticos ocorridos nas décadas de 1960 e 1970 nos EUA - são os americanos Steve Paxton, bailarino, improvisador e criador do Contato-Improvisação, e Lisa Nelson, performer de Improvisação, pesquisadora e vídeo-artista. Os dois, colaboraram em diferentes momentos no Brasil com a pesquisa de Improvisação Cênica da Cia Ormeo – Cataguases, MG. Estes encontros ocorreram por meio de workshops dedicados à pesquisa minuciosa do trabalho de corpo com interesses na criação de metodologias de investigação da Improvisação na cena. Este escambo de conhecimentos com os artistas da Cia. Ormeo será apresentado por meio do relato de experiências e reflexões acerca do exercício improvisacional em três encontros distintos. Estas experiências suscitaram na Cia Ormeo modos diferenciados de percepção do movimento ao improvisar, aumento da sensibilização corporal para agir no tempo presente e descoberta de novos procedimentos metodológicos na criação. No campo teórico, estas reflexões encontram diálogo com diferentes autores da publicação da revista francesa NOUVELLES DE DANSE, 1998, que traz como tema a Improvisação; além de Caldeira, Santana, Spolin, Morin, Duck e Machado.

Palavras-chave: Improvisação cênica, tempo presente, complexidade, metodologias.

In the case of the use of the present time and the complexity of interaction of languages in Scenic Improvisation, two outstanding figures - which were in varied experiences of art movements that occurred in the 1960s and 1970s in the U.S. - are Americans Steve Paxton, dancer , improviser and creator of Contact-Improvisation, and Lisa Nelson, Improvisation performer, video artist and researcher. The two collaborated in different moments in Brazil with research Improvisation Scenic Cia Ormeo - Cataguases, MG. These meetings occurred through workshops dedicated to thorough research of the body work with interests in creating research methodologies of Improvisation in the scene. This knowledge barter with artists Cia Ormeo will be presented by reporting experiences and reflections on the improvisational exercise in three separate meetings. These experiments raised the Cia Ormeo modes for motion perception to improvise, awareness raising body to act in the present time and the discovery of new methodological procedures in creation. In theory, these deliberations have dialogue with different authors of the publication of the French magazine NOUVELLES DE DANSE which brings up the topic of Improvisation, plus boiler, Santana, Spolin, Morin, Duck, Machado.

Keywords: improvisation, present time, complexity, methods.

HADERCHPEK, Robson Carlos. Aboiá: Teatro-Ritual e Física Quântica. Natal: UFRN. Professor Adjunto; Coordenador do Curso de Teatro. Ator e diretor.

RESUMO

O presente trabalho aborda o processo de criação do espetáculo teatral “Aboiá” criado pelo Arkhétypos Grupo de Teatro da UFRN a partir de uma investigação acerca das mitologias da terra e da cultura sertaneja. O espetáculo “Aboiá” fala da terra, do sertão, das crenças e dos mitos que habitam o imaginário do povo nordestino. Um espetáculo quântico e anacrônico, que subverte a palavra em detrimento da musicalidade e da produção gutural do som, expandindo para o corpo do ator o conceito de neologismo proposto por Guimarães Rosa. “Aboiá” é fruto de um ano e meio de pesquisa e tem como foco o Teatro-Ritual e a Física Quântica. A pesquisa buscou estabelecer relações entre os fenômenos teatrais e os fenômenos quânticos, tecendo paralelos entre a cena quântica (BRITO, 2006) e a física quântica (GOSWAMI, 2007). Para tanto foi utilizada uma metodologia quântica, pautada na experiência, nos insights e no estudo dos fenômenos contando ainda com uma rigorosa pesquisa bibliográfica sobre o tema e com uma constante prática-laboratorial. O espetáculo estreou em maio de 2013 e fez duas temporadas em Natal/RN, uma em João Pessoa/PB e uma em Viena/Áustria. O intuito da pesquisa se dá numa tentativa de re-conexão do teatro com o seu sentido mais primitivo: a celebração e as leis primordiais que guiam o universo.

Palavras Chave: Teatro-Ritual. Processo de Criação. Física Quântica.

ABSTRACT

The present article discusses the creative process of the theater play “Aboiá” created by Arkhétypos Group of Theater, of Federal University of Rio Grande do Norte from a research about the land mythologies and country culture. The play “Aboiá” talks about the land, the backcountry, the myths and beliefs that inhabit the imagination of this people. A quantum and anachronic spectacle, that subverts the word and emphasize the musicality and the guttural production of the sound, expanding to the body of the actor the concept of neologism proposed by Guimarães Rosa. “Aboiá” is the result of a research realized through one year and a half and there is focuses on Ritual-Theater and Quantum Physics. The research aimed to establish relationships between the theatrical phenomena and quantum phenomena, weaving parallels between quantum scene (BRITO, 2006) and quantum physics (GOSWAMI, 2007). For the research a quantum methodology was used, based on the experience, insights, the study of phenomena, and also a rigorous bibliographical research on the subject and a constant practical laboratory. The theater play premiered in May 2013 and was presented in Natal/RN, João Pessoa/PB and Vienna/Austria. The intention of the research is an attempt to re-connect the theater with its most primal sense: the celebration and the primordial laws that guide the universe.

Keywords: Theater-Ritual. Creation Process. Quantum Physics.

HOREVICHT, Tatiana Mendes e AZEVEDO, Maria Thereza. Dramaturgia do Espectador - Uma Análise do Espaço Cênico. Cuiabá: Universidade Federal de Mato Grosso – UFMT; Mestranda; Professora orientadora Dra. Maria Thereza Azevedo. Diretora e Atriz.
RESUMO
O artigo pretende abordar questões a respeito da utilização e reorganização dos espaços cênicos em montagens contemporâneas, tomando a dramaturgia do espectador (Eugênio Barba) como fundamento para uma análise sobre as diferentes formas de recepção da obra cênica. Barba definiu ‘dramaturgia’ na chave etimológica de trabalho das ações, uma operação técnica de vários componentes da construção do espetáculo. Dentro da complexidade de organização do espetáculo evidenciou três níveis de dramaturgia, sendo uma delas a Dramaturgia Evocativa: potencia que o espetáculo tem de gerar ressonância no espectador, que por sua vez ramifica em outras três dramaturgias em que encontramos a Dramaturgia do Espectador, que está estreitamente ligada a forma de recepção do espectador, em sentido compartilhado e individual. Foram elencados três trabalhos que serão base para a análise: ‘O Guardador de Ossos’ da Cia. D’Artes – MT, ‘Hysteria’ do Grupo XIX de Teatro – SP, e um trabalho ainda em processo de montagem da performer Claudia Muller – RJ.
Palavras-chave: Espaço cênico. Dramaturgia do espectador.
ABSTRACT
The article aims to address questions about the use and reorganization of scenic spaces in contemporary mounts, taking the dramaturgy of the spectator (Eugenio Barba) as the basis for an analysis of the different forms of reception of scenic work. Barba has defined 'dramaturgy' in the etymological Key like work in actions, a technical operation of various components of the construction of the spectacle. Within the organizational complexity of the spectacle showed three levels of dramaturgy, one being the Evocative of Dramaturgy: potency the spectacle has to generate resonance in the spectator, which in turn branches into three other dramaturgy in which we find the Dramaturgy of the Spectator, which is closely linked to form of reception of the viewer, in individual and shared meaning. Were mentioned three works that will be the basis for analysis: 'The Keeper of Bones' Cia D'Arts - MT, 'Hysteria' Group XIX Theatre - SP, and a work in process of assembling the performer Claudia Muller - RJ.
Keywords: Scenic area. Dramaturgy of the spectator.

IBAÑEZ, Ana Paula. Abrindo asas: uma reflexão sobre a incidência da prática do Kalarippayatt na formação do artista da cena. Campinas:Universidade Estadual de Campinas; mestrado em Artes da Cena; Profa. Dra. Marília Vieira Soares. Atriz; encenadora.

RESUMO: Baseado em relatórios sobre as práticas de Kalarippayatt – luta marcial indiana - vivênciadas por alunos do 4º ano do curso de graduação em Artes Cênicas da Universidade Estadual de Campinas durante o primeiro semestre de 2013, e nas observações e diário de trabalho da ministrante dos encontros, este artigo pretende realizar uma reflexão sobre dois aspectos discutidos neste processo: o primeiro visa articular um questionamento sobre a leitura que os alunos fazem da prática e de que maneira a impressão fisico-mental se transforma ao longo dos encontros e, logo, a incidência desta prática sobre seus processos criativos.
Seguindo as prerrogativas do Prof. Dr. Phillip Zarrilli na utilização do Kalarippayatt como elemento para o treinamento do ator, os estudos realizados pelo Prof. Dr. Cesário Augusto Pimental Alencar nesta área dentro do Grupo de Investigação do Treinamento Psicofísico do Atuante – GITA/ ETDUFPA e a fundamentação e o reconhecimento de elementos comuns no processo criativo presente em diferentes manifestações artísitcas e culturais pormenorizados por Eugenio Barba em seus estudos de Antropologia Teatral, a ponderação sobre esta prática aplicada a um contexto específico de formação de artistas da cena visa a articulação e desenvolvimento de um pensamento que transcenda a visão de arte como puro entretenimento, transformando os alicerces das relações pré - estabelecidas entre atuante – obra – público e, consequentemente, sua reverberação no ato cênico, possibilitando que este seja um momento de reencontro , reconhecimento, renovação e ampliação do ser humano e de suas relações. A reflexão será realizada com base na analise de conteúdo proposta por Laurence Bardin.

ISAACSSON Marta. Intermedialidade na criação cênica: ator e tecnologia . Porto Alegre: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas - UFRGS; CNPq; produtividade de pesquisa 1D.

Intermedialidade; Ator; Novos Meios;Tecnologia

Da mesma forma que em nossa vida diária, a presença da tecnologia tem se tornado cada vez mais intensa nas produções cênicas contemporâneas, utilizada com maior facilidade e com finalidades muito diversas. Vê-se que emprego de novos meios na criação cênica abre à encenação a possibilidade de construir novos contratos entre o real e a ficção e aporta questões à arte do ator distintas daquelas usualmente presentes no contexto da cena tradicional. O presente estudo visa então contribuir com os processos de criação, identificando algumas das modalidades possíveis de jogos travados entre a performatividade e a representação, bem como os novos desafios apresentados aos atores, quando do emprego de dispositivos de alta ou baixa tecnologia. Para tanto, procedemos à análise de um conjunto de produções cênicas contemporâneas, examinando a forma de coligação/fusão do ator com alguns dispositivos (superfície de projeção, monitor, sensores de movimento, câmera e projetor), a relação do ator com a imagem projetada e, ainda, a função da imagem. Esta análise nos permite reconhecer, finalmente, um espectro de efeitos intermediais possíveis de serem explorados nos processos de criação.

Intermédialité; Acteur; Nouveaux médias; Technologie

Tout comme dans notre vie quotidienne, la présence de la technologie est devenue de plus en plus intense dans les productions de la scène contemporaine, utilisée avec une plus grande facilité et à des fins très différentes. L'utilisation des nouveaux médias dans la création scénique ouvre la possibilité de mettre en scène de nouveaux contrats entre le réel et la fiction et apporte des enjeux à l'art de l'acteur distincts de ceux habituellement présents dans le contexte de la scène traditionnelle. Cette étude tient pour but de donner une contribution aux processus de création, en identifiant quelques-uns des modes possibles de jeux pris entre la performativité et la représentation, ainsi que les nouveaux défis posés aux acteurs par l'emploi de dispositifs à haute ou basse technologie. À ce titre, nous avons analysé un ensemble de productions scéniques contemporaines, en examinant la forme de coalition / fusion de l'acteur avec certains dispositifs (surface de projection, moniteur, détecteurs de mouvement, caméra et le projecteur), le rapport de l'acteur avec l'image projetée et également la fonction de l'image. Cette analyse nous permet de reconnaître, enfin, un éventail d'effets

KAMLA, Renata Ferreira. Máscaras, uma possibilidade criativa para práticas cênicas. São Paulo: Escola de Comunicações e Artes, Universidade de São Paulo. Diretora, encenadora e professora de teatro.

RESUMO
Partindo das seguintes questões: Como unir os procedimentos didáticos para ensinar teatro sem perder o espetacular? O que trazer de instigante para a criação artística dos alunos aspirantes a atores? O presente texto apresenta a possibilidade da utilização de máscaras como um caminho pedagógico, facilitador e fomentador para o processo criativo do ator. Metodologia esta desenvolvida durante a pesquisa de mestrado que culminou na dissertação “Um olhar por meio de” – Máscaras, uma possibilidade pedagógica – orientada pelo professor doutor Armando Sérgio da Silva. Os estudos se apoiaram nas pesquisas pedagógicas de Constantin Stanislavski, Jacques Copeau, Jacques Lecoq e Armando Sérgio da Silva. A máscara além da utilizada no rosto também é vista como - objetos, figurinos, maquiagens e tudo aquilo que o ator puder vestir e colocar no corpo para se transvestir, servindo para o seu desenvolvimento artístico. O processo criativo fundamentou-se em duas partes definidas, a pré-expressiva composta pelas improvisações com diversas possibilidades de máscaras e a expressiva composta pela criação cênica partindo da inspiração do texto Hamlet de William Shakespeare. O amplo trabalho com as máscaras e suas experimentações trouxe outro campo de pensar e agir em relação à criação.
Palavras-chave: Máscara. Pedagogia. Ator. Criação.

ABSTRACT
KAMLA, Renata Ferreira. Masks- a creative possibility for scenic practice. São Paulo: Escola de Comunicações e Artes, Universidade de São Paulo. Director and Acting Teacher.
Starting from the following questions: How to merge teaching procedures to teach theater without losing the spectacular? What exciting elements should be brought to the artistic creation of the students aspiring actors? This paper presents the possibility of the use of masks as an educational, facilitator and stimulator path for the creative process of the actor. The methodology was developed during the master's research that culminated in the dissertation "A look through" - masks a pedagogical possibility - directed by Professor Armando Sérgio da Silva. The studies were supported in educational researches developed by Constantin Stanislavski, Jacques Copeau, Jacques Lecoq and Armando Sérgio da Silva. The mask, used not only on the face, is also seen as - objects, costumes, makeup and everything that the actor can wear to transform his appearance, serving for his artistic development. The creative process was based on two defined parts: pre-expressive composed by improvisations with various mask possibilities and expressive composed by scenic creation inspired in William Shakespeare's Hamlet. The extensive work with masks and their experiments brought another field of thinking and acting in relation to the creation.
Key-words: Mask. Pedagogy. Actor. Creation.

KEISERMAN, Nara. Somos todos um. Rio de Janeiro: UNIRIO; professor associado. Atriz e encenadora.

RESUMO
Reflexões sobre a relação do pesquisador com seu objeto nas pesquisas artísticas, como é o caso da autora, motivadas pelo Tema da VII RC. Os Temas se modificam a cada ano. Modifica-se, igualmente, o objeto pesquisado ou é o pesquisador que se move ao redor do objeto, modificando-o, de acordo com um dos princípios da Física Quântica? Produzir artigos inéditos a cada ano exige que o pesquisador não apenas se movimente, mas voe ao redor do objeto. É possível voar em profundidade? Neste ano, a Associação pede que se pontue “a pesquisa em diálogo com o mundo”, tendo como referência “a arte da cena”. Pensando com Brecht que dois indivíduos formam um coletivo e que, em certa visão de mundo, “somos todos um”, o mais simples ato criador modifica o estado da Arte. Sua propagação em ondas de pensamento é maior ou menor de acordo com a freqüência vibratória de outros que encontra no caminho. Quando pensamentos harmônicos se encontram e ações coincidem com necessidades, estes prevalecem como correntes consagradas de pesquisa e de linguagem de cena. Há, nas pesquisas artísticas, os que optam pela marginalidade, pelo diálogo sussurrado com o mundo. A pesquisa artística da autora, que busca a conceituação de um Corpo Infinito para o ator está fundada na potência do sussurrar e na crença de que somos todos um.

Palavras-chave: Pesquisa artística. Metodologia de pesquisa. Corpo Infinito.


ABSTRACT
Reflections on the relationship between the researcher and his object in artistic research, such as the author, motivated by Theme of the VII SM. The themes change every year. The object of research changes or the researcher moves around the object, modifying it, as one of the principles of Quantum Physics? To produce original papers every year requires that the researcher not only to move, but fly around the object. Is it possible to fly in depth? This year, the Association asks researchers to ponder about "research in dialogue with the world", having as reference the "art scene". Thinking with Brecht that two individuals form a collective and that in certain world view, "we are all one”, the most simple creative act modifies the state of the art. Its spread in waves of thought is bigger or smaller according to the frequency of others in its path. When encounters of harmonics thoughts take place, and actions coincide with needs, they prevail as consecrated current research and language scene. But there are the artistic researchers, who opting for marginality, by whispered dialogue with the world. The artistic research of the author, who seeks the concept of an Infinite Body for actor is founded on the power of whispering and the belief that we are all one.

Keywords: Artistic researches. Research methodology. Infinite Body.

LIGNELLI, César. A Paisagem Sonora e as sonoridades da cena. Brasília: Universidade de Brasília; Professor Adjunto.

RESUMO

A fim de abordar aspectos das sonoridades (palavra, musica de cena e sonoplastia) em seus fazeres teatrais, professores, atores, diretores e sonoplastas tem utilizado com certa recorrência no Brasil o conceito de paisagem sonora para tal fim. Esse conceito foi cunhado pelo compositor e autor canadense Raymond Murray Schafer nos anos 70 do século XX. Desde então, tem tido uma relevância considerável em pesquisas de distintas áreas de conhecimento. O presente artigo problematiza sua utilização como uma possibilidade de se refletir sobre as sonoridades da cena e algumas de suas variáveis. Para tal, são apresentadas as definições de paisagem sonora, som fundamental, marca e sinal sonoro que, na perspectiva de Schafer, compõem o conceito de paisagem sonora. Após está exposição, é realizado um cruzamento entre tais conceitos e as especificidades dos sons identificados na cena. Por fim, são realizadas apreciações sobre a efetividade do uso do referido conceito nas artes cênicas.

Palavras-chave: paisagem sonora. sonoridades da cena. palavra em performance. musica de cena. sonoplastia.

ABSTRACT

In order to approach aspects of sounds (words, music scene and sound effects) in their theatrical practice, teachers, actors, directors and sound designers have used with some recurrence in Brazil the “soundscape” concept for this purpose. This concept was coined by the Canadian composer and author Raymond Murray Schafer in the 70s of the twentieth century. Since then, it has had considerable importance on research from different areas of knowledge. This article discusses its use as an opportunity to reflect on the sounds of the scene and some of its variables. To this end, we present the definitions of soundscape, keynote, soundmark and soundsignal that, in Schafer´s view, make up the concept of soundscape. Following this exposure, we conducted a cross between such concepts and the specificities of identified sounds at the scene. Finally, we conducted assessments of the effectiveness of the use of that concept in the scenic arts.

Keywords: soundscape. sounds of the scene. word performance. music scene. sound effects.

LUCIANI, Nadia Moroz. Da luz performativa à performance da luz. Curitiba: Universidade Estadual do Paraná - Faculdade de Artes do Paraná; professora auxiliar; Universidade Estadual de Santa Catarina; mestranda em teatro; José Ronaldo Faleiro. Iluminadora.

RESUMO
O artigo deverá demonstrar as peculiaridades da adaptação do projeto de iluminação da peça teatral Disparis para a exposição Performeios, integrante do Seminário de Arte e Tecnologia da FAP em Curitiba em 2013. A iluminação, defendida como performativa segundo o conceito neófito de performatividade da luz, explorado pela autora em pesquisa recente e apresentado em artigo publicado na revista O Mosaico, teve seu caráter performático acentuado ao ser reapresentada no formato de instalação artística. Pela análise do processo de criação e execução do projeto será demonstrado, inicialmente, como a luz da peça é performada na relação com o público e demais linguagens do espetáculo de maneira a reforçar as intenções das cenas, para, em seguida, revelar como seu potencial performativo foi intensificado no conexão estabelecida com o visitante da exposição. A disposição dos elementos da instalação, composta pela projeção em grande plano de cenas do espetáculo através de uma persiana suspensa, expunha a performatividade da luz original do espetáculo e a ampliava pela nova interação instituída. Tanto persiana quanto projetor eram passíveis de manipulação pelo observador, que podia aumentar ou reduzir as frestas, alterar o foco da imagem projetada da persiana próxima para a parede distante ou interagir passivamente com os dois elementos na condição de voyeur das cenas.
Palavras-chave: Iluminação cênica. Performatividade. Instalação.

RÉSUMÉ
Cet article propose montrer les spécificités de l’adaptation du projet d'éclairage créé pour la pièce théâtrale Disparis pour l'exposition Performeios au Séminaire d’Art et Technologie de la Faculté d’Art du Paraná à Curitiba en 2013. Décrite comme performative selon le concept de performativité de l’éclairage présenté par l'auteur dans un article publié dans la revue O Mosaico, l'éclairage du spectacle a eu sa performativité accentuée sous la forme d'installation d'art. L'analyse du projet révèle, d’abord, la performance interactive de la lumière avec le spectateur et les autres éléments scéniques de la pièce, pour montrer, ensuite, comment elle a eu son potentiel performatif renforcé dans la relation avec le visiteur de l’exposition a travers l’interaction participative permise par la disposition des objets de l'installation, composé de la projection en gros plan des scènes du spectacle par un projecteur multimédia à travers un store vénitien suspendu, les deux passibles d’être manipulés par cet observateur, qui pouvait encore interagir passivement comme voyeur des scènes projetées.
Mots-clés : Éclairage. Performativité. Installation d’art.

LYRA, Luciana. Salema: processo mitodológico de criação na Escola Livre de Teatro de Santo André (ELT-SP). São Paulo: Universidade Estadual Paulista - UNESP; Profa de Artes Cênicas, do Depto. de Artes Cênicas, Educação e Fundamentos da Comunicação em Artes Cênicas; Mestre da Escola Livre de Teatro de Santo André (ELT); Pós doutora em Antropologia (USP); Doutora e mestre em Artes Cênicas (UNICAMP). Atriz, encenadora e dramaturga. GT Processos de criação e expressão cênicas.

RESUMO
Em investigação de doutorado, atrelada ao projeto temático do Núcleo de Antropologia, Performance e Drama (NAPEDRA/USP), a pesquisadora elaborou um complexo de procedimentos de criação intitulado de MITODOLOGIA EM ARTES. Este modus operandi constitui-se enquanto procedimentos de cunhos ritualísticos e míticos, que fazem eclodir pulsões pessoais e universais dos artistas. Este complexo é um caminho que o artista aperfeiçoa o pluralismo das imagens colhidas nas experiências ditas artetnográficas em contextos de alteridade. A partir de experiências mitodológicas, foram criados os espetáculos Guerreiras (2009) e Homens e caranguejos (2012). Este trabalho visa descortinar o terceiro processo criativo advindo da Mitodologia, chamado de Salema - Sussurros dos afogados, desenvolvido em 2012, com a turma de formação 13, da ELT. Baseado na obra O Capataz de Salema, de Joaquim Cardozo e em experiências artetnográficas na Ilha do Cardozo-SP, Salema é fruto de uma interação polifônica entre aprendizes com eles mesmos e a com comunidade pesquisada.

LYRA, Luciana. Salema: mythodologic process of creating the Free School of Theater of Santo André (ELT-SP). São Paulo: São Paulo State University - UNESP, Professor of Performing Arts, Depart. of Arts, Education and Communication Foundations in Arts, Master of the Free School of Theatre of Santo André (ELT), Post doctor in Anthropology (USP); Doctor and Master of Arts (UNICAMP). Actress, theater director and playwright. GT Processes of creation and expression scenic.

ABSTRACT

In doctoral research, linked to the thematic project of the Center for Anthropology, Performance and Drama (NAPEDRA / USP), the researcher developed a complex creation procedures titled MYTHODOLOGY IN ART. This modus operandi constitute a procedures ritualistic and mythical, they do hatch drives personal and universal by the artists. This complex is a perfect way that the artist collected images of pluralism of the experiences called artetnographics in contexts of otherness. From experiments mythodologics, created spectacles Warriors (2009) and Crabs and Men (2012). This study aims to uncover the third arises from the creative process mythodology, called Salema - Whispers of the drowned, developed in 2012, with the training class 13, from ELT. Based in the play intituled Taskmaster Salema, by Joaquim Cardozo and experiences in artetnographics in Cardozo Island-SP, Salema is unfolding interaction polyphonic among learners with themselves and with the community studied.

MACHADO, Maria Ângela De Ambrosis Pinheiro; Processo de pesquisa e criação cênica. Goiânia: Universidade Federal de Goiás; professora adjunta. Atriz, clown e contadora de história.
FIGUEIREDO, Valéria Maria Chaves de; Processos de pesquisa e criação cênica. Goiânia: Universidade Federal de Goiás; professora adjunta. Pesquisadora em artes cênicas.


RESUMO

Este artigo pretende apresentar uma reflexão acerca dos processos criativos e os processos educacionais desenvolvido na formação do ator em nível superior e sua repercussão na produção cultural local. As atividades de pesquisa e extensão universitárias em Goiás apresentam-se como um campo de ação da universidade necessário à formação e produção cultural no Estado. Este estudo baseia-se numa pesquisa desenvolvida acerca das histórias provenientes de Goiás e os processos de criação de dois espetáculos baseado nestas histórias e as reverberações de suas apresentações em Goiânia e no interior de Goiás. Pretende-se focar na importância da pesquisa de linguagem como fomento de novas possibilidades artísticas no contexto cultural local, bem como, na leitura crítica da produção local.

Palavras chave: pesquisa de linguagem. Criação cênica. Ação cultural.

ABSTRACT

This paper would like to show a reflexion about creative and education process developed in actor graduated formation and the rebound of this formation in local cultural production. The research and extesion activit in the UFG are important action in culture society to form and to produce artist. This stydy is based at research of Goiás's stories and their creative process to create two spectacle and their repercussion when presented in the schools in Goiânia and countryside of Goiás. It pretend to focus the language research like instigation to identify news artistics possibilities into cultural context and perception critics of cultural production.

Key bords: language research. Scenic creation. Cultural action.

MALETTA, Ernani. Ação vocal: ampliando conceitos e resgatando liberdade expressiva. Belo Horizonte: Universidade Federal de Minas Gerais; professor adjunto. Diretor musical e vocal.

RESUMO
Trata-se, em primeiro lugar, da compreensão da voz como um fenômeno que contém aspectos não necessariamente sonoros. Assim, além do som produzido pela vibração das pregas vocais, na ideia de voz deveria obrigatoriamente estar incluída a manifestação de partes ou mesmo de todo o corpo humano, do que não pode prescindir o sujeito fonador para que possa expressar os seus pensamentos, desejos, suas necessidades e os seus pontos de vista. Dessa forma, muitas vezes a ação vocal começa pela expressão do movimento do corpo, antes que qualquer – ou mesmo nenhum – som seja produzido. Com base nessa ideia, afirma-se que, a partir do momento em que aprendemos a andar e a falar, o que representaria um aumento progressivo do nosso potencial expressivo, observa-se contraditoriamente a perda contínua da nossa liberdade expressiva vocal, por estar condicionada às regras limitadoras próprias da convivência social. Para tanto, apoia-se no pensamento da pesquisadora e artista italiana Francesca Della Monica, em particular nos seus conceitos de espaço vocal histórico e espaço vocal mítico, bem como na própria pesquisa do autor deste texto, apresentando-se por fim alguns princípios que deveriam orientar o trabalho vocal no teatro.
Palavras-chave: Aspectos não sonoros da voz. Liberdade expressiva. Espaço vocal histórico. Espaço vocal mítico.

ABSTRACT
First, it is an understanding of the voice as a phenomenon that contains aspects not necessarily sonorous. Thus, beyond the sound produced by the vibration of the vocal folds, in the voice idea should necessarily be included expressions of parts or even the entire human body, without what the speaking person can’t express their thoughts, desires, their needs and their points of view. Thus, often the action begins with the vocal expression of body movement, before any – or none – sound is produced. Based on this idea, it is stated that, from the moment we learn to walk and talk, which should represent a progressive increase in our expressive potential, it takes place, contradictorily, a continued loss of our freedom expressive vocal, to be subject to limiter rules of the society. Therefor, it is based on the thought of the Italian researcher and artist Francesca Della Monica, particularly in her concepts of vocal historical space and vocal mythical space, as well as this paper author's own research, finally presenting some principles that should guide the vocal work in the theater.
Key-words: Aspects not sonorous of the voice. Expressive freedom. Vocal historical space. Vocal mythical space.

MALVEIRA, Ricardo Ribeiro. A performance popular dos Catopês: Um entre-lugar para processos cênicos. Montes Claros: Doutorando no Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas - PPGAC/UFBA; Orientadora Lucia Fernandes Lobato. Professor no Curso de Artes Teatro na Universidade Estadual de Montes Claros; Ator.
Resumo: Trata-se de uma análise do processo de criação a partir do diálogo transdisciplinar entre os saberes cênicos e o espaço festivo das performances populares brasileiras. Propomos uma análise atual que produz e reconhece saberes na negociação empírica-teórica de espaços fronteiriços, e/ou a formação de entre-lugares, muitas vezes com o surgimento de terceiros espaços, híbridos. Este estudo tem como objetivo discutir a importância das performances populares brasileiras em especial as práticas dos Catopês nas festas do Congado na cidade de Montes Claros. Trata-se de um recorte nas discussões da pesquisa de doutorado no Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia, onde somamos a disciplina Etnocenologia horizonte conceitual Antropologia, a História Oral, a Sociologia, a Filosofia, a Cultural Performance para as discussões sobre a espetacularidade dos Catopês de São Benedito e sua relação com o espaço cênico. Através da observação participante como brincante de fila e diretor deste processo analisamos os primeiros exercícios que colocam o brincante no espaço cênico. Esta proposta investigativa se justifica pelo entendimento e valorização das particularidades das performances populares brasileiras, bem como, do exercício suas potencialidades cênicas.
Palavras-chave: Entre-lugar. Catopês. Processo.
Abstract: This is an analysis of the process of creation from transdisciplinary dialogue between scenic knowledge and festive space of Brazilian popular performances. We propose an analysis that produces and recognizes current knowledge in negotiating empirical-theoretical border areas, and / or the formation of inter-places, often with the emergence of hybrids third parties spaces. This study aims to discuss the importance of Brazilian popular performances including practices of Catopês in the Congado celebrations in the city of Montes Claros. This is a cutout in the discussions of doctoral research in the Post-graduate Program in Arts of the Federal University of Bahia, where we add the discipline Ethnoscenology conceptual horizon Anthropology, Oral History, Sociology, Philosophy, Cultural Performance for discussions about the spectacle of Catopês of St. Benedict and its relation to the scenic area. Through participant observation as trifling queue and director of this process we analyze the first exercises that put the participant in the scenic area. This investigative proposal is justified by the understanding and appreciation of the peculiarities of Brazilian popular, as well as exercises their scenic potentialities.
Keywords: Entre-place. Catopês. Process.

MASCARENHAS, George. A caixa de cores da mímica corporal dramática. Laranjeiras: Universidade Federal de Sergipe; Professor Adjunto do Núcleo de Teatro; ator, diretor e mímico.
RESUMO
As questões levantadas pelo presente trabalho abordam as possibilidades de criação cênica contemporânea através de exercícios composicionais com a Mímica Corporal Dramática (MCD) de Etienne Decroux. O autor analisa algumas das críticas que consideram a MCD ultrapassada identificando as diferenças entre o estilo decrouxiano e a técnica propriamente dita para discutir perspectivas de criação desvinculadas do estilo original. A discussão surge da problemática enfrentada pelos praticantes da MCD, cuja aprendizagem se dá pelo estudo de peças e figuras criadas por Decroux, utilizadas como instrumentos didáticos. Considerando que a MCD foi construída de modo simbiótico com o estilo pessoal de Decroux, seria possível criar na técnica fora do estilo? De que modo a MCD pode ser apropriada nos processos de criação artística desvinculados do rigor do estilo decrouxiano? O texto dialoga com o discurso de Etienne Decroux, perspectivas teóricas sobre o processo criativo e experiências pessoais de criação e ensino, para investigar composições nas quais foram elaboradas partituras corporais distanciadas da poética decrouxiana. O autor se utiliza, por fim, da imagem oferecida por Thomas Leabhart (2010) – a caixa de cores de Josef Albers – para traduzir esses experimentos, apontando possibilidades de conexão da MCD com a contemporaneidade.
Palavras-chave: mímica corporal dramática, processo de criação, composição

ABSTRACT
The questions raised in this paper deal with contemporary creative processes in Etienne Decroux’s corporeal mime by using compositional exercises. The author discusses the criticism of corporeal mime as an old-school technique and identifies the differences between Etienne Decroux’s personal style and the technique itself in order to point out some possibilities of creating theatrical works disconnected from that style. The issue stems from the difficulties of corporeal mime artists who learn the technique by practicing technical procedures through artistic pieces created by Decroux. As the technique was built upon Etienne Decroux’s personal style, would it be possible to abandon the style without parting from the technique? How could corporeal mime be applied in contemporary creative processes without the rigorousness of Etienne Decroux’s style? The paper articulates Etienne Decroux’s discourse, theoretical perspectives of creative processes and the author’s personal experiences of corporeal mime to investigate the creation of “physical scores” away from the original poetics of corporeal mime. Finally, the author uses the image given by Thomas Leabhart (2010) of Josef Albers’ Color Box to discuss those experiments, pointing out some of the possibilities of corporeal mime in contemporary times.

Key Words: Etienne Decroux’s corporeal mime, creative processes, composition

MORAIS, Líria A. A conectividade expandida no artista da dança: relação sujeito-espaço-composição. Salvador: Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal da Bahia; Capes; Doutorando; Ivani Santana; dançarina, professora de dança, performer e coreógrafa.
RESUMO
Discussão sobre a conexão corpo-espaço, na perspectiva do artista da dança, quando implicado numa composição realizada em espaços alternativos. É apresentado um exemplo de exercício prático de conectividade, que parece potencializar a percepção do artista sobre o reposicionamento de si mesmo em relação ao espaço da composição em dança. Esse exemplo foi utilizado dentre outras situações, durante a condução conjunta da oficina preparatória da intervenção urbana {Pingos&Pigmentos}(Rita Aquino),Coletivo Construções Compartilhadas, projeto Palco Giratório Sesc, 2013. Propõe-se que todo lugar é um complexo de macro e micro-organização, e que o artista está inserido nesse complexo enquanto sujeito atravessado por processos perceptivos que ocorre entre sua singularidade e aquilo que está ao seu redor.
PALAVRAS-CHAVE: Conectividade. Macro e micro-organização. Percepção. Corpo-espaço. Composição em dança.
ABSTRACT
Discussion about the connection body-space, in view of the dance artist, when involved in a composition performed in alternative spaces. It is an example of the practical exercise of connectivity, which seems to enhance the perception of the artist on the repositioning of itself in relation to its composition in dance. This example was used among other situations, while driving joint preparatory workshop of urban intervention {Drops&Pigments}(Rita Aquino), Collective Shared Construction, project Stage Swivel SESC, 2013. It is proposed that the whole place is a complex macro and micro-organization, and the artist is inserted into this complex subject while crossed by perceptual processes that occurs between their uniqueness and what's around him.
KEYWORDS: Connectivity. Macro and micro-organization. Perception. Body-space. Dance composition.
RESUMÉ
Discussion à propos de la connexion corps-espace, en vue de l'artiste de la danse, lorsqu'ils sont impliqués dans une composition réalisée dans des espaces alternatifs. C'est un exemple de l'exercice pratique de la connectivité, ce qui semble renforcer la perception de l'artiste sur le repositionnement de lui-même par rapport à sa composition en danse. Cet exemple a été utilisé entre autres situations, tout en conduisant atelier préparatoire conjointe d'intervention urbaine {Gouttes&Pigments}(Rita Aquino), Collective Construction Partagée sur la scène pivot du projet SESC, 2013. Il est proposé que l'endroit est une macro complexe et micro-organisation, et l'artiste est inséré dans ce sujet complexe tout traversé par les processus perceptifs qui se produit entre leur unicité et ce qui est autour de vous.
MOTS-CLÉS: Connectivité. Macro et micro-organisation. La perception. Le corps-espace. La composition de la danse

MOURA, Luiz Renato Gomes. O processo criativo da iluminação cênica na sala de ensaio. Natal: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da Universidade Federal do Rio Grande do Norte – PPGARC/UFRN; CAPES; Mestrado; Orientador: José Sávio Oliveira Araújo; Ator, encenador e iluminador.

Iluminação Teatral. Sala de Ensaio. Interpretação Teatral.

Em um espetáculo teatral a luz cênica deve ser entendida não como um elemento separado, o seu processo criativo desenvolve-se concomitante ao processo de criação, ou seja, luz e cena necessitam ser pensadas como um processo vivo e “co-evolutivo”. Nessa perspectiva compreendemos que a luz não se articula em um espetáculo teatral como um elemento à parte, mas sim, como algo que está completamente imbricado e presente no momento em que a criação na sala de ensaio, gera cenas e constitui paulatinamente o espetáculo. Da mesma forma que um ator deve está completamente envolvido na construção de seu personagem é importante que esteja também ligado ao papel da luz na cena em que atua.

Theatrical Lighting. Rehearsal Room. Theatrical Interpretation.

In a theatrical scenic light must be understood not as a separate element, his creative process develops concomitantly with the process of creation, light and scene need to be thought of as a living process and "co-evolution". In this perspective we understand that the light does not extend into a theatrical spectacle as an element apart, but as something that is completely interwoven and this at a time when creating the testing room, creates scenes and is gradually the spectacle. In the same way that an actor must is fully involved in building your character is important that you are also connected to the role of light in the scene in which it operates.

NASCIMENTO, Juliana M. G. Carvalho. Entre o ator e o autor: reflexões sobre um processo criativo e pedagógico em teatro. Salvador: UFBA; doutorado em artes cênicas; Hebe Alves.

RESUMO
Este trabalho discute as relações de imbricação entre texto do ator, texto do autor e texto do encenador, a partir da apresentação dos percursos metodológicos do processo criativo de Amor, suor e lágrimas, experimento cênico desenvolvido junto aos alunos da disciplina Ator/texto, da licenciatura em teatro do Instituto de Cultura e Arte da UFC, em 2012.2. Esse processo se propôs a estimular a autonomia do aluno/ator no processo criativo, bem como o exercício de uma técnica de criação e codificação de ações físicas. Tendo como base a noção de dramaturgia do ator e de corpo extracotidiano, o processo se deu nas seguintes etapas: 1. experimentações corporais pré-expressivas, envolvendo o reconhecimento do corpo, modos de deslocamento, qualidades do movimento, criação de ações físicas; 1.2. improvisação sem fala, criação e elaboração de partituras de ações a partir de dois temas mote; 2. leitura e análise detalhada dos contos A ceia e Verde Lagarto Amarelo, de Lygia Fagundes Telles; 3. fusão entre a dramaturgia do ator e a do autor; 4. troca e apropriação de ações físicas entre os alunos/atores que compartilhavam do mesmo personagem. O presente trabalho abordará essas etapas e seus resultados para a construção da cena e da aprendizagem do ofício de ator.
Palavras-chave: dramaturgia do ator. Ator criador. Texto do autor.

RÉSUMÉ
Cet article traite des relations de imbrication entre le texte de l’acteur, le texte de l'auteur et le texte du metteur en scène, à partir de la présentation des voies méthodologiques du processus créatif de L'amour, de la sueur et des larmes, expérience scénique développé avec des étudiants de la discipline Acteur / texte, en la license en théâtre de l'Institut de la Culture et de l'Art de l'UFC, en 2012.2. Ce processus vise à encourager l'autonomie de l’élève acteur dans le processus créatif, ainsi que l'exercice d'une technique de création et codification des actions physiques. Basé sur la notion de dramaturgie de l'acteur et du corps extracotidiano, le processus a donné les étapes suivantes: 1. expériences pré-expressives du corps, impliquant la reconnaissance du corps, les modes de déplacement, des qualités de mouvement, la création d'actions physiques, 1.2. improvisation sans voix, création et elaboration des partitions d'actions à partir de deux thèmes; 2. lecture et l'analyse détaillée des contes La souper e Vert lézard vert, de Lygia Fagundes Telles; 3. fusion entre la dramaturgie de l'acteur et de l'auteur; 4. échange et l'appropriation des actions physiques entre les eleves acteurs qui partagent le même personnage. Cet article discutera ceux étapes et leurs résultats pour la construction de la scène et l'apprentissage du métier de l’acteur.
Mots clés: dramaturgie de l'acteur. Acteur créateur. Texte de l'auteu

OLIVEIRA, Aline Nunes. A voz do corpo-fé na construção da discursividade do ator. Campinas: Unicamp; Mestrado em Artes da Cena, orientação Prof. Dr. Mario Santana. Atriz e pedagoga teatral.

discursividade do ator, dialogismo, fé.

Esta investigação quer refletir a respeito da discursividade do ator em cena a partir do conceito de Dialogia do filósofo M. Bakhtin. Segundo esta óptica, toda palavra enunciada em cena tem uma componente gestual e entonacional, além da verbal. Da interação destas componentes é que nasce o sentido do enunciado, e o que chamaremos de “palavra-corpo”. Assim como em Bakhtin, esta pesquisa considera discurso como o resultado da interação dialógica de “vozes”. Deste modo, as principais vozes que constituem a palavra-corpo, são: a voz do corpo-matéria, do corpo-imaginário, do corpo-ideológico e do corpo-fé. Observaremos as influências da voz do corpo-fé na palavra-corpo. Analisaremos como essa voz, ligada ao conhecimento intuitivo, se relaciona com as outras vozes constituindo a faceta mais orgânica, mais "ancestral" e "irracional" da comunicação dos enunciados no teatro.

discursiveness of the actor, dialogism, faith.

The present investigation intends to reflect upon the discursiveness of the actor on stage in regards to the concept of dialogue coined by the philosopher M. Bakhtin. According to this view, every word uttered on the scene possesses gestural and intonational as well as verbal. From the interaction of these components thrives the gist of enunciation and that which we shall call “body-word”. In agreement with Bakhtin, this research considers discourse as a result of the dialogic interaction of “voices”. Thereby the principal voices that constitute the body word are as follows: the voice of the “matter-body”, the voice of the “imaginary-body”, the voice of the “ideologic-body”, the voice of the “faith-body”. We shall observe the influences of the voice of the “faith-body” in the body word. We shall analyze the how this voice, connected to intuitive knowledge, relates to the other voices constituting the most organic, ancestral and irrational aspect of the communication of enunciation in theatre.

OLIVEIRA, Cristóvão. A construção de um Espaço Particular de Trabalho a partir das singularidades do ator. Curitiba: Universidade Estadual do Paraná/Faculdade de Artes do Paraná; Professor Assistente. Ator e Diretor Teatral.


Resumo: Neste trabalho, serão abordadas algumas práticas que tomam como pressuposto o trabalho do ator sobre si mesmo no desenvolvimento de suas ações. Considerando que toda prática pessoal estabelece contornos próprios para a criação do ator, faremos um sobrevoo sobre aquilo que chamamos “espaço particular de trabalho”, um espaço pessoal de criação construído por necessidades e intensidades que oferecem ao ator a possibilidade de formalizar um trabalho que parta de sua singularidade.

Palavras-chave: Espaço Particular de Trabalho; Singularidade; Técnica Pessoal; Treinamento; Ação Física.


Abstract: This article will approach some practices that take as proposition the actor’s performance about itself in his actions development. Considering that every practice produces own lines to actor creation, we will do an overview about that we call “particular space of work”, a particular space built with necessities and intensities which offer to actor the possibility of formalizing a performance which starts from your singularity.

Keywords: Particular Space of Work; Singularity; Personal Technique; Actor Training; Physical Action.

OLIVEIRA, Luana Menezes de. Retrato do artista quando se revela: a tradução do eu na cena. Natal: Universidade Federal do Rio Grande do Norte; mestranda; CAPES; bolsista Demanda social; orientadora: Profª. Drª Karenine de Oliveira Porpino. Atriz e performer.

RESUMO

O presente trabalho se debruça sobre uma cena específica do espetáculo Retrato do Artista Quando Coisa, da Bololô Cia. Cênica, inspirado pela obra do poeta Manoel de Barros, viabilizado através do Prêmio Funarte de Teatro Myriam Muniz 2012 e dirigido pela Cia. Luna Lunera, de Belo Horizonte. A cena em questão é chamada, pela própria companhia, de Retratos do Abandono, e foi criada a partir das dramaturgias pessoais dos atores-criadores, constituindo-se como o conjunto dos autorretratos cênicos de cada ator, isto é, os atores, para escreverem poética e corporalmente a cena, serviram-se de memórias e fatos das suas próprias biografias. O trabalho analisa, assim, os principais procedimentos criativos que levaram à construção da cena, sendo estes: a apropriação do vocabulário e do linguajar de Manoel de Barros, a dessacralização dos textos, o abandono à cena e o desnudamento de si, entendendo estes procedimentos como procedimentos de tradução do “eu” na cena. Entende, ainda, que estes autorretratos são possíveis somente a partir do desnudamento e abertura emocional dos atores, que, portanto, não representam personagens, mas se revelam enquanto si mesmos, sujeitos da experiência.

Palavras-chave: Dramaturgia pessoal. Memória. Desnudamento. Tradução. Cena.

ABSTRACT

This paper investigates a specific scene of the play Retrato do Artista Quando Coisa, by Bololô Cia. Cênica, inspired by Manoel de Barros´s poetry, made possible by the prize Funarte de Teatro Myriam Muniz 2012 and directed by Cia. Luna Lunera, from Belo Horizonte. The scene is called, by the own crew, as Neglect Portraits, and it was inspired on the personal dramaturgy of the actors; and it can be understood as the totality of the scenic self-portraits of each actor, who, in order to write poetically and corporally the scene, used his or hers own memories and facts of his or hers biography. This paper analyzes the creative procedures that guided the scene´s construction – the procedures are: the appropriation of Manoel de Barros´s vocabulary and style, the text´s desecration, the neglect to the scene and the revealing of the self, studying these procedures as the translation of the self, in scene. It understands also that these self-portraits are only possible if the actors bare themselves emotionally, not representing a character, but uncovering themselves as subjects of the experience.

Key-words: Personal Dramaturgy. Memory. Denuding. Translation. Scene.

OLIVEIRA, Urânia Auxiliadora Santos Maia de Oliveira. FIGUEIREDO, Valéria Maria Chaves. Língua pra que te quero: entre personagens tipos e caricaturas. Goiânia: UFG; Professoras adjuntas.
Este resumo pretende apresentar o processo de montagem do espetáculo “Língua pra que te quero” resultado da disciplina Oficina do Espetáculo do curso de Artes Cênicas da UFG. O que foi mais intensificado no processo de montagem do referido espetáculo foi a construção de personagens. Sabemos que os personagens se dividem em simples e complexos, na peça trabalhamos com os simples que podem ser classificado em tipo e caricatura. O tipo possui determinadas características determinantes, o seu comportamento é previsível no decorrer das cenas, o que lhe atribui funcionalidade relacionando-o com o universo que o cerca. Sua utilização tem por finalidade ironizar, ridicularizar ou criticar comportamentos e pessoas de determinados grupos sociais. Para a criação dos personagens tipos e caricaturas recorremos ao método das ações físicas de Constantin Stanislavisk. Nossa pesquisa baseou-se no princípio sob o qual Stanislavski apoia sua prática teatral; uma natureza orgânica que guia a atuação do ator. Assim, trabalhamos a criação de personagens dentro dos limites físicos e psicológicos humanos. Nesse sentido, priorizamos algumas conceituações sobre o corpo e os processos de criação. Nos estudos do movimento elegemos a busca de um corpo que funda a própria cena e para tal, recorremos também ao sistema Laban.

Palavras-chave: Atuação, construção do personagem, memória, ações físicas, corpo.
ABSTRACT

This summary aims to present the process of mounting the show "language, that you want to" result of discipline atelier spectacle the Performing Arts course at UFG. What was more intensified in the assembly process of this spectacle was the construction of characters. We know that the characters are divided into simple and complex, in spectacle we work with the simple that can be classified into type and caricature. The type has certain defining characteristics, its behavior is predictable during the scenes, which assigns functionality relating it to the universe that surrounds you. Its use is intended to mock, ridicule or criticize behaviors and people from certain social groups. For the creation of characters types and caricatures resorted to the method of physical actions of Constantin Stanislavisk. Our research was based on the principle under which Stanislavski supports its theatrical practice, an organic nature that guide the actions of the actor. So, strive to create characters within the limits of human physical and psychological. Accordingly, we prioritize some concepts about the body and the processes of creating. The study of the movement seek a body that establishes the scene itself, also appealed to the system Laban.
Key words: Performance, building character, memory, physical actions, body

PEDDRON, Denise. Arte e Trabalho como Processos Criativos. Belo Horizonte: Teatro Universitário UFMG; professora, performer, pesquisadora.

RESUMO

Até que ponto a arte e o trabalho se inscrevem como instâncias definidoras do modo de ser do sujeito no mundo? A arte e o trabalho podem ser entendidos como objetos transformacionais, através dos quais o sujeito transformando a si mesmo é capaz de transformar a realidade em que se insere? A partir do conceito de "viver criativo" do psicanalista Donald Winnicott, e das impressões e memórias da experiência vivenciada na performance Jornada de Trabalho (realizada em outubro de 2012 no Jardim de Pedras da Escola de Belas Artes da UFMG) esse artigo pretende refletir sobre a vivência da arte e do trabalho como processos criativos.

Palavras chave: arte, performance, trabalho, processos criativos.

ABSTRACT

In which extent art and work can be considered defining instances of the mode being of the individual in the world? Can art and work be understood as transformational objects, through which the individual transforming itself is able to transform the reality he operates? Taking into consideration the concept of "creative living" criated by the psychoanalyst Donald Winnicott, and also the impressions and memories of the performance Workday (held in October 2012 in the Stone' s Graden of the School of Fine Arts of UFMG), this article aims to reflect on the experiences of art and work as creative processes.

Keywords: art, performance, work, creative processes.

PERES, Bruna Bellinazzi. Desvelando memórias: afetos e autobiografia na criação cênica. Uberlândia: DINTER UniRio/UFU; doutoranda; Orientador Profº Drº Narciso Telles. Dançarina.
RESUMO
O presente artigo estabelece um diálogo entre desmontagem, autobiografia e memória, tendo dois pontos principais como alicerces às discussões. O primeiro aborda uma desmontagem realizada pela autora, em disciplina, durante seu doutoramento e o segundo traz o seu olhar sobre processos de criação de discentes, realizados durante disciplina ministrada no Curso de Dança, na Universidade Federal de Uberlândia. Tanto o primeiro como o segundo ponto abordam processos que integram autobiografia e memória como fonte fundamental para a criação artística. O texto realiza breve contextualização sobre desmontagens, aprofundamento dos principais conceitos e relatos de discentes como fomento para os diálogos. Os questionamentos despertados pelos processos de criação interpelam procedimentos pedagógicos e artísticos, atravessados por memórias e afetos, potencializando a criação cênica.
Palavras-chave: desmontagem. autobiografia. memória. processos de criação.
ABSTRACT
This article establishes a dialogue between disassembly, autobiography and memory, with two main points as the foundation for discussions. The first addresses a disassembly performed by the author in discipline during his PhD and the second brings her gaze on creation processes of students, conducted during subject taught in Dance Course at the Federal University of Uberlândia. Both the first and the second point addresses processes that integrate autobiography and memory as key source for artistic creation. The text carries brief contextualization of disassembly, deepening of the main concepts and reports of students as promotion for the dialogues. The questions aroused by the processes of creation and artistic pedagogical approach procedures, crossed by memories and affections, giving power to create scenic.
Keywords: disassembly. autobiography. memory. creation processes.

RABELO, Andréa da S. O corpo do ator-clown: atuando em diferentes espaços. Salvador: UFBA, PPGAC, Mestrado, Bolsista vinculada à CAPES. Orientadora prof. Jacyan Castilho. Atriz e professora.

Este artigo é parte da pesquisa de mestrado na qual se investiga o corpo do ator-clown a partir das experiências vividas nos grupos Cia Buffa de Teatro e Viapalco. Esta pesquisa aborda questões quanto a este corpo tanto no processo de descoberta do clown pessoal através da metodologia proposta por Luis Octávio Burnier, do método de ações físicas, do estado do clown e do jogo, quanto na sua performance em diferentes espaços. Assim, neste artigo, será abordada a maneira como o ator-clown reage na atuação em espetáculos teatrais, com partituras de ações codificadas, precisão gestual e roteiros predetermindos e fixos e na rua, onde a instabilidade do espaço exige outro comportamento deste clown. Conquanto a essência do clown se mantenha a mesma, a sua energia e o seu corpo devem ser modulados, além do mecanismo de jogo e improvisação, deixando-se distintamente afetar por cada ambiente .

Palavras-chave: Clown; Espaço; Corpo; Estado de clown.

RANGEL, Juliana. Voz, Criação Sonora da Cena e Ambiente Sensível. Fortaleza: Universidade Federal do Ceará. Professora Assistente do Instituto de Cultura e Arte. Doutoranda; Orientador prof. Dr. Elvis Matos.

RESUMO

O presente resumo é um recorte e faz parte da pesquisa de doutorado em andamento da autora que trata sobre as relações ente processo de criação e pedagogias da voz nas artes cênicas a partir das experiências vocais em um ambiente sensível de criação. Tal estudo parte das seguintes questões: Que experiências sonoras do ambiente marcam o nosso corpo? Como pensar/fazer/potencializar uma experiência formativa vocal que germine em um saber sonoro para a cena? O corpo muda de estado cada vez que percebe a vida a partir das experiências que o atravessam. É essa biblioteca de experiências sensíveis que nos forma e nos transforma no processo de troca de sensibilidades com o ambiente que nos rodeia. Experiência é um território de passagem que deixa marcas, que leva o corpo a um saber próprio, subjetivo e pulsante, que abre frestas para o que ainda é incerto, desconhecido, ao que não pode ser antecipado, ao acontecimento que atravessa o corpo no tempo presente. É o corpo-vocal em conexão com um emaranhado de percepções e ações do ambiente, fazendo combinações singulares de intensidades, texturas, melodias, articulações e ressonâncias. Com e no ambiente de criação, a voz engendra novas possibilidades sonoras, desestabilizando padrões vocais cotidianos, elastecendo-os para a criação de dinâmicas de percursos poéticos da voz. Para tanto, faz-se necessário um corpo-vocal com seus canais de percepção abertos, não apenas para perceber os seus impulsos sonoros internos, como também, deixá-los transitar no constante dialogismo da ambiência sonora da cena, permitindo contaminações, misturas, mudanças de estados, de imagens e sensações surgidas a partir de encontros: do corpo-voz com os seus espaços internos, com o outro e com a percepção do ambiente que o envolve. Sendo assim, cada atuante tece a sua rede de conexões visuais, auditivas, táteis, associadas a emoções, a história de vida do corpo contaminado com o ambiente de criação. É a memória corpórea de cada atuante, a possibilidade dela estar em constante re-significação a partir da relação com o meio que, por sua vez, também muda com a interação. A Ambiência Sonora da Cena, possibilita então um modo de pensar sobre a pedagogia da voz tecida no ambiente de criação de um sujeito contemporâneo que se sabe em movimento.

Palavras-chave: Voz. Ambiência Sonora da Cena . Corpo-Vocal.

RIBEIRO, Walmeri. Performatividade e cinema: poéticas da cena contemporânea
Fortaleza: Universidade Federal do Ceará|UFC. Professora Adjunta II, coordenadora do PPGARTES ICA|UFC. Artista audiovisual.

Resumo
Pretende-se, nesta proposta de comunicação, estabelecer um diálogo entre performance, performatividade e a recente produção cinematográfica brasileira, com o intuito de investigar procedimentos de direção, composição e dramaturgia para um possível “cinema performativo”.
A pesquisadora canadense Josette Féral (2008), ao defender a ideia de um teatro performativo, pontua características deste teatro, em consonância com a produção contemporânea, que a leva a conceitua-lo como tal, pois para a autora “a performatividade está no centro de funcionamento desta produção”. Questões pontuadas por Ferál, bem como por outros teóricos, nos leva à refletir sobre as relações entre performatividade e cinema.
Para essa discussão, partimos da análise dos processos de criação e dos modos de produção de filmes brasileiros que buscam transformar o cotidiano propondo uma dramaturgia que emerge dos corpos, da ação dos atores|performers (sejam estes profissionais das artes cênicas ou pessoas comuns em suas ações diárias), entre eles “O céu sobre os ombros” de Sérgio Borges, “Girimunho” de Clarissa Campolina e Helvécio Marins Jr. e “Permanências” de Ricardo Alves Jr.
Palavras chave: Performatividade, Cinema, Ator, Processo de criação

Abstract
This communication proposal to establish a dialogue between performance, performativity and the recent Brazilian cinema, with the aim of investigating procedures direction, composition and dramaturgy for a possible "cinema performative".
A Canadian researcher Josette Feral (2008), to defend the idea of a performative theater, this theater features scores, in line with the contemporary production, which leads to conceptualize it as such, because for the author "performativity is at the center operation of this production. "Questions punctuated by Feral, as well as other theorists, leads us to reflect on the relationship between performativity and cinema.
For this discussion, we start from the analysis of the processes of creation and modes of production of Brazilian cinema that seek to transform the everyday proposing a drama that emerges from the body, the action of players | performers (be they professional performing arts or ordinary people in their daily actions), among them “O céu sobre os ombros” by Sérgio Borges, “Girimunho” by Clarissa Campolina and Helvécio Marins Jr. and “Permanências” by Ricardo Alves Jr.

Key Words: Performativity, Cinema, Actor, Creaction Process

RIVERA, Juliana Capilé; AZEVEDO, Maria Thereza. CIDADE DOS OUTROS: CONTAMINAÇÕES E PROCEDIMENTOS POÉTICOS. Cuiabá: UFMT; CAPES/FAPEMAT – Bolsa Mestrado; Orientadora Maria Thereza Azevedo;Diretora, atriz e dramaturga.

RESUMO:
Este artigo é fruto de uma pesquisa em andamento em torno das contaminações verificadas na construção do texto teatral Cidade dos Outros, de Juliana Capilé. São observadas contaminações de duas naturezas: uma ligada à história do teatro, mais especificamente o teatro do absurdo de Beckett e outra oriunda de dois movimentos culturais ocorridos em Cuiabá-MT: o Muxirum Cuiabano (1990) e o Movimento Fora-do-Eixo (2001). Citando Esperando Godot, dois personagens esperam o resultado da loteria enquanto planejam o que fazer com o dinheiro que ainda não ganharam; discutem grandes investimentos enquanto não têm o que comer. Os personagens, presos por uma corda a uma máquina de cena, se movimentam o tempo todo, girando, sem sair do lugar; uma alusão às tentativas de ampliar os benefícios das políticas culturais, mas revelando o quanto o processo pode ser infrutífero. O esgotamento e a repetição, encontrados nas obras de Beckett e discutidos por Deleuze também serão observados. O texto dramático Cidade dos Outros, carregado de contaminações e hibridismos, foi gerado por essas heterogeneidades.
Palavras-chave: Procedimento Poético. Contaminações. Texto dramático.

ABSTRACT
This article is the result of an ongoing research around the contamination found in the construction of the theatrical text City of Others, Juliana Capilé. Contaminations are observed in two natures, one linked to the history of the theater, more specifically the theater of the absurd Beckett and another coming from two cultural movements that occurred in Cuiabá-MT: The Muxirum Cuiabano (1990) and Movimento Fora-do-Eixo (2001). Quoting Waiting for Godot, two characters await the outcome of the lottery while planning what to do with the money they have not won; discuss major investments until they have enough to eat. The characters, trapped by a rope to a machine scene, move all the time, turning without leaving the place, an allusion to the attempts to extend the benefits of cultural policies, but showing how the process can fail. The exhaustion and repetition found in the works of Beckett and discussed by Deleuze also be observed. The dramatic text City of Others loaded contamination and hybridity, was generated by these heterogeneities.
Keywords: Poetical proceedings. Contamination. Dramatic text.

RODRIGUES, Leticia Maria Olivares. Da opacidade à irradiação: uma revisão sobre o significado de “energia” para o trabalho do ator. São Paulo: Universidade de São Paulo (ECA-USP); CAPES; Mestrado, Or. Profa.Dra. Sayonara Pereira.

RESUMO
Partindo dos estudos de Constantin Stanislavski sobre o ofício do ator, passando pelos avanços de Jerzy Grotowkski e chegando às formulações da Antropologia Teatral, campo de estudos fundado por Eugenio Barba (1936), busca-se isolar o conceito de energia e seus entendimentos nessa tradição. Esse termo das ciências naturais, apropriado pelo fazer teatral, está presente em qualquer ensaio ou exercício que o ator realize. O ator deve conhecer o percurso da energia em seu corpo e saber mobilizá-la em ações que transmitam externamente qualidades interiores. Revisitando os saberes estabelecidos, quais as metodologias delineadas para se trabalhar a energia e transformá-las em ação para o ator? Quem ou o que tem a acrescentar sobre isso? Em uma revisão bibliográfica, procura-se mapear o entendimento e a criação de energia no trabalho do ator em sua materialidade corporal nas ações cênicas.
Palavras-chave: Energia. Dilatação. Pré-expressividade. Treinamento.

ABSTRACT
Based on the actor's craft studies of Constantin Stanislavski, through the advances of Jerzy Grotowkski and arriving at formulations of Theatre Anthropology, research field founded by Eugenio Barba, we seek to isolate the concept of energy and their understandings in this tradition. This term from the natural sciences, adapted for theatrical process, is present in any rehearsal or exercise of an actor. The actor must know the path of energy in your body and know mobilize it into actions that transmit inner qualities externally. Revisiting the knowledge established to work the energy of the actor, which are the methodologies delineated to deal with the energy and turn it into action for actor? Who or what has to add about this? In a literature review, we try to map the understanding and creation of energy in the actor's work in his bodily materiality in scenic actions.
Key-words: Energy. Dilation. Pre-expressivity Training.

SALCEDO, Oriana. Mulher em Luta, Mulher em Guerra: Um Estudo De Caso Da Construção Da Imagem Poética Na Performance. Campinas: Unicamp; Mestrado em Artes da Cena; Professora Orientadora Verônica Fabrini. Atriz.
RESUMO
O presente trabalho traz os resultados da primeira etapa de exploração no projeto de Mestrado da autora, o qual tem como finalidade propor procedimentos que analisem, reflitam e problematizem o processo da construção da imagem poética na performance “Mulher em luta, mulher em guerra”. Esta performance busca apreender como o enfrentamento armado entre a guerrilha, o Exercito Nacional colombiano e grupos paramilitares influem nas mulheres colombianas. A primeira etapa de exploração prática deu-se no laboratório de criação IMAGEM – SENSAÇÃO – CORPO. Neste laboratório, três performers adotam a temática do impacto da guerra no corpo nas mulheres, plasmando em seus corpos a problemática do conflito armado nas mulheres colombianas; como resultado, apresenta-se uma performance intitulada “Mulher em Guerra”. Esta etapa de construção da imagem poética está apoiada na participação no Forúm pela Paz da Colômbia em Porto alegre, no documentário "Colombia. Mujeres de Fuego" e “Impunity” e nas pinturas das artistas Débora Arando e Lucy Tejada. Tem como base teórica “O imaginário” de Durand. O resultado desta primeira etapa possibilitou mapear e definir os elementos e as derivações das imagens que serão trabalhadas, bem como as formas de tratamento dos signos, articulando-os entre si de modo a problematizar a passagem destes para símbolos, com vistas a compor uma imagem poética.
Palavras chaves: Processos criativos. Imagem Poética. Performance. Conflito Armado Colombiano.
ABSTRACT
This paper presents the results of the first phase of exploration in the author's Master's project, which aims to propose procedures to analyze, reflect and problematize the process of building the poetic image performance in "Women in struggle, women in war". This performance attempts to apprehend how the armed conflict between guerrillas, the Colombian National Army and paramilitary influence in Colombian women. The first stage of practical operation occurred in the laboratory setting FILE - SENSATION - BODY. In this lab, three performers adopt the theme of the impact of war on women's bodies, shaping their bodies into the problems of armed conflict Colombian women, as a result, we present a performance entitled "Women at War." This stage of building the poetic image is supported in the participation in Forúm for Peace in Colombia and some Colombian documentary. The theoretical basis was "The imaginary" Durand. The result of this first step enabled map and define the elements and derivations of the images that will be worked on as well as the forms of treatment of the signs, linking them together in order to discuss the transition to these symbols, in order to compose an image poetic.

KEYWORDS: Creative Process - Picture Poetry – Performance - Colombian Armed Confli

SALLES, Nara. CORPOS EM REMINISCÊNCIAS. Natal: UFRN, Professora; PPGARC, Encenadora, atriz, bailarina.

Resumo: A pesquisa aborda uma série de instaurações cênicas concebidas como procedimento de processos criativos para a cena no desenvolvimento do Projeto PIBIC, que envolve pesquisa, ensino e extensão, desenvolvido no DEART/UFRN, intitulado "Processos de Criação em Arte Contemporânea: Vivenciando e Apreendendo". Sendo "Carmin" o nome escolhido para denominar a encenação que está sendo montada a partir destas instaurações e interações na rua, investigando questões acerca da memória corpóreo/vocal tendo como recorte a arte contemporânea, sobretudo as ligadas ao corpo e movimento tendo como aporte teórico a Dança Teatro, Teatro da Crueldade, Teatro Pós-Dramático; aliados a prática da cena a partir de exercícios psicofísicos e de View Points, criados a partir da observação de imagens presentes nos filmes de Pedro Almodóvar, na obra de Frida Khalo e em interações com o cotidiano das pessoas nas ruas em relação a memória dos participantes da pesquisa.

Palavras-chave: teatro de rua, corpo, movimento, memória, view points.
URBAN INTERVENTION AS CREATION FOR STAGING "CARMIN": THEORETICAL CONTRIBUTIONS
Abstract: The research addresses a series of urban interventions designed as a procedure of creative processes for the scene in the development of the Draft Integrated Academic Actions, which involves research, teaching and extension, developed in DEART / UFRN, entitled "Process of Creation in Contemporary Art: Living and Learning. "Carmin" is the name chosen to describe the that is being assembled from these interventions and interactions in the street, investigating issues about memory body / voice clipping as having contemporary art, especially those connected with the body and movement as the theoretical Dance Theatre, Theatre of Cruelty, Post-Dramatic Theatre, the practice of allied scene from psychophysical exercises and View Points, created from the observation of images present in the films of Pedro Almodóvar, the work of Frida Kahlo and in interactions with the daily lives of people in the streets and the memory of the project participants.
Key-words: street theater, body, movement, memory, view points

SARMENTO, Luiz Thomaz. Hipercoreografias: processos de criação em perspectiva. Belém: Companhia Moderno de Dança. Universidade Federal do Pará; Mestrado em Artes; Ana Flávia Mendes Sapucahy. Bolsista de Mestrado da Fundação de Amparo a Pesquisa do Estado de Pará (FAPESPA). Dançarino. Professor de Artes da Rede Municipal de Ensino de Belém.

Dança; Vídeo; Processo de criação

O presente estudo visa apresentar os resultados da pesquisa de mestrado intitulada “Hipercoreografias: corpo e imagem digital em experimentação na Cia Moderno de Dança” desenvolvida no Programa de Pós-graduação em Artes da Universidade Federal do Pará. O objetivo da pesquisa foi investigar as possibilidades de utilização de mídias móveis digitais como interfaces de criação para a dança contemporânea. Foram propostos experimentos com a Companhia Moderna de Dança, de Belém do Pará, em que sujeitos participantes vivenciaram relações de criação de imagens corporais digitais numa proposta de recriação das visões sobre corpo e a dança na composição coreográfica contemporânea. As pesquisas de movimento e criação coreográfica se davam a partir da visualização das imagens produzidas a partir do uso dialógico de mídias móveis digitais. Os experimentos intitulados “Videocoreográficos” dividiram-se em três momentos e em cada uma dessas etapas houve a criação de videodanças que foram utilizados na elaboração de uma instalação cênica interativa. O resultado estético proveniente dessa experimentação foi a hipermediação tecnológica do corpo e da dança. Prática que foi nomeada de hipercoreografia.

Dance; Video; Creative Process

This study aims to present the results of the master' research titled "Hiperchoreographies: body and digital image experimentation in Cia Moderno de Dança" developed in the Post-graduate in Arts of the Universidade Federal do Pará. The objective of the research was to investigate the possibilities about the use of mobile media as a creative interface for contemporary dance. There were experiments with the Companhia Moderno de Dança of Belém do Pará which participants experienced the creation of digital body image as a proposal to recreate visions of body and dance in the contemporary composition. The research of movement and choreography got along from the viewing of images produced from the dialogic use of mobile media. The experiments titled "Videochoreographycs" was divided into three stages. In each of these steps was the creation of videodances that were used as an interactive scenic installation in the end. The aesthetic result from this experimentation was the technological hypermediation of body and dance. A practice perspective which was named hyperchoreography.

SCHIMITH, Mateus. A noção de presença por meio de um processo artístico. Salvador: UFBA; Bolsista CAPES; doutorando; professor orientador: Luiz Marfuz; professor coorientador: Gilberto Icle. Ator, crítico e professor.

Este artigo tem como objetivo discutir a noção de presença cênica por meio da análise de um processo artístico em desenvolvimento. Diante de uma necessidade primária e infinita de delimitar a noção de presença cênica, o artigo passa por diferentes concepções desta noção, até a sua recente compreensão na prática cênica. Desta forma, observa-se a possibilidade de uma aproximação deste pensamento e experimentação no processo artístico que ainda está em fase embrionária. Assim, aspira-se uma noção de presença cênica que esteja vinculada fundamentalmente na ideia de experiência, de onde surgiram suas primeiras concepções, ainda no final do séc XIX. Confrontado com as teorias poéticas de Craig, Stanislavski e Grotowski, busca-se dialogar com a própria prática cênica, na qual se destaca a função de ator, para chegar a uma compreensão mais próxima de uma presença cênica.

SILVA, Daniel Furtado Simões. O ator e a distância de si mesmo. Pelotas: UFPel; Professor Assistente; UFMG; doutorando; Antônio Barreto Hildebrando. Diretor, ator e iluminador.

autobiografia; memória; enquadramento teatral.

Neste artigo faremos um relato do que foi observado na nossa pesquisa de doutoramento, no que toca à relação do ator com o material autobiográfico. Pudemos observar diversos processos nos quais há uma tendência, que se reflete tanto na dramaturgia teatral quanto no trabalho do ator, a se abdicar de um personagem de ficção para a utilização das memórias, das opiniões e da própria identidade do ator, criando um outro tipo de personagem, algo como uma persona de si mesmo, mas que se apresenta não como uma máscara, mas como um recorte da pessoa que é colocado em cena. Neste processo, o ator passa a tratar seu material autobiográfico da mesma maneira que trata um material ficcional: se, por um lado, este material já surge próximo à pessoa do ator, por outro a necessidade de estruturação que o enquadramento teatral pressupõe implica num distanciamento, diverso daquele que a memória acarreta. Ao falar de si mesmo e expor suas opiniões ou fatos de sua vida em cena, o ator vê-se diante da necessidade de que aqueles fatos e/ou a própria cena sejam relevantes para serem compartilhados com os espectadores, sustentando o interesse do público.

autobiography; memory; theatrical framework

In this article we report on what was observed in our doctoral research in regard to the relationship of the actor with autobiographical material. We observed several cases in which there is a tendency which is reflected in both theatrical dramaturgy as the actor's work, to give up a fictional character for the use of memories, opinions and actor’s identity, creating another type of character, something like a persona of himself, but that appears not as a mask, but as a cutout of the person who is placed in the scene. In this process, the actor moves on to his autobiographical material in the same manner that treats a fictional material: if, on the one hand, this material appears next to the person of the actor, on the other the need for structuring that the theatrical framework assumes implies a distancing , different from that memory entails. Speaking of himself and expose their opinions or facts of his life on the scene, the actor finds himself faced with the need for those facts and / or the scene itself is relevant to be shared with the audience, holding the audience's interest.

SOARES, Marilia Vieira. Corpos Estrangeiros: Análise da relação entre Memoria e Subjetividade no treinamento diário do dançarino e as prerrogativas da dança-teatro na subjetividade contemporânea”: Campinas-SP – Unicamp - Professor Permanente – Dançarina, coreógrafa. Diretora. Palavras chaves: dança-teatro; dança indiana, expressão e movimento.
RESUMO: O objeto deste estudo é o contraste existente entre o treinamento diário ou regular do dançarino e as exigências de encenação da modalidade dança-teatro, ou seja, as práticas interpretativas. Tendo como ponto de base desta análise as obras Natyshastra e Abhinayadarpanan, e o conhecimento da prática de treinamento da dança indiana de estilo Odissi, e outros estilos, estabeleceremos uma comparação e apropriação de princípios básicos do gestual humano e utilização do espaço cênico codificados nas obras em questão, e as possibilidades expressivas no desempenho de conteúdos dramáticos e suas imbricações na dança e as relações com a subjetividade contemporânea a partir da visão de Lewkowicz, Cantarelli e o Grupo dos 12 (Do Fragmento a Situação- Anotações sobre a Subjetividade Contemporânea-2003) e de Sueli Rolnik – A Geopolitica da Cafetinagem. Assim pretendemos analisar uma sistematização do gestual presente nas danças clássicas indianas, e sua função no treinamento do intérprete contemporâneo. O Natyasastra, o grande Tratado da Arte Dramática hindu, escrito em sânscrito, é um dos mais antigos textos sobre a ‘Ciência da Representação e do Gesto’ na história da humanidade. Além de conter informações relevantes à compreensão do surgimento e propósito da arte teatral, sua práxis (prayoga), apresenta em seus mais de 30 capítulos, uma coerência estética e filosófica surpreendentes, condensadas na Teoria Estética de RASA e BHAVA (cap VI e VII), alicerce da arte dramática na Índia. A confirmar esta prerrogativa temos a própria afirmação de Bharatamuni (1967): “Rasa é Natya”, deixando claro desde o início qual o foco central da arte dramática.1
Metodologia: Nos capílulos VI e VII, principalmente nos conceitos de Bhava e Rasa ( a fonte de expressão e o efeito sobre a platéia).Seus elementos constitutivos são: VRTTIS: Estilos Dramáticos, SATTVATI: Concepção Mental (O Majestoso)BHARATHI: Discurso Verbal (O Eloquente), ARABATHI: Discurso Corporal (O Energético),KAISIKI: Charme e Graça (O Gracioso). KAISIKI, o último elemento constitutivo de NATYA, acrescentado por Brahma, pode ser obtido através de: ANGAHARAS: Gesticulação dos membros criando diferentes posturas no espaço-tempo, RASA: Sentimento Estético, BHAVA: Estado Emocional, KRYIA: Atividade Física (Abhinaya). Estes itens serão analisados enquanto técnica de treinamento, compartilhando com os tratados de composição coreográfica tradicionais no ocidente e com as regra de direção teatral. Assim falaremos de Doris Humphrey, Stanislawski, Grotowsky, Eugenio Barba, e outros seguidos das reflexões geradas por anos de prática.

SOUZA, Kalisy C. e PEREIRA Sayonara. Título: Dramaturgia Corporal: Em busca de um corpo virtual. São Paulo: Universidade de São Paulo. FAPESP. Bolsista de mestrado em atividade no Programa de Pós-graduação em Artes Cênicas; Universidade de São Paulo; mestrado. Orientadora: Profa. Dra.Sayonara Sousa Pereira. Função artística: Atriz e bailarina.

RESUMO

O objetivo deste trabalho é investigar, através de uma pesquisa teórica-prática, a possibilidade da construção de um corpo virtual , conceito advindo do filósofo José Gil, como base para o desenvolvimento de uma dramaturgia corporal. É importante esclarecer que a palavra virtual, aqui mencionada, relaciona-se com o sentido de atualizar o corpo em termos de movimentos e gestos. Assim podemos nos referir a uma dramaturgia corporal que pretende encontrar no corpo as ferramentas para a construção de uma linguagem cênica, onde as metáforas corporais sejam o principal veículo de criação. Esta pesquisa tem o propósito de estudar e relacionar os conceitos e princípios sobre corpo e dança advindos do filósofo José Gil através da prática corporal de técnicas da dança e do teatro. Para tanto pretende-se investigar as técnicas de Rudolf von Laban (Tempo, Espaço, Peso e Fluxo) e a Metodologia das transferências, método da pedagogia de Jacques Lecoq na busca da construção de um corpo virtual que seja em si criador de dramaturgias corporais.

Palavras-Chaves: Corpo virtual. Dramaturgia corporal. Rudolf von Laban. Jacques Lecoq.

ABSTRACT

The objective of this paper is to investigate, through a theoretical and practical research, the possibility of building a virtual body, concept coming from the philosopher José Gil, as a basis for developing a corporal dramaturgy. It is important to clarify that the word virtual, here mentioned, relates to the sense of updating in terms of body movements and gestures. Thus we can refer to a corporal dramaturgy that intends to find in the body the tools to build a scenic language, where the corporal metaphors are the main vehicle of creation. This research aims to study and relate the concepts and principles about body and dance coming from the philosopher José Gil through the corporal practice of dance and theater techniques. To do so one intends to investigate the techniques of Rudolf von Laban (Time, Space, Weight and Flow) and the Methodology of transference, method of the pedagogy of Jacques Lecoq in search of building a virtual body that is itself the creator of the corporal dramaturgy
.
Keywords: Virtual body. Corporal dramaturgy. Rudolf von Laban. Jacques Lecoq.

T. L. E SILVA, Maicyra. Participatório: formatos de processo criativo de projetos teatrais contemporâneos. Laranjeiras: Universidade Federal de Sergipe; professora assistente. Salvador: Universidade Federal da Bahia; doutoranda; Profa. Dra. Sônia Lúcia Rangel. Diretora e performer.

RESUMO
O termo Teatro Participativo, ou de participação, no Brasil, está associado a práticas que envolvem certo engajamento político-social e que trabalham de forma direta ou indireta com a participação de comunidades ou agentes, que não são necessariamente profissionais de teatro. Essas práticas, de um modo geral, possuem como prioridade a mobilização social, o empoderamento ou a emancipação desses agentes e a aproximação entre a experiência estética e o cotidiano vivido em seus contextos específicos. Marcadamente na década de 70, ao Teatro Participativo foi também atribuído o reposicionamento do espectador como potencial ator, bem como a exploração de espaços e formatos de encenação alternativos, diante da adaptabilidade do espetáculo teatral. Seguindo essa via de entendimento, o termo Participatório visa acrescentar ao Participativo um caráter experimental, no sentido que sugere uma aproximação ao termo Laboratório. Assim, a troca de sufixo inaugura uma mudança de classificação do termo, passando de qualidade adjetivada a espaço de execução da participação e busca requalificar essa participação frente aos formatos de processo criativo praticados em projetos realizados a partir de 2001. Deste modo, o texto será guiado por leituras de autores como Augusto Boal e Claire Bishop que debatem, cada qual em sua localização temporal, parâmetros do participativo, bem como pelas noções de forma, propostas pelo filósofo Luigi Pareyson, que contribuirá para o entendimento da idéia de formato de processo criativo.
Palavras-chave: Arte engajada. Teatro de participação. Formato de processo criativo.

ABSTRACT
The term Participative Theatre, or Theater of Participation, in Brazil, is associated with practices that involve social-political engagement and the participation of communities or agents, who are not necessarily theater professionals. Notably in the 70s, to Participative Theatre was also assigned the repositioning of the spectator as a potential actor, as well as the exploration of spaces and alternative formats of staging, based on the adaptability of the theater play. This way, the term Participatory aims to add to an experimental basis to the Participative, since it suggests an approximation to the term Laboratory. Thus, the exchange of suffix operates a change of classification of the term, from adjectival quality to space of participation execution, and reclassifies such participation according to formats of creative process practiced in projects carried out since 2001.
Key words: Engaged art. Participative theater. Format of creative process.

TIBÚRCIO, Larissa Kelly de Oliveira Marques. Dança e Artes visuais: possíveis diálogos em um processo criativo. Natal: UFRN; professor adjunto.
RESUMO
A pesquisa investiga um processo de criação em dança contemporânea. Discute uma interlocução entre a dança e as artes visuais por meio da apreciação de pinturas do artista potiguar Dorian Gray Caldas e a transposição das imagens apreciadas para o trabalho coreográfico em elaboração. O processo é desenvolvido na Gaya Dança Contemporânea, projeto de extensão do Departamento de Artes da UFRN. Partindo da proposta triangular de Ana Mae Barbosa que integra o apreciar, o fazer e o compreender arte e respaldados em Laban e Pina Bausch, selecionamos 16 pinturas sobre o mar (produzidas pelo artista entre 1974-2013). As imagens foram apresentadas ao grupo para que pudessem apreciá-las e para que subsidiasse a construção das partituras de movimento. Também trabalhamos com estímulos concedidos pelas palavras “mar” e “onda” para fomentar a configuração dos movimentos dançados. O vocabulário criado vem emergindo durante o processo criativo e revela os processos de subjetivação implicados na criação. Cada dançarino anuncia um sentido ao que cria. Invoca uma razão que entrelaça o seu mundo de experiências e as experiências do outro, o mundo vivido e expresso na pintura de Dorian Gray e dos integrantes da Gaya.
Palavras-chave: Processo Criativo. Dança Contemporânea. Artes Visuais
ABSTRACT
The research investigates the process of creation in contemporany dance. Discusses the dialogue between dance and the visual arts through appreciation of paintings by the potiguar artist Dorian Gray Caldas and the transposition the images assessed for choreographic work in progress. The process is developed in Gaya Contemporany Dance, extension project of the Department of Arts UFRN. Based on the proposed triangular of Ana Mae Barbosa that integrates enjoying, making and understanding art and supported at Laban, and Pina Bausch selected 16 paintings of the sea (produced by the artist between 1974 to 2013). The images were presented to the group so they could examine them and to subsidize the construction of scores of motion. We also work with incentives granted by the words "sea" and "wave" to foster the setting movements danced. The vocabulary created has emerged during the creative process and reveals the processes of subjectivity involved in the creation. Each dancer advertises a sense of what creates. Invokes a reason that intertwines their world of experiences and the experiences of others, the world lived and expressed in the painting of Dorian Gray and members of the Gaya.
KEYWORDS: Creative Process. Contemporany Dance. Visual Arts

TOURINHO, LÍGIA. A arte da composição em Dança como práxis ideológica. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Rio de Janeiro; Professora Adjunta; Atriz e coreógrafa.

A Dança é uma práxis de vida. Todos os seus saberes e reflexões derivam da experiência e as obras de Dança são falas poéticas do, sobre e para o mundo. É impossível desassociar sua prática de uma ética de vida, de um conjunto de crenças sobre o que é a realidade, das quais fazem os nossos contextos e constituem o que chamamos de mundo. Os saberes da Dança ao longo dos tempos foram estabelecidos a partir de processos de criação – protocolos de criação. Na contemporaneidade discutir sobre a possibilidade múltipla de estruturação dos protocolos de criação dos processos artísticos tem se tornado um tópico obrigatório: o artista diante do mundo, suas ideias, questões, provocações e as muitas possibilidades de estruturações cênicas. Pesquisar a Dança à luz dessas perspectivas significa reconhecer a diversidade de poéticas e pontos de vistas que atravessam esses modos de fazer. No presente trabalho será desenvolvida uma reflexão sobre a arte da composição como potência ideológica e de pluralidade de temas e poéticas, bem como serão compartilhadas experiências e reflexões sobre a pratica docente no campo da composição coreográfica.
Composição coreográfica. Protocolos de criação. Poética.
Abstract: Dance is a way of living. All their knowledge, experience and reflections came from the Dances practices. It is impossible to disassociate their practice an ethic of life, a set of beliefs about what is reality, which make our contexts and constitute what we call the world. The knowledge of Dance through the ages were established from the process of creation - creating protocols. In contemporary discussions, the multiple creation protocols of artistic processes have become a mandatory topic: the artist and the world, his/ her ideas, questions, taunts and the many possibilities for structuring Dances. In this work will be developed a reflection on the art of composition as an ideological practice, plural of subjects and poetics. Also will be shared experiences and reflections on teaching dance composition.
Key-words: Choreography. Protocols creation. Poetics.

VALADARES, João Paulo. Borandá: Uma experiência performativa no Ateliê de Ação Física. Belo Horizonte: UFMG; Mestre; Ator, Diretor e Dramaturgo.

RESUMO

Esse estudo se propõe a análise e embasamento teórico da experiência performativa a partir do texto “Borandá” de Luís Alberto de Abreu, vivida por mim e alguns alunos da Escola Livre de Teatro durante um laboratório de investigação sobre ação física. A disciplina e trabalho contínuo empreendidos em nosso “Ateliê” transpôs o caráter puramente teatral quando deram início no Brasil, as manifestações populares onde milhares de pessoas foram às ruas reivindicar melhorias na gestão pública do país. De repente, a cena que contava a história da retirante Maria Déia que, depois de muito hesitar, se levanta e se põe a andar, seguindo viagem com a família, apresentou co-relação com a imagem das grandes passeatas. “Borandá Brasil”, Maria Déia é o país que se levantou e resolveu andar. Esteticamente, a cena que já tinha recursos do Teatro Épico, saiu do teatro e foi para o ambiente externo ganhando contornos performativos e articulação com a pesquisa “O Teatro Pós-dramático na Escola” de Carminda Mendes André (2007). A experiência trouxe-nos a instigante possibilidade de utilizar-se de técnicas de ação física em propostas estéticas contemporâneas e, conforme disse Grotowski “diferenciar técnica de estética”.

Palavras-chave: Processo de Criação. Ação Física. Teatro Performativo.


VALADARES, João Paulo. Belo Horizonte: UFMG; Master; Luis Otávio Carvalho; Actor, Directorand, Playwright.

Abstract

This study proposes the analysis and theoretical base of experience "performative" from the text "Boranda" of Luis Alberto de Abreu, lived by me and some students of the Free School of Theater during a research laboratory on physical action. The discipline and continuous work undertaken in our "Atelier" transcended the purely theatrical character when they started in Brazil, the popular demonstrations where thousands of people took to the streets claiming improvements in public sector management in the country. Suddenly, the scene that told the story of Maria Déia retirante that, after much hesitation, raises and if poe to cycling, following trip with the family, showed correlation with the image of the great marches. "Boranda Brazil", Maria Déia is the country that raised and solved walk. Esthetically, the scene that already had the resources of the Epic Theater, came out of the theater and was for the external environment gaining contours performatives and articulation with the concept of "Post-dramatic Theater in School", as advocated by Carminda Mendes André (2007). The experience has brought us the instigating possibility of using techniques of physical action in contemporary aesthetic proposals and, as he said Grotowski “differentiate technique of aesthetics".

Keywords: Creation Process. Physical Action. Theater Performative.

VARGENS, Meran. A escuta nas ações interativas. Salvador, Ba; Professora Adjunto III da Escola de Teatro da Universidade Federal da Bahia; PPGAC- UFBA; atriz, diretora teatral, coreógrafa, dramaturgista, coordenadora e diretora da Cia. de Teatro Os Bobos da Corte.

RESUMO
O artigo aborda a experiência cênica interativa presente no espetáculo “Qualquer coisa a gente inventa”. Trata-se de uma sessão de “contação” de histórias inventadas na hora com a participação do público. Parte-se de algumas estratégias cênicas e a narrativa da história segue a partir de intervenções e interações entre a contadora e os ouvintes. Aqui, será apresentada a preparação técnica para o improviso, as linhas mestras para a manutenção da narrativa, os modos de incentivar a participação, os valores da atividade e da passividade na interatividade ao vivo. Como eixo condutor estão os exemplos retirados das 17 apresentações realizadas nos Teatros Gamboa Nova, Vila Velha, Sitorne (Salvador-BA), alem de apresentações em espaços alternativos e em outros estados como RJ e CE, as quais, todas, foram documentadas em vídeo.

Palavras-chave: Narradores. Contadores de História. Improvisação. Voz. Ator-criador.

VARGENS, Meran. Listening in interactive actions. Salvador, Bahia; Associate Professor III at the Theater School, Federal University of Bahia (PPGAC-UFBA); actress, theater director, choreographer, dramaturgist, coordinator and director of Os Bobos da Corte Theater Company.


ABSTRACT

This article relates to an interactive stage experience which takes place in the play “Qualquer coisa a gente inventa”. This is a session for telling stories which are invented on the spot with audience participation. It starts off with some stage strategies and the storyline follows on from interventions and interactions between the storyteller and those who are listening. Technical preparation for improvisation, guidelines for maintaining a narrative, forms of encouraging participation, values of the activity and passiveness in live interaction will be presented here. Examples taken from seventeen presentations held at the Gamboa Nova Theater, Vila Velha, Sitorne (Salvador, Bahia), and in alternative theatre space in different States in Brazil (Rio de Janeiro e Ceara) which were all documented on video are the guiding axis.

Keywords: Narrators. Storytellers. Improvisation. Voice. Actor-creator.

VIEIRA, Brisa de Oliveira. As marcas dos corpos observados e o processo criativo de “Isabelita”. Campinas: Unicamp; FAPESP; doutoranda; Prof. Dra. Suzi Frankl Sperber; atriz

RESUMO

O trabalho a ser apresentado propõe um recorte do projeto de doutorado “Isabelita, Memória e Humor”. O projeto tem como parte de seu objeto a análise dos processos de composição da figura e do espetáculo solo “Isabelita”. A figura Isabelita foi composta com base na recolha de memórias de Isabel, senhora moradora do Lar dos Velhinhos de Campinas e Honorina, senhora moradora do distrito de Santiago do Iguape (Recôncavo Baiano). Ao apresentar parte do material de recolha da pesquisa de campo e leituras sobre a realidade das senhoras observadas serão investigadas marcas de seus corpos que possam ter servido de suporte para o processo criativo. Temos como hipótese que do quase paradoxo entre sofrimento, humor, invisibilidade social - marcas, dos corpos observados - surgiram os principais temas desenvolvidos na dramaturgia do espetáculo. Muitas das impressões que só puderam ser capturadas pelo olhar da atriz e que estão no limite entre realidade e ficção foram os pilares para a construção de Isabelita. Para apresentar uma leitura que dê conta das complexidades da figura é necessário antes investigar as complexidades do seu universo referencial que deram margem à ficção.

PALAVRAS-CHAVE: Processo criativo. Atuação. Memória.

VIEIRA, Brisa de Oliveira. The Marks of Observed Bodies and the Creative Process of "Isabelita". Campinas: Unicamp; FAPESP; PhD candidate supervised by Prof. Frankl Suzi Sperber; actress

ABSTRACT

The work to be presented presents a set of issues developed within the ongoing PhD project "Isabelita”, Memory and Humor. Part of the project is to analyze the production process of the character and solo performance "Isabelita”. The character Isabelita was developed based on the collection of memories of Isabel, an old lady who lived at the Old Peoples' Home in Campinas, and Honorina, an old lady who lived in the district of Santiago do Iguape (Reconcavo Baiano). In the presentation of the material collected during fieldwork and based on readings on the reality of the ladies observed, I will investigate bodily marks that may have served to support the creative process. My hypothesis is that out of the almost paradoxical relationship between suffering, humor, and social invisibility – marks of the bodies observed – I have come to the main themes developed in the performance. Many of the impressions that could only be captured by the actress’s gaze and which are on the borderline between reality and fiction were the pillars on which the character Isabelita was built. In order to present a reading that takes the complexities of the character into account, it is first necessary to investigate the complexities of the universe of references that made it possible to turn it into fiction.

KEYWORDS: Creative process. Acting. Memory.

VIEIRA, Sulian. Noções de forma na Teoria Estética de Theodor Adorno. Brasília: Universidade de Brasília. Universidade de Brasília; Professora Assistente 3. Doutoranda do Programa de Pós-graduação em Arte da UnB; Orientadora Roberta Matsumoto. Atriz.

RESUMO

Ao reconhecer a forma estética como agregadora e produtora de sentido, Theodor Adorno equaliza a suposta diferença entre os enfoques da forma e do conteúdo, estendendo o domínio da forma ao domínio do sentido no intuito de superar os limites coercitivos do pensamento idealista que restringiriam o sentido somente ao conteúdo. Assim, o conceito de forma enquanto “significado sedimentado” habilita o seu reconhecimento como dimensão material do conteúdo. Enquanto o texto teatral no ocidente foi considerado como elemento coativo por algumas tendências do teatro moderno e contemporâneo, não sem motivos, a palavra tem sido pouco apreciada enquanto forma e associada estritamente ao conteúdo e à racionalidade abstrata. No contexto de produção teatral a partir de um texto teatral pré-definido, o conceito de forma permite o contato com textos teatrais a partir de sua dimensão formal, como propostas de agenciamentos com os corpos de atores, diretores e público.

Palavras-chave: Forma. Theodor Adorno. Materialidade. Texto teatral.

ABSTRACT

By recognizing the aesthetic form as aggregative and meaning producer, Theodor Adorno equalizes the supposed difference between the approaches to form and content, extending the domain of form to the domain of sense in order to overcome the limits of coercive idealist thought that would restrict the meaning only to the content. Thus, the concept of form as "sedimented meaning" enables its recognition as the material dimension of the content. While the theatrical text in the West was considered as coercive element by some trends of modern and contemporary theater, not without reason, the word has been underappreciated as form and strictly linked to the content and abstract rationality. In the context of theatrical production based on a pre-defined theatrical text, the concept of form allows contact with theatrical texts from its formal dimension, as assemblage’s proposals with the bodies of actors, directors and audiences.

Keywords: Form. Theodor Adorno. Materiality. Theatrical text.

VILELA, Paula. Marcas contemporâneas na cenografia e na espacialidade cênica da Cia dos Atores. Rio de Janeiro: UNIRIO; mestranda; Capes; orientadora Lidia Kosovski. Atriz e arquiteta.

A espacialidade cênica contemporânea possui mecanismos e artifícios que desdobram a cena teatral em diversos possíveis espaços, tempos e significados. Assim como os outros elementos da construção teatral atual, a cenografia também participa da cena de maneira a conceber espaços e estruturas cênicas que recolocam o papel da visualidade para além do palco, produzindo e abrindo caminho para a ampliação da percepção do espectador. Tanto no que diz respeito à sua elaboração, quanto à sua percepção, a cenografia contemporânea adquiriu mecanismos que partilham a cena de maneira múltipla. Seus artifícios não estão mais a serviço da realização de um obra fechada em suas formas e sentidos. Eles agora respondem à um discurso cênico aberto, mutante e mutável, a partir do olhar e das potencialidades da cena. Dessa maneira, temos como objeto de análise e objeto do nosso olhar uma companhia de teatro carioca que se dedicou intensamente à pesquisa de uma linguagem aberta e preocupada em desvendar e expor seus próprios artifícios teatrais, em uma constante pesquisa cênica que se apresenta diante dos espectadores como espetáculo teatral. Uma companhia que sempre investigou possíveis linguagens através do metateatro e da elaboração que se expõe e se revela diante da plateia, a fim de produzir um teatro a partir do questionamento constante sobre o próprio fazer teatral e seus limites: a Cia. dos Atores. Nesse sentido, direcionaremos o nosso olhar para dois espetáculos do grupo: “A bao a Qu” (1990) e “Ensaio.Hamlet” (2004) a fim investigar como a cenografia desses espetáculos explora os conceitos que estão sendo abordados neste estudo.
PALAVRAS-CHAVE: Cenografia Contemporânea, Cia dos Atores, teatro pós-dramático, pós-estruturalismo.

VILLANOVA, Pâmella. Feminilidade dissonante em cena: uma exploração andrógina do mito de Helena de Tróia. Campinas: UNICAMP; Mestrado em Artes da Cena; Verônica Fabrini. Atriz.
 
Esta investigação pretende explorar imagens da androginia na abordagem da personagem Helena de Tróia. As imagens andróginas revelam o que está à margem da normatividade, da relação direta entre o sexo e o gênero do sujeito. Como via de acesso às polaridades feminino/masculino, intrínsecas ao andrógino, este trabalho filia-se, no campo teórico, aos estudos sobre o imaginário de Gilbert Durand, os quais abarcam as ambiguidades e paradoxos próprios da imagem, apresentando um contraponto ao raciocínio binário típico da lógica. Neste trabalho, é fundamental a aceitação das ambiguidades, próprias da imagem, afirmando-a como forma de conhecimento. Narrativas imagéticas são parte estruturante do imaginário e, portanto, da identidade cultural (e de gênero). O mito de Helena de Troia, material desta investigação, é a primeira referência de feminilidade retratada pela poesia da sociedade ocidental. Helena tem características marcadamente femininas, mas também aparece como figura dissonante por apresentar certos aspectos mais ligados ao que é considerado como masculinidade. Em uma investigação prática, o mito é trabalhado a partir da tragédia “As Troianas”, de Eurípedes e dos estudos históricos de Bettany Hughes; confundindo masculino e feminino, borrando as fronteiras entre homem-mulher e problematizando a relação ator-personagem.
Palavras-chave: Ator. Polaridades. Andrógino. Helena de Troia.
ABSTRACT
This research aims to explore images of androgyny in the exploration of the character Helen of Troy. Androgynous images reveal what is on the fringes of normativity, of the direct relation between the sex and gender of the subject. As a gateway to the polarities female / male, intrinsic to the androgynous, this work is affiliated to Gilbert Duran, which span the ambiguities and paradoxes particular to the image, presenting a counterpoint to the binary reasoning typical of logic. In this work, is fundamental the acceptance of ambiguity, claiming the image as a form of knowledge. Imagery narratives are structuring part of the imaginary and therefore of cultural identity (and gender). The myth of Helen of Troy - the material in this research - is the first reference of femininity portrayed by the poetry of Western society. Helen has markedly female characteristics, but is a dissonant figure to present certain aspects linked to what we consider as masculinity. In a practical investigation, the myth is crafted from the tragedy “The Trojan”, by Euripides and studies Bettany Hughes; confusing male and female, blurring the boundaries between man and woman and questioning the relation between actor and character.

Key-words: Actor. Polarity. Androgyne. Helen of Troy.

WILDHAGEN, Joana. Dinâmica das formas: uma narrativa mitológica feminina. Campinas: Unicamp; bolsista CAPES; realizando doutorado; Professor Orientador Dra. Marília Vieira Soares. Dançarina, Escritora e Instrutora de Shivam Yoga.

Resumo: este trabalho apresenta os resultados parciais da pesquisa “Dinâmica das formas: dança, escultura e espaços sagrados”, que se propõe a investigar os temas do erotismo, do sagrado e do feminino, a partir da interface entre literatura, escultura e dança na Índia. O estudo inclui uma revisão da tradição literária de caráter erótico-devocional, como o poema Gita Govinda, de Jayadeva, composto no séc. XII, e a análise das relações entre as esculturas de corpos femininos dos templos hindus e as técnicas das danças odissi e bhrathanatyam. Pretende-se elaborar uma narrativa, de caráter mitológico, que será o mote para a criação de uma dança cênica. O processo de criação inclui a prática de algumas técnicas do yoga, quais sejam: ativação dos centros energéticos (chakras), exercícios com imagens (yantras), vocalizações (mantras), trabalho gestual (mudras).

Palavras-chave: Criação em Dança – Escultura – Erotismo - Yoga

Abstract: this paper presents the partial results of the research "Dynamic forms: dance, sculpture and sacred spaces," which aims to investigate the themes of eroticism, the sacred and the feminine, from the interface between literature, sculpture and dance in India. The study includes a review of the erotic-devotional literature tradition, exemplified by the poem Gita Govinda of Jayadeva composed in the 12th century, and the analysis of the relations between the sculptures representing female bodies in Hindu temples and the techniques of the dances Odissi and Bhrathanatyam. Thereafter, a narrative with mythological features will be designed for the creation of a scenic dance. The creation process includes some yoga techniques such as: the activation of the energy centers (chakras), exercises with images (yantras), vocalizations (mantras), imposition of gestures (mudras).

Keywords: Dance Creation – Sculpture – Eroticism – Yoga