Territórios e Fronteiras 

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ALEIXO, Fernando Manoel. Práticas e Poéticas Vocais nas Artes Cênicas. Uberlândia: UFU; Professor efetivo. Ator.

Voz. Fala poética. Performance vocal

A pesquisa Práticas e Poéticas Vocais nas Artes Cênicas é um projeto desenvolvido junto a um grupo de pesquisa do Curso de Teatro da Universidade Federal de Uberlândia. O trabalho organiza um conjunto de atividades de investigação sobre o trabalho do ator, a partir da perspectiva do estudo de técnicas e de estéticas vocais. Mais precisamente, o processo objetiva sistematizar uma análise teórico-prática sobre a construção de repertórios técnico-poéticos do ator - envolvendo aspectos pedagógicos, de criação e performáticos - a partir do aprofundamento de um princípio o qual denominamos “sabedoria sensível do corpo”. A etapa já percorrida debruçou-se na ação de mapear, colher dados, analisar e promover práticas de investigação para o aprofundamento do trabalho vocal, no contexto das diferentes dinâmicas e realidades de atuação de grupos de teatro da cidade de Uberlândia. Ainda, foi desenvolvida a pesquisa sobre a performance vocal enfatizando a questão da voz falada e cantada, que gerou o espetáculo "Botequim" e a desmontagem "Rústico Ser". Parcialmente, estão sendo sistematizados resultados prático-reflexivos das vivências do grupo e das sessões de apresentação dos trabalhos.

Voice, Poetic speech, vocal performance

The Research “Practice and Vocal Poetry in Performing Arts” is a project developed with a research group from the Theatre Course at Uberlândia´s Federal University. Such work organizes a number of research activities on the actor's work, from the perspective of technical study as well as vocal aesthetic. More precisely, the process aims to systemize a theoretical and practical analysis on building the actor´s technical and poetic repertory - involving pedagogical aspects of creation and performance – through the deepening of a principle which we call "sensible wisdom of the body". The stage which has already been accomplished leaned into the action of mapping, collecting data, analyzing and promoting practical investigation to investigate the vocal work in the context of different dynamics and realities of performance among theater groups in Uberlândia. In addition to that, a research was developed on the vocal performance emphasizing the issue of spoken word and sung word, which engendered the play called "Botequim" and the disassembly of the play "Rustic Being." Some practical-reflective results of the group´s experiences and presentation of work sessions are being systematized.

ALMEIDA, Karina Campos de. Reflexões sobre a intersecção entre arte e vida a partir das Performances de Um Ano de Tehching Hsieh. Campinas: UNICAMP. Instituto de Artes; Doutorado em Artes da Cena; Matteo Bonfitto Junior. FAPESP; Bolsa de Doutorado. Dançarina, coreógrafa e professora de dança contemporânea.

artes da cena, performance, contemporâneo, vida e arte.

Pretende-se discutir sobre a intersecção entre arte e vida na contemporaneidade através de uma breve análise da obra criada pelo artista taiwanês-americano Tehching Hsieh,intitulada “One Year Perfomance 1980 – 1981”. A partir dessa série de ações performativas de Tehching Hsieh serão discutidas questões relacionadas a este tipo de investigação criativa do performer que se dá sobre e a partir dele mesmo, que se coloca em experiência para a elaboração de um trabalho. Suas cinco “Performances de Um Ano”, consideradas precursoras neste tipo de trabalho que envolve uma investigação acerca da resistência física e dos limites do próprio corpo em situações adversas, revelam a sua concepção de arte e vida como processos indissociáveis.

performing arts, performance, contemporary, art and life.

It is intended to discuss the intersection between art and life in contemporaneity through a brief analysis of the work created by Taiwanese American artist Tehching Hsieh entitled "One Year Perfomance 1980 - 1981." From this series of Tehching Hsieh performative actions, this paper will discuss some issues related to this kind of creative investigation that happens through the performer who places himself in experience to do a work. Tehching Hsieh’s five "One Year Performances", considered precursors for this kind of work that involves an investigation of physical resistance and also the limits of his own body in adverse situations, reveal his art and life conception as indissociable processes.

ARAÚJO, Rummenigge M. Gerald Thomas: arqueologias, citações e autorreferências na (des)encenação do mundo. Natal-RN: UFRN; doutorando; Alex Beigui. Ator e encenador.

RESUMO
Quando o encenador Gerald Thomas, desponta no Brasil, no fim da década de 1980, parte do público brasileiro, assim como parte da crítica especializada demonstra dificuldade em situar, localizar e contextualizar as obras do encenador. Quase todos os seus processos criativos se constituem a partir de um ato de autocitação e autorreferência, uma vez que para ele não há fronteiras, entre a vida (em todas as suas esferas) e a arte, entre o criador e a criatura. São empregados na utilização desse diálogo entre mundo e cena, além das temáticas humanistas, todos os recursos tecnológicos vigentes e disponíveis no momento, como por exemplo, a voz gravada em playback, recurso de voz off (distorções, amplitudes, equalizações, transformações animalescas e barulhos), duplicação do corpo por projeções imagéticas, música instrumental, a composição visual constituída por paisagem sonora, fumaça, refletores e iluminação detalhada juntamente com disposição do espaço, numa configuração de enquadramento, favorável ao ver. Tudo isso, configura-se como os aspectos técnicos e ferramentais das encenações de Thomas na (des)encenação do mundo em solo brasileiro, há pelo menos, três décadas.

Palavras-chaves: Gerald Thomas, paisagens visuais, autorreferências.

ABSTRACT
When the director Gerald Thomas, emerging in Brazil, in the late 1980s, part of the Brazilian public, as part of critics demonstrates difficulty situate, locate and contextualize the works of the director. Almost all his creative processes are constituted from an act of self-citation and self-reference, since for him there are no boundaries between life (in all its spheres) and art, between creator and creature. Are employed in the use of such a dialogue scene between world and, in addition to thematic humanists, all existing and technological resources available at the time, such as the recorded voice playback, voice feature off (distortion, amplitude, equalization, and animalistic transformations noises), the body duplication by projected imagery, instrumental music, visual composition comprising soundscape, smoke, reflectors and lighting along with detailed layout of the space, setting a framework favorable to see. All this is configured as the technical aspects of tooling and staging of Thomas in (un) staged the world on Brazilian soil for at least three decades.

Keywords: Gerald Thomas, visual landscapes, self references.

AYRES, Amanda Aguiar. Diferentes Qualidades de Presença em Processos Composicionais Interconectados. Brasília: Universidade de Brasília. Universidade do Estado do Amazonas, Professora do Curso de Teatro. Professora- Pesquisadora - Artista e Diretora.

Prática artística. Telepresença. Mediação tecnológica. Formação de professores.

O estudo apresentado teve por objetivo o desenvolvimento e a análise de práticas artísticas realizadas através da mediação tecnológica com enfoque na utilização da telepresença. A pesquisa contemplou três experimentos didático-pedagógicos desenvolvidos com professores de teatro em formação. Os processos viabilizaram três propostas práticas diferenciadas com o uso da telepresença que, entre outros aspectos, permitiram em seu contexto amplo a interação entre atores em qualidades de presença diferenciadas (presentes fisicamente e telepresentes), a recepção de diferentes espectadores (presentes fisicamente e internautas) e a ampliação espacial das obras de modo a considerar a relação entre humanos e máquinas em processos composicionais interconectados.

Artistic practice. Telepresence. Technological mediation. Teacher education.

The objective of this research is to analyze the development and artistic practices implemented via technological mediation with a focus in telepresence. The research included three didactic-pedagogical experiments developed with theater teachers while in the process of teacher education. These processes made possible the development of three practices using telepresence which allowed the interaction among actors in the modality of physical presence and telepresence. These practices amplified the notion of space allowing to consider the relation humans and machines in creative and interconnected processes.

AZEVEDO, Maria Thereza – Cidade, performance, situacionismo: uma atriz num contexto de feira em ação do Coletivo à deriva. Cuiabá: UFMT, professor adjunto do Programa de Pós Graduação Em estudos de Cultura Contemporânea. Doutora em Artes Cênicas.
O coletivo à deriva, ligado ao Grupo de Pesquisa: Artes híbridas, intersecções contaminações transversalidades, do Programa de Pós Graduação em Estudos de Cultura Contemporânea, ECCO da UFMT promove ações performáticas e intervenções na cidade de Cuiabá. As ações são trabalhadas como criação de situações que são base para pesquisa e reflexão sobre o tema da arte como experiência e o estar junto na cidade. Esta comunicação se propõe a refletir sobre uma ação realizada no Mercado do Porto, que teve a participação de 43 artistas e não artistas, confluindo artes cênicas, musica, literatura, dança, vídeo, artes plásticas. O foco estará na ação de uma das atrizes que perambulou pelo mercado como um Chapeuzinho vermelho, “menina de rua” que pedia dinheiro com um bilhetinho “mal escrito” para uma cirurgia que ia tirar a avó da barriga do lobo.A partir do registro em vídeo foram observados os desdobramentos desta situação. Deleuze, Guattari, Richard Schechner e Guy Debord nos ajudarão a pensar. Palavras-chave: Cidade, performance, situação, coletivo à deriva.
City, performance, situacionismo: an actress in a context of fair in Coletivo à deriva. The Coletivo à deriva connected to the Research Group: Arts hybrid, intersections contamination transversal demandings, Postgraduate Program in Studies of Contemporary Culture, ECCO the UFMT promotes performing actions and interventions in the city of Cuiaba. The actions are worked as creation of situations that are basis for research and reflection on the theme of art as experience and being together in the city. This communication proposes to reflect on an action performed in the Harbor, which had the participation of 43 artists and non artists, were found performing arts, music, literature, dance, video, visual arts. The focus will be on the action of one of the actresses that perambulou by the market as a red Riding Hood, "street girl” who asked for money with a whatever way "poorly written" for a surgery that would take the grandfather of the belly of the wolf. From the video recording were observed the ramifications of this situation. Deleuze, Guattari,Richard Schechner and Guy Debord's will help us to think. Keywords: City, performance, situation, coletivo à deriva.

BALESTRERI, Silvia. Máquina atorial e agenciamentos maquínicos: pesquisa para-além do diálogo. Porto Alegre: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas e Departamento de Arte Dramática da UFRGS; professor adjunto.

RESUMO
A tentação de estabelecermos finalidades e boas intenções em qualquer investigação enfraquece a (in)exata contribuição que uma pesquisa da cena pode produzir no mundo acadêmico e na sociedade mais ampla - nos repertórios sociais. Esta comunicação pretende retomar o estudo da máquina atorial Carmelo Bene, assim chamada pelo próprio artista e por alguns estudiosos que o conheceram, para discutir como uma arte da cena e sua pesquisa podem funcionar como agenciamento maquínico - um conceito deleuze-guattariano - “na vida acadêmica e para além dela”, numa abordagem que não tem por base o diálogo, mas multiplicidades e acoplamentos.
Palavras-chave: Máquina Atorial. Carmelo Bene. Agenciamento Maquínico

RESUMÉ
La tentation de se fixer des objectifs et d’afficher les bonnes intentions dans toute recherche affaiblit les apports réels que les investigations sur les arts du spetacle peuvent produire dans le milieu universitaire et dans la société en général – les soi-disant répertoires sociaux. Cette communication se propose de reprendre l'étude de la machine actoriale Carmelo Bene, ainsi nommé par l'artiste lui-même et par des chercheurs, a fin de discuter la façon dont une scène peut fonctionner "dans la vie universitaire et au-delà" comme ce que Gilles Deleuze et Felix Guattari ont appellé un agencement machinique. Cette approche n’est pas fondée sur le dialogue, mais sur les multiplicitées et les accouplements.
Mots-clés: Machine Actoriale. Carmelo Bene. Assemblage Machinique

BEIGUI, Alex. Dramaturgia do Imediato: o facebook e a dinâmica do diálogo vitual como forma de presentificação do sujeito no pós-drama. Natal: UFRN; professor adjunto. Ator, encenador e escritor.

Palavras-chave: Dramaturgia. Conectividade. Facebook. Processo criativo

"RESUMO
Para além da “teatralidade” e da “performatividade”, encontramos como modo operacional do diálogo em redes sociais, uma dramaturgia calcada na conectividade. Este trabalho busca apontar os elementos presentes na escrita interativa, assim como os seus modos de relação presencial e não presencial, a saber: dissolução e apagamento da escrita; modos de comunicação (direta e indireta); desvios da função meramente comunicativa da linguagem; arquivo e modos de registro efêmeros; co-participação e mobilidade discursiva. No que diz respeito à comunicação, é importante perceber os modos de atuação dos agentes do discurso em relação à permanência e aos seus processos relacionais de subjetividade. Para tanto, faz-se necessário compreender o espaço de conectividade interposto nos diferentes modos de atuação do sujeito, seus níveis de imersão e de fuga frente à linguagem cotidiana, dita e tida como não metafórica, não literária, não artística e não estética. A segunda etapa da pesquisa visa à construção de uma encenação/teleperformance baseada no processo de evolução do drama a partir de diálogos interativos, cujos efeitos dramáticos e teatrais serão observados em cena. "

Mots-clés: Dramaturgie. Connectivité. Facebook. Processus créatif

"RÉSUMÉ
En plus de la «théâtralité» et «performativité», a constaté que le mode de dialogue dans les réseaux sociaux, une connectivité trottoir dranaturgia. Ce document vise à identifier les éléments présents dans l'écriture interactive, ainsi que leurs modes de visage et non-visage relation, à savoir la dissolution de l'écriture et l'effacement, les modes de communication (directe et indirecte); écarts par rapport à la fonction purement communicative de la langue, le fichier et les modes d'enregistrement éphémère, co-participation et dircursiva de mobilité. En matière de communication, il est important de comprendre les modes d'action des agents du discours par rapport à sa permanence et processus relationnels de la subjectivité. Par conséquent, il est nécessaire de comprendre la portée de connectivité apporté dans différents modes de fonctionnement de l'objet, leurs niveaux d'immersion et d'échapper avec impatience le langage courant, parlé et pas vu comme une métaphore esthétique, pas littéraires et pas artistiques. La deuxième étape de la recherche vise à construire une mise en scène/Teleperformance basée sur le processus d'évolution de l'art dramatique de dialogues interactif. "

BELÉM, Elisa. O estímulo à autoria e a criação a partir de saberes básicos. Campinas, UNICAMP – Universidade Estadual de Campinas; FAPESP; Doutorado em Artes da Cena (em andamento).

Resumo
O conceito pulsão de ficção (SPERBER, 2009), indica o caráter de superação e de elaboração de emoções profundas presentes no ato de criar. Tais aspectos mostram a importância do estímulo ao desenvolvimento da autoria. Esse aspecto será verificado na arte brasileira tomando-se como exemplos obras da dançarina Dudude Herrmann (BH, MG), Enrique Diaz (RJ, RJ) e Lygia Clark (BH, MG). Os artistas indicados desenvolvem ou desenvolveram trabalhos que apresentam aspectos que podem ser relacionados aos chamados saberes básicos ou universais (SPERBER, 2009): “simbolização”, “efabulação” e “imaginário”. Os universais, comuns a todos os indivíduos, uma vez estimulados podem proporcionar obras e poéticas particulares. Os trabalhos de Herrmann, Diaz e Clark mostram caminhos percorridos que podem estimular novas criações.
Palavras-chave: Autoria, criação, ficção.


Abstract
The concept of fiction pulse (SPERBER, 2009), indicates the character of overcoming and elaborating deep emotions in the act of creating. Those aspects show the importance to encourage the development of authorship. This aspect will be checked in Brazilian art taking as examples works by the dancer Dudude Herrmann (BH, MG), Enrique Diaz (RJ, RJ) and Lygia Clark (BH, MG). The nominees develop or developed works which aspects can be related to so-called basic knowledge or universals (SPERBER, 2009): "symbolization", "efabulação" and "imaginary". The universals, common to all individuals, once stimulated can provide particular works and poetics. The works of Herrmann, Diaz and Clark show paths taken that can stimulate new creations.
Key-words : Autorship, creation, fiction.

BONFITTO, Matteo. Abstract: “O Performer como Filósofo da Prática”. Campinas: Universidade Estadual de Campinas; Professor Associado MS-5; CNPq, Bolsa de Produtividade em Pesquisa PQ 2.

Performer.Ação.Intenção.Filosofia.

"Se considerarmos o modo como alguns performers desenvolveram seus trabalhos artísticos desde o início do século XX é possível reconhecer uma exploração feita por eles de práticas associadas com diferentes campos do saber tais como a filosofia antiga Ocidental. Como descrito por Michel Foucault a Pierre Hadot, a produção da dessa filosofia - Grega, Helenista e Romana - envolvia um trabalho que não era somente especulativo. O aprendizado e o estudo da filosofia naquele tempo era acentuadamente prático e a ideia de filosofia como modo de vida estava no centro desses estudos. Após analisar alguns aspectos do trabalho desenvolvido por Marina Abramović e tendo experienciado pessoalmente a sua performance “The Artist is Present” reconheço possíveis tensões e conexões entre as práticas propostas por ela e práticas desenvolvidas no campo da filosofia antiga Ocidental.
Dentre as implicações que podem emergir dessa proposta uma delas merece destaque: a percepção do performer como um filósofo da prática. "

Performer.Action.Intention.Philosophy

"If we consider the way some performers have developed their artistic work since the beginning of the twentieth century it is possible to recognize an exploration by them of practices associated with different fields of knowledge, such as ancient western philosophy. As described by Michel Foucault and Pierre Hadot, the production of ancient western philosophy (Greek, Hellenistic and Roman philosophy) encompassed a work that was not just conceptual and speculative whatsoever. The apprenticeship and study of philosophy at that time was very practical and the idea of philosophy as a way of life was at the centre of their study. After analysing some aspects of the work developed by Marina Abramović and having experienced personally her performance “The Artist is Present” I recognize possible tensions and connections between practices proposed by Abramović and practices developed in ancient western philosophy.
Amongst the implications that can emerge from this proposal one of them deserves to be highlighted: the perception of the performer as a practical philosopher.

BRASIL, A.C.C.A. Título:"Relações ente a biopotência e experimentação do movimento na dança". Campinas:Unicamp; Fapesp; Doutorado; Renato Ferracini.
RESUMO:
O presente texto pretende tratar das relações possíveis entre os conceitos de biopolítica e biopotência, à luz dos escritos de Gilles Deleuze e Peter Pál Pelbart, à experimentação do movimento proposta pela Técnica Klauss Vianna de dança, na qual a conscientização do movimento e a prática de experimentação constante do mesmo possam acentuar a pesquisa e a criação na dança. Tendo como referência a noção de mente corpórea proposta por cientistas cognitivos contemporâneos como Antônio Damásio, pretende-­‐se que assuntos como a imaginação e o pensamento possam ser redimensionados se tratados como processos incorporados em que, inclusive, a subjetividade humana possa ser pensada a partir da prática de estudos sobre o movimento que a dança pode permitir. Partindo destas discussões abrem-­‐se outros assuntos a respeito de como as práticas de ensino na dança podem se relacionar a princípios de treinamento no teatro; e em como suas práticas e princípios fazem parte de seus modos de fazer-­‐pensar a dança.
PALAVRAS-­‐CHAVE: Biopolítica. Dança. Imaginação. Subjetividade. Princípios.
BRASIL, A.C.C.A. Title: "Foreign entity biopotency and experimentation of movement in dance." Campinas Unicamp, FAPESP, PhD; Renato Ferracini.
SUMMARY:
This paper aims to address the possible relationships between the concepts of biopolitics and biopotency, the light of the writings of Gilles Deleuze and Peter Pál Pelbart, experimentation motion proposed by the Técnica Klauss Vianna dance, in which the awareness of movement and practice of experimentation constant may even accentuate the research and creation in dance. Referring to the concept of mind body proposed by contemporary cognitive scientists like Antonio Damasio, it is intended that issues such as imagination and thought can be resized if treated as processes embedded in it, including human subjectivity can be conceived from the practice studies on the movement that dance can allow. Based on these discussions open up other issues about how teaching practices in dance can relate to training principles in the theater, and how its principles and practices are part of their ways of thinking to make the dance. KEYWORDS: Biopolitics. Dance. Imagination. Subjectivity. Principles.

BRIONES, Héctor. Alcances políticos do corpo da cena: reflexões sobre o espetáculo Sin Sangre, do grupo chileno Teatro-Cinema.Fortaleza: Universidade Federal do Ceará; professor adjunto. Ator e diretor.
RESUMO
Este trabalho faz parte de uma pesquisa que pretende discutir a articulação entre‘cena, poeira e exceção’ no contexto do teatro latino-americano nestes últimos anos,sendo parte da elaboração de um pós-doutorado acerca do teatro nas vanguardas latino-americanas e seus possíveis desdobramentos poético-políticos na contemporaneidade. Derivação da minha tese de doutorado –“A cena como saber da perda:traços alegóricos e políticos no teatro latino-americano contemporâneo”– o presente trabalho quer continuar a indagar na(s) força(s) crítica(s) da práticas teatrais latino-americanas nas sociedades democráticas atuais. Ao serem pensadas a partir de sua multiplicidade, de sua característica micro-poética– pode-se pensar com o investigador teatral argentino Jorge Dubatti – lançando mão da hibridização com outras artes, da fragmentação,da intertextualidade, esta práticas cênico-teatrais muitas vezes dão a perceber uma sensibilidade social à tona com uma visão instável do mundo. Há nestes espetáculos uma fina sensibilidade para com às vozes mudas, às imagens recalcadas, às dimensões marginalizadas do presente, na sua própria condição de alteridade, provocando um diferimento no presente, no que este tem de estabelecido. Com a investigadora teatral brasileira, Sílvia Fernandes, pode-se perceber que estes espetáculos se defrontam (em um face a face que designa o jogo imagético e sensorial desta prática poético-política) com um ‘estado público que está além das possibilidades de representação’. É isto o que se quer pensar aqui com o espetáculo chileno Sin Sangre, indagando como isto interfere na sua dinâmica cênica (representação ou apresentação?), sobretudo pela fusão que esta obra teatral (algo que o grupo faz questão de reforçar) realiza com a linguagem cinematográfica. Esta peça põe em cena um jogo audiovisual que muitas vezes confunde o espectador se está vendo teatro ou cinema. Nesta indecidibilidade está em jogo outra indecidibilidade, mas agora de ordem sociopolítica e já indicada no título, Sin Sangre (sem sangue), apontando para um estado de perigo social, de assassinatos ideológicos, de perdas. Pode-se ler aqui uma tensa relação com o que vem sendo pensado na atualidade como ‘estado de exceção’, do modo proposto pelo filósofo italiano Giorgio Agambem ao refletir nas sociedades democraticamente protegidas. Aqui se refletirá em como Sin Sangre provoca uma abertura crucial, cuja força política é da ordem do deslocamento, do presente no presente, delineando um risco poético em um limiar histórico, não linear e sim múltiplo.
Palavras-chave: teatro, cena, política, história e exceção.

BRITO, Marcelo Sousa. Abraçar a cidade: a prática alimentando reflexões. Salvador: Universidade Federal da Bahia (UFBA); Capes; Bolsa de Doutorado; Doutorando em Artes Cênicas; Orientação: Eliene Benício; Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas; Ator e diretor teatral criador do Coletivo Cruéis Tentadores/BA.

Palavras-chave: teatro: cidade: reflexão compartilhada.

"RESUMO

Este artigo traz, a partir de reflexões de um grupo de pesquisadores do GT Territórios e Fronteiras da Cena, uma análise de abordagens práticas na produção de conhecimento. Lançando mão do uso da cidade como gerador de estímulos, parte do grupo decidiu deixar a sala de reunião e se lançar numa vivência da cidade como possibilidade de fazer dialogar todos os anseios e processos presentes nos textos e pesquisas de cada um dos participantes. Diante da heterogeneidade do grupo e a crise existente dentro do próprio GT quanto ao formato de apresentação de trabalhos no Congresso da Abrace 2012 é que foi possível chegar a essa metodologia anárquica que este artigo apresenta. "

Mots-clés: théâtre: ville: réflexion partagée.

"RESUMÉ

Cet article presente, à partir des reflexions d´um grupe de chercheurs du GT Territoires et Frontières de la Scène, une analise des approches pratiques dans la production des connaissances. En utilisant la ville comme le générateur de stimulus, le groupe a décidé de quitter la salle de réunion et de se lancer dans l'expérience de la ville en tant que possible de parler de tous les désirs et les processus présents dans les écrits et les recherches de chaque participant. En face de l'hétérogénéité du groupe et de la crise en cours au sein du groupe sur le format de présentation de communications au congrès ABRACE en 2012 qu'il a été possible d'atteindre cette méthodologie anarchiste que cet article présente. "

BULCÃO, Heloisa Lyra. A arte de Luiz Carlos Ripper hoje, para além do seu tempo. Rio de Janeiro: UCAM; professora; UERJ; pós-doutoranda; Prof. Inês Barbosa de Oliveira. Cenógrafa e designer.

RESUMO
Luiz Carlos Ripper, para além da inovação na poética do espaço em sua obra cenográfica para cinema e teatro, tem aqui revisitado seu pensamento, em destaque no que se aproxima da visão contemporânea da inserção da arte na sociedade como forma de emancipação e desenvolvimento social. A não hierarquização dos conhecimentos, a ecologia de saberes, na visão de Boaventura de Sousa Santos, que busca nas matrizes geradoras de nossa cultura e nas práticas cotidianas as fontes para a criação não só estética, bem como de metodologias de produção artística são práticas constantes encontradas no registro de suas iniciativas, vivenciadas também no meu convívio com o artista e pensador. O estudo de sua prática, para além do seu tempo, traz subsídios para o desenvolvimento artístico e social na atualidade.
Palavras-chave: Luiz Carlos Ripper. Arte e sociedade. Emancipação e ecologia de saberes.

ABSTRACT
Luiz Carlos Mendes Ripper, in addition innovation in the poetics of space in his work for film and theater scenography, has revisited here the record of his thinking, highlighted in approaching the contemporary view of the insertion of art in society as a form of emancipation and social development. The non-hierarchical organization of knowledge, knowledge ecology, in the vision of Boaventura de Sousa Santos, seeking the generator matrices of our culture and daily practices sources to create not only aesthetic, as well as methods of artistic production are practices constantly found in the records of his initiatives in his personnel file, also lived in the experience I had with the artist and thinker. The study of his practice, beyond his time, brings benefits to the artistic and social development today.
Keywords: Luiz Carlos Ripper. Arts and society. Emancipation and knowledge ecology.

RÉSUMÉ
Dans ce travaille, la façon de penser de Luiz Carlos Ripper est revu, au-delà de l'innovation dans la poétique de l'espace dans son travail scénographique pour le cinéma et le théâtre. L'approche est la vision contemporaine de l'insertion de l'art dans la société comme un moyen d'émancipation et le développement social. L'organisation non-hiérarchique de la connaissance, l'écologie de la connaissance, dans la vision de Boaventura de Sousa Santos, que cherche les matrices génératrices de notre culture et les pratiques quotidiennes non seulement comme sources esthétiques, mais aussi comme pratiques méthodologiques de production artistique, ce sont constamment trouvées dans la mémoire de ses initiatives, aussi bien que dans mon expérience avec l'artiste et penseur. L'étude de sa pratique au-delà de son temps, apporte des avantages pour le développement artistique et social aujourd'hui.
Mots-clés: Luiz Carlos Ripper. Art et société. Emancipation et écologie de la connaissance.

CAETANO, Patricia. O devir das práticas de dança na contemporaneidade: derivações somático-dançantes de uma corporeidade em estados afetivos. Fortaleza: Universidade Federal do Ceará; Professora. Dançarina e performer.

RESUMO

Este texto pretende apresentar a influência da educação somática no fazer da dança na contemporaneidade, lançando um olhar sobre algumas derivações somático-dançantes provenientes de tal aproximação. Para tanto serão apresentadas reflexões surgidas a partir da análise de quatro conversas-entrevistas realizadas com dançarinos franceses, nas quais os mesmos discutem a influência da abordagem somática Body Mind Centering (BMC) em seus trabalhos artísticos e em suas vidas. Em suas narrativas, os artistas afirmam a emergência de uma corporeidade rica em meio a estados afetivos múltiplos, evidenciando a construção de uma micro-política do corpo que faz da dança lugar ético, estético e político.

PALAVRAS-CHAVE: dança. educação somática. body mind centering. devir. corporeidade afetiva.

RÉSUMÉ

Ce texte cherche à présenter l'influence de l'éducation somatique dans l’acte de la danse à l’âge contemporaine en jetant un regard sur quelques dérivations somatique-dansantes à partir de ce même approche. Pour ce faire, nous présenterons les réflexions issues de l'analyse de quatre conversations- entretiens avec des danseurs français dans lequelles ils discutent l'influence de l'approche somatique du Body Mind Centering (BMC) dans leur œuvre et dans leur vie. Dans leurs récits, les artistes affirment l'émergence d'une corporeité riche au milieu de multiples états affectifs, montrant la construction d'une micro-politique du corps qui rend la danse un lieu éthique, esthétique et politique.

MOTS-CLÉS: la dance. l’education somatique. body mind centering. devenir. la corporeité afective

OLENDZKI, Luciane. Repensar-se, reescrever-se: a forma de escrita de teses e dissertações acadêmicas engendra qual diálogo com o mundo e qual concepção de mundo? Campinas/SP: Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP); CAPES/CNPq; Doutoranda em Artes da Cena; Orientador: Mário Santana. Atriz, palhaça e professora de teatro.

RESUMO
Este ensaio desenvolve algumas reflexões sobre a forma de escrita de teses e dissertações, a fim de pensar possibilidades de formas de escritura que possam vir a ter maior correspondência com conteúdos, materialidades, processos e formas de expressão das artes da cena, tais como o jogo, a fabulação e a performatividade, no âmbito da pesquisa acadêmica. Sendo a linguagem escrita (e lida) o que dá forma e expressão ao “corpus” teórico das pesquisas acadêmicas, pretendemos abordar perspectivas não apenas sobre o conteúdo do que é escrito, mas especialmente sobre as formas de escritura, como formas de pensar, articular e agir em relação a determinados conteúdos e experiências – o que pode efetivar não apenas diálogos e interações com o mundo, mas também engendrar concepções de mundo. Para tal, partimos de estudos sobre a performatividade da linguagem (Austin), a crítica literária (Barthes), a filosofia (Nietzsche e Deleuze) e de alguns exemplares de teses e dissertações brasileiras, como a dissertação de mestrado da autora.
Palavras-chaves: Escrita performativa. Dramatização filosófica. Escrita acadêmica.

OLENDZKI, Luciane. Repenser, Réécrire: la forme de l’écriture de théses et dissertations universitaires produit quel dialogue avec le monde et quel vision du monde? Campinas/SP: Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP); CAPES/CNPq; Doctorat Arts de la Scène; Tuteur: Mário Santana. Atriz, palhaça e professora de teatro.

RESUMÉ
Cet article presente quelques réflexions sur le formes d’écriture des dissertations et thèses universitaires, afin de penser autres formes de l’écriture qui peuvent avoir une plus grande correspondance avec des contenus, processus, materiaux et formes d’expression des arts de la scène, comme le jeu, la fabulation et la performativité. Parce que le langage écrit et lu est ce qui donne forme et expression au “corpus” théorique de las recherches universitaires, nous avons le intention d’aborder quelques perspectives qui tiennent compte non seulement le contenu de ce qui est écrit, mais surtout sur les formes d’écritures comme des façons de penser, d’articuler, d’agir par rapport à certains contenus et expériences – qui peuvent effectuer des dialogues et interations avec le monde, ainsi que, construire diverses visions du monde. Pour cella, nous avons compté sur contributions issues des études sur la performativité du langage (Austin), la critique littéraire (Barthes), la philosophie (Nietzsche e Deleuze) et quelques exemples de thèses et dissertations brésiliens, comme le mémoire de master de l’áuteur.
Mots-clés: Écriture performative. Dramatisation philosophique. Écriture academique.

COSTA, Maria Helena Braga e Vaz da. Hibridismos Narrativos: Misturas de Ficção e Documentário no Cinema Brasileiro Contemporâneo. Natal: Universidade Federal do Rio Grande do Norte. Professora Associada II do Departamento de Artes – UFRN; Bolsista PQ – CNPq

Cinema Brasileiro; Ficção; Documentário; Hibridismo Narrativo

"RESUMO:
Este trabalho apresenta uma análise da forma que se dá a relação entre as narrativas documental e ficcional em dois filmes da cinematografia brasileira contemporânea: Jogo de Cena (Eduardo Coutinho, 2007), e O Céu Sobre os Ombros (Sérgio Borges, 2010). A intenção aqui foi investigar e definir até que ponto é possível considerar e se referir, no caso desses filmes, a uma hibridização narrativa. "

Brazilian Cinema; Fiction; Documentary; Narrative Hybridism

"ABSTRACT:
This paper presents an analysis of the ways in which it is constructed the relationship between fiction and documentary narratives in three Brazilian contemporary films: Jogo de Cena (2007) and O Céu Sobre os Ombros (2010). The aim here has been to investigate and to define to which extent it is possible to consider and to refer, in the case of these films, to a hybrid narrative. "

COSTA, Paulo Henrique Dias. Teatro Digital: derivas teatrais na poética virtual através das novas mídias. Salvador: PPGAC-UFBA; Doutorando; Bolsista CNPQ; Doutorado; Orientador Prof. Dr. Luiz César Marfuz. Encenador e Designer de Novas Mídias.

Trata-se da apresentação dos resultados parciais do primeiro ano da pesquisa de doutoramento desenvolvida no PPGAC-UFBA que investiga as relações entre o teatro e as novas tecnologias digitais. De caráter teórico-prático, esta pesquisa abrange três pontos distintos: a construção de uma cena digital háptica; as possibilidades improvisacionais do ator nesta cena interativa; e os impactos decorrentes deste encontro sobre a dramaturgia da cena operando em espaços digitais. Nesta primeira fase da pesquisa um programa computacional, de código aberto, foi desenvolvido para projeção mapeada sobre cenários, estando em fase de “beta teste” disponível para download na internet. Além disso, algumas instalações interativas foram desenvolvidas para se testar a codificação de cena, bem como experimentar o comportamento desta cena ativa na relação com os atores. Atualmente iniciar-se-ão as observações das possibilidades improvisacionais nas construções de cenas dentro destes espaços digitais.

Palavras-chave: teatro digital, novas mídias, interatividade, dramaturgia


This is the presentation of partial results of the first year of doctoral research developed in PPGAC-UFBA that investigates the relationship between the theater and the new digital technologies. Of theoretical and practical, this research covers three distinct points: the construction of a haptic digital scene; improvisational possibilities of actor in this interactive scene, and the impacts of this meeting on the drama of the scene operating in digital spaces. In this first phase of the research a software, open source, has been developed for projection mapping on scenarios and is undergoing "beta test" available for download on the internet. In addition, some interactive installations have been developed to test the digital scene, as well as experience the behavior of this active scene in relation to the actors. Currently start will be the observations of improvisational possibilities in the construction of scenes within these digital spaces.

Palavras-chave: digital theatre, new media, interactivity, dramaturgy

CUNHA R. O., Erika C. Projeto Exilius, avançar é preciso. Campinas: Instituto de Artes da Universidade de Campinas; Fapesp; Doutoranda; Profa. Orientadora: Verônica Fabrini Machado de Almeida. Atriz e Pesquisadora.


RESUMO
O Projeto Exilius é um dos estudos de caso da pesquisa da doutoranda Erika Cunha, com orientação da Profa. Dra. Verônica Fabrini, denominada Front(eiras): dramaturgias entre o real e o imaginário. Procura-se com este estudo, uma reflexão crítica sobre processos criativos que utilizam fatos verídicos mesclados à ficção, borrando os limites entre o vivido e o inventado, na busca por uma dramaturgia cênica que oscila entre o fato histórico e a experiência mítica. Nesse artigo, faço um recorte da pesquisa e exponho como a pesquisa de campo (realizada entre os anos de 2011 e 2012 na Itália e nos acampamentos de refugiados Saharauis, no deserto Argelino) interferiu e modificou a dramaturgia do espetáculo Exilius (Grupo Matula Teatro, com atuação de Erika Cunha e direção de Alice Possani).
Palavras-chave: Saharaui. Processo criativo. Projeto Exilius. Imaginário. Fronteira.


ABSTRACT
Exilius Project is a case study of research doctorate Erika Cunha, with guidance Creal and the imaginary. This research aims for a critical reflection on the creative processes that use true facts merged with fiction, blurring the boundaries between the living and the invented, in the search for a scenic drama that oscillates between historical fact and mythical experience. In this paper, it´s part of a research and expose them as the field survey (conducted between the years 2011 and 2012 in Italy and in the Saharaui refugee camps in the Algerian desert) interfered and changed the drama of the play Exilius (Grupo Matula Teatro, acting Erika Cunha and Alice Possani as director).
Key-words: Saharaui. Creative process. Exilius Project. Imagery. Border

DA COSTA, José. (José da Costa Filho). Apropriações do Comum pelo Teatro do Presente. Rio de Janeiro: UNIRIO.
Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro; Professor Associado 1; CNPq; bolsista Produtividade nível 2.

RESUMO
A comunicação vai investigar o teor político singular das artes da cena no presente. Os exemplos artísticos poderão vir do campo do teatro, das ações e intervenções urbanas, da performance e da dança. Estará em foco a ideia de que a dimensão política ou ética da arte contemporânea parece dizer respeito às múltiplas irrupções do real no espaço da teatralidade ou da ficção. O teor político da cena contemporânea também estará sendo verificado no que tange à variadas formas de apropriação (e questionamento/estranhamento) do comum pelo teatro e, de modo mais amplo, pelas manifestações performáticas. O comum se associa com a ideia do ordinário, mas também do comunitário; do singular e do coletivo; do privado e do público. O comum diz respeito aos modos de agir e aos ritmos corporais; às vivências do cotidiano e às maneiras de experimentar o tempo; às estruturas da ficção e aos usos da história pela cena teatral.
PALAVRAS-CHAVE: Micropolítica; subjetividade; teatralidade.

RESUMÉ
La communication étudiera la dimension politique singulière des arts scéniques au présent. Les exemples artistiques peuvent provenir du domaine du théâtre,les actions et les interventions urbaines, de la performance et de la danse. Mettra l’accent sur l’idée que la dimension politique et ethique de l’art contemporain semble se rapporter aux multiples irruptions du réel dans l’espace de la théâtralité ou de la fiction. Le contenu politique de la scène contemporaine est également en cour de vérification en ce qui concerne les différentes formes d’apropriation (et questionements, distanciation) du commum par le théâtre et, plus largement, les manifestations performantiques. Le commun est associé à l’idée de l’ordinaire, mais aussi de la communauté; du singulier et le collectif, le privé et le public. Le commun se réfère à les manières d’agir et aux rythmes corporels, les expériences quotidiennes et les façons de vivre le temps; les structures de la fiction et les usages de l’histoire par la scène théâtrale.
MOTS CLÉS: micropolitique; subjectivité; théâtralité

DUENHA, Milene Lopes. Quando os corpos são capazes de gerar acontecimento: Possibilidades de abordagem da presença em relação. Florianópolis: Universidade do Estado de Santa Catarina – Programa de Pós-Graduação e Teatro; Mestranda; Prof.ª Orientadora Dra. Sandra Meyer Nunes.


RESUMO

Este escrito discute o corpo na contemporaneidade, contemplando a presença enquanto possibilidade relacional entre corpos em devir. O trabalho faz conexões entre referências da arte, da filosofia e da ciência na intenção de aproximação com a noção de embodiment, articulando teorias de Alain Berthoz, António Damásio, José Gil, e Sandra Meyer Nunes. A noção de contemporâneo é ilustrada com textos de Pierre Levy. O artigo também traz o relato de uma experiência pessoal com o grupo La Pocha Nostra, direcionando o olhar para performance art a partir de uma abordagem de Eleonora Fabião.


Palavras-chave: Corpo. Embodiment. Presença. Relação.


ABSTRACT

This writing discusses the body in contemporary, contemplating the presence while relational possibility between bodies of becoming. The work makes connections between references of art, philosophy and science with intention to getting closer the embodiment notion, articulating theories of Alain Berthoz, Antonio Damasio, José Gil and Sandra Meyer Nunes. The notion of contemporary is ilustrated with texts by Pierre Levy. The paper also provides an account of a personal experience with La Pocha Nostra Group, directing the gaze to performance art from an approach of Eleonora Fabião.

Keywords: Body. Embodiment. Presence. Relation.

FERNANDES, Ciane. Princípios Contextuais da Pesquisa Somático-Performativa. Salvador: Universidade Federal da Bahia; professor associado IV; CNPq; bolsista de produtividade em pesquisa IC. Performer e coreógrafa.

Pesquisa Somático-Performativa. Integração. Poéticas da Diferença. Ecologia Profunda. MIT disciplinariedade.

Apresentação dos quatro princípios contextuais da Pesquisa Somático-Performativa, com demonstração nas pesquisas em desenvolvimento no PPGAC/UFBA, especialmente nas pesquisas de campo do Laboratório de Performance na Chapada Diamantina, Bahia. Até o presente momento, identifiquei vinte princípios em processos somático-performativos: quatro fundantes, doze temáticos, e mais quatro contextuais. Estes últimos relacionam a abordagem a outros campos do conhecimento de forma mais explícita e criam um todo inter-relacional e dinâmico. Os princípios contextuais são: Integração e consciência (g)local, Abertura participativa e poéticas da diferença, Sustentabilidade e ecologia profunda, Multi-Inter-Trans ou MIT disciplinariedade - arte como eixo de diálogo entre diferentes campos do saber. A partir destes princípios, são discutidas questões e termos como intervenção urbana, ecoperformance, criação cênica, estados de conexão pessoal e(m) coletividade, artes cênicas como sensibilização e transformação ético-estética na contemporaneidade.

Somatic-Performative Research. Integration. Poetics of Difference. Deep Ecology. MIT disciplinarity.

Presentation of the four contextual principles of the Somatic-Performative Research, with demonstration in the ongoing researches of the Graduate Program of Performing Arts of Federal University of Bahia, especially in the field researches of the Performance Laboratory at Chapada Diamantina, Bahia, Brazil. Up to this moment, I have identified twenty principles in somatic-performative processes: four founding, twelve thematic, and four contextual principles. These last ones relate the approach to other fields of knowledge in a more explicit way, and create an inter-relational and dynamic whole. The contextual principles are: Integration and (g)local awareness; Participative openness and poetics of difference; Sustainability and deep ecology; Multi-Inter-Trans or MIT disciplinarity – art as axis of dialogue between different fields of knowledge. From the starting point of these principles, issues and terms are discussed, such as urban intervention, ecoperformance, scenic creation, states of personal connection and/in the collective, performing arts as sensibilization and ethic-aesthetic transformation in contemporary times.

FAGUNDES, Silvia Patricia, Porto Alegre: Universidade Federal do Rio Grande do Sul, professor adjunto. Encenadora, diretora da Cia Rústica de Teatro.
RESUMO
Considerando tempo e espaço como matéria-prima da cena, o artigo analisa as experiências desenvolvidas desde 2011 na pesquisa O processo de ensaios como um mecanismo de relações - Módulo I: Matérias da Cena- Poéticas do Tempo/Espaço; que contou com um grupo variado de alunos e a participação eventual de artistas da cidade. Em um constante cruzamento entre teoria e prática artística, a própria pesquisa revelou-se processo criativo, pensando e questionando a si mesma, através de atividades diversas como intervenções urbanas, leituras, seminários, oficinas, exercícios de composição cênica, mostra aberta, diálogos com outras linguagens artísticas. O suporte teórico percorreu territórios transversais entre diferentes áreas do conhecimento, partindo das artes cênicas e buscando referências na filosofia, sociologia, teorias do caos, artes visuais, em redes transdiciplinares de reflexão. Ao pensar e compor poéticas de tempo/espaço, que evocam múltiplos agentes em sua composição e operam sempre em relação, a investigação encontrou a memória como matéria bruta e movimento da cena; o vetor tempo/espaço como experiência afetiva e corpórea, como matéria que nos informa e também que informamos.

Palavras-chave: Tempo: Espaço: Memória: Processos de ensaio: Processos de pesquisa.

Abstract
Considering time and space as a raw material of the scene, the paper analyzes the experiences developed since 2011 in the research The Rehearsal Process as a Relational Mechanism - Module I: Matters of the Scene-Poetics of Space / Time, that was attended by a diverse group of students and the eventual participation of local artists. In a constant crossroad between theory and artistic practice, the research proved itself as a creative process, thinking and questioning itself, through various activities such as urban interventions, lectures, seminars, workshops, exercises of theatrical composition, open sessions, dialogues with other artistic languages. The theoretical support toured cross territories between different areas of knowledge, starting from the performing arts and searching references in philosophy, sociology, theories of chaos, visual arts, in networks of transdisciplinary reflection. From thinking and composing poetics of space / time, that evokes multiple agents on its composition and operates always in relationships, the investigation found memory as raw material and movement of the scene; the vector space / time as corporeal and affective experience, as a matter that informs us and also which we inform.

Key words: Time: Space: Memory: Rehearsal process: Research process.

FERRACINI, Renato. Presença e Vida. Ator Pesquisador LUME, Professor Pleno PPGAD - IA - UNICAMP

Presença, Vida, Atuação

"Existe uma metáfora bastante utilizada nos meios da arte presencial que vincula diretamente a suposta presença da atuação a uma certa “vida”. Se um ator, dançarino ou performer é potente em sua atuação diz-se, comumente, que ele está “presente” ou ainda que aquela seria uma atuação “viva”, pulsante. Portanto, a sinonímia metafórica “vida relaciona-se à presença” nos força a pensar, senão uma igualdade direta, ao menos uma relação próxima entre esses dois conceitos. Pesquisar essa relação nos coloca em um terreno de questões bastante pertinentes, acreditamos, para o pensamento cênico contemporâneo:
01) Qual a problemática do conceito de presença cênica apresentado na contemporaneidade?
02) Como se delineia o conceito de vida, ou mais especificamente de potência de vida hoje?
03) A intercessão dos territórios dessas problemáticas geram possíveis relações prático-conceituais? Em outras palavras: Os conceitos de vida e presença realmente se interpenetram em algum ponto de sua delineação, seja ela conceitual ou de práxis, no pensamento contemporâneo? Se sim, qual seria a cartografia desses pontos de intercessão e de distanciamento? "

Presence, Life, Acting

There is a metaphor widely used in media art classroom that directly links the alleged presence of acting to a certain "life." If an actor, dancer or performer is potent in its action it is said, often, that he is "present" or that it would be a performance "live" pulsing. So synonymy metaphorical "life is related to the presence" forces us to think, but a direct equality, at least a close relationship between these two concepts. Search this relationship puts us in an area of very pertinent questions, we believe, to the scenic contemporary thinking.

FERRAZ, Mirela Ferreira. A zona de tensão instaurada pela performance. Linhas de uma cartografia traçada entre as obras de Joseph Beuys, Marina Abramovic e o Grupo EmpreZa - Rio de Janeiro - RJ: Pontifícia Universidade do Rio de Janeiro.Pós-Graduação: Mestrado. Orientadora: Cecilia Cotrim Martins de Mello. Atriz, performer, educadora.

Título: A zona de tensão instaurada pela performance:
Linhas de uma cartografia traçada entre as obras de Joseph Beuys, Marina Abramovic e o Grupo EmpreZa

Resumo: A partir da ideia de zona de tensão, traça-se diálogos e pontes de contato entre as performances do artista alemão Joseph Beuys, da performer do leste europeu Marina Abramovic e do grupo brasileiro EmpreZa. Através dos estudos destes trabalhos, reflete-se sobre pontos semelhantes que se identificam em performances particulares, referindo-os, sobretudo, aos seguintes aspectos: a busca pelas possibilidades de ruptura das fronteiras existentes entre artista/público e arte/vida, noções que se evidenciam através de uma zona de indiscernibilidade, a qual se torna ativada pela potencialização da presença do corpo na obra.

Palavras-chave: performance, corpo/arte, arte contemporânea.
Title: The tension zone established by performance:
Lines of a cartography drawn between the works of Joseph Beuys, Marina Abramovic and Empreza Group

Abstract: Based on the idea of tension zone, dialogues and contact points between the performances of the German artist Joseph Beuys, the performer Marina Abramovic Eastern European and Brazilian group EmpreZa are traced. Through the study of these works, it is considered similar points that are identified in particular performances, referring to the following aspects: the search for possibilities to break the boundaries between artist and public, art and life, notions that are pointed through an indiscernible zone, which becomes activated by the potentiation of the presence of the body in the work.
Keys word: performance, body/art, contemporary art.

FERREIRA, Mirza. Sobre fronteira e fusão entre a dança e o teatro. Campinas: Universidade Estadual de Campinas; Doutorado; bolsista CAPES; Orientadora: Márcia Strazzacappa. Artista da Dança.


Esse artigo apresenta algumas descobertas acerca do corpo como local de fronteira e fusão entre a dança e o teatro. Ao buscar verificar as possíveis diferenças conceituais no tratamento dado ao corpo em cena entre estas duas áreas, descobre-se que apesar de, em determinado momento histórico, essas linguagens terem sido separadas, elas voltam a se encontrar na contemporaneidade, onde o que ocorre é um processo de hibridização de linguagens, culturas e identidades. A pós-modernidade já não permite a classificação de dança para espetáculos que apresentam gestos abstratos feitos por corpos tecnicamente treinados e teatro para espetáculos com gestos do cotidiano que acompanham um texto. O corpo em cena passa a ser o elemento mais importante não necessitando ser previamente classificado como corpo de dançarino ou de ator. Teóricos de ambas as áreas passam a considerar o corpo em suas múltiplas possibilidades expressivas, considerando-o como elemento fundamental à realização da cena e como elemento inesgotável de criação.

Palavras-chave: corpo cênico; fronteira e fusão; contemporaneidade.

This paper presents some discoveries about the body in a dual role: as a boundary and as a fusion place between dance and theater. By checking the possible conceptual differences in the treatment given to the scenic body in dance and theater, it turns out that although in certain historical moment these languages have been separated, they meet again in the contemporary world, where what happens is a process of hybridization of languages, cultures and identities. Postmodernism no longer allows for the classification of dance as performances which feature abstract gestures made by technically trained bodies and theater as shows with everyday gestures accompanying text. The scenic body happens to be the most important element and need not be previously classified as the body of a dancer or an actor. Theoriticians of both areas began to consider the body in its multiple expressive possibilities, considering it as a key element to achieve the scene and as an inexhaustible creation ingredient.
Keywords: scenic body; boundary and fusion; contemporaneity.

FORTES, Tiago. Chegar no Espaço, Suplicar por um Lugar. Fortaleza: Universidade Federal do Ceará, Professor Assistente. Ator e Diretor.

Espaço: Lugar: Atores

Neste trabalho estarei analisando um espetáculo que dirigi com alunos do Curso de Teatro da Universidade Federal do Ceará: As Suplicantes, de Ésquilo. Mais especificamente, o que será analisado é a Chegada dos atores no espaço ocupado pelo público, espaço onde começará o espetáculo. Espaço este que já foi a escadaria de uma Praça em Campina Grande – PB ,dois laguinhos em Guaramiranga – CE e o portão que dá acesso ao corredor de entrada do prédio da Universidade em Fortaleza. Que lugar é este que pode se constituir em espaços tão diferentes? Qual seria a lógica de escolha dos espaços? E mais: o que exatamente é responsável e capaz de instalar um lugar nestes espaços? Acredito que a chegada dos atores nesses espaços assume um poder similar ao que Heidegger percebe na ponte, que “não apenas liga margens previamente existentes. É somente na travessia da ponte que as margens surgem como margens”.

Space: Place: Actors

In this work I’ll analyze a play that I directed with students of the Drama School of Universidade Federal do Ceará: As Suplicantes, by Ésquilo. More specifically, what will be analyzed is the Arrival of the actors in the space occupied by the audience, space where the play will start. Space which already was the staircase of a square in Campina Grande – PB, two little lakes in Guaramiranga – CE and the gate that opens to the hall of the University in Fortaleza. What is that place that can be instituted in so different spaces? What would be the logic for the space choice? Even more: what exactly is responsible and capable of installing a place in these spaces? I believe that the actors arrival in these spaces assume a power close to what Heidegger perceives in the bridge, that “doesn’t just connect previously existent banks. Is only in the crossing of the bridge that the banks arise as banks.”

FREGONEIS, Gabriela. Poéticas do Pós-Humano. Campinas: UNICAMP; Doutorado; Suzi Frankl Sperber. Atriz e performer.

RESUMO
O presente artigo tem o objetivo de investigar as poéticas cênicas em torno do conceito do pós-humano e pós-antropocênico, tendo como ponto de partida a influência do cinema e das artes visuais eletrônicas no fazer artístico teatral, ressaltando os cruzamentos existentes entre o uso de mídias e a cena. O fio condutor será o estudo das poéticas e aspectos relacionais que envolvem a cena midiática contemporânea. Uma dúvida surge nesse momento da pesquisa: Quais as possíveis diferenças entre o teatro pós-humano e o de marionetes (que já pregava a superioridade da marionete frente ao humano)? Com o desenvolvimento da pesquisa, notou-se que um número significativo de diretores estão dedicando seus espetáculos à temática do pós-humano, como o canadense Denis Marleau e sua peça Os Cegos, o japonês Oriza Hirata que criou uma actróide (atriz andróide) para atuar na peça Sayonara, Zaven Paré, Edward Kienholz que trabalha com bonecos animados por motores elétricos, Jean Tinguely e sua arte cinética, Stelarc que substitui partes do corpo por implantes animados por computador e o grupo performático Survival Research Laboratories. Logo, como se pode notar, esse tema é recente e conflituoso no que diz respeito ao seu uso nas artes da cena e quando se fala sobre o uso de tecnologias no teatro surgem alguns conceitos que merecem reflexão como: ciberteatro, teatro cinematográfico, cine-teatro, ciberespaço, teatro pós-antropocênico, dentre outros. Como se pode ver é um campo amplo de investigação e com relevância inerente ao desenvolvimento cênico na contemporaneidade, já que existem escassos materiais publicados sobre o assunto. Em síntese, o artigo busca repensar a figura do humano dentro do “vir-a-ser” tecnológico do mundo, tendo como alicerce o olhar fenomenológico dentro das novas criações de imagens do ser humano e suas atuais transformações.

Palavras-Chave: Poética. Pós-humano. Corpo.

GASPAR NETO, Francisco. Produção de Imagens no Modo Operativo AND. Curitiba: Faculdade de Artes do Paraná; Professor Assistente, Classe B. Universidade do Estado de Santa Catarina, Doutorado, Sandra Meyer Nunes (Orientadora).
O Modo Operativo AND, desenvolvido pelo Coreógrafo João Fiadeiro e a Etnógrafa Fernanda Eugênio investe na performatividade dos corpos no encontro com coisas e pessoas. Ambas as ideias, performatividade e encontro, definidas como formas de comunidade, servirão para pensar um modo de experiência coletiva dentro de um ambiente de individuação, pensado a partir da filosofia de Gilbert Simondon em diálogo com a hodologia, ciência que estuda as rotas e os caminhos, definindo um tipo de criação que se dá a partir de forças anônimas e não de indivíduos estabelecidos.
The Operative Mode AND, developed by the choreographer João Fiadeiro and the ethnographer Fernanda Eugenio, invests in the performativity of bodies in meeting with people and things. Both ideas, performativity and meeting, defined as forms of community, serve as a way to think the collective experience within an environment of individuation. This environment is thought from the philosophy of Gilbert Simondon in a dialogue with hodology, science of routes and paths, defining a kind of creation that takes place from anonymous forces and not from established individuals.

GOUVEIA, Ana Paula Martins. Pessoa e Personagem: O Treinamento da Mente como Base Comum do se Estar e se Criar no Mundo. Universidade de São Paulo; pós-doutoranda. ESAP (Escola Superior Artística do Porto - Portugal); Professora. Pesquisadora, professora e diretora de teatro e cinema.

Personagem; Ator; Pessoa; Treinamento; Filosofia.

Esta breve apresentação pretende investigar a ligação ontológica entre os processos momentâneos de aparente continuidade perceptiva responsáveis pela construção do “eu”, e a criação das personagens por parte do ator. Para tal elaboração será utilizada a filosofia buddhista, particularmente a percepção de pessoa tal qual apresentada no contexto indo-tibetano, e a relação desta com a noção de personagem. Por tais vias, pretende-se demostrar que há uma ligação entre a construção da nossa percepção de nós mesmos enquanto pessoas e a criação de uma personagem pelo ator e que, através do treinamento da mente, ambas podem ser transformadas, i.e., pode haver uma transformação tanto no que concerne o entendimento que temos sobre nós mesmos, quanto sobre o nosso potencial, as nossa intenções e as nossas intensões em relação ao processo de criação das personagens. Concluindo-se então que, na maior parte dos casos, as nossas acepções sobre o que somos enquanto pessoas e aquilo de um ator acredita ser enquanto personagem são instâncias similares, que se abraçam em um berço comum e são passíveis de serem transformadas a partir do treinamento da mente.

Character; Actor; Person; Mind Training; Philosophy.

This brief presentation will investigate the connection between the ontological momentary processes of apparent perceptual continuity responsible for the construction of the "self" and the characters created by an actor. To be able to elaborate on this, we have utilized the perspective coming from the Buddhist philosophy, particularly the perception of person as it appears in the context of Indo-Tibetan Mahayana approaches, and its relation to the fictional character. By such means, we intend to demonstrate that there is a link between the construction of our perception of ourselves as individuals and the creation of a character by the actor and, by training the mind, both can be transformed, i.e., there may be a transformation both in regard to the understanding that we have about ourselves and in regard to our potential, our intentions and our intensions in relation to the process of creating characters. To conclude that, in most cases, our acceptations about what we are as a person and what an actor believes to be as a character is similar in many instances, they embrace each other in a common cradle and are capable of being transformed through mind training.

GUIMARÃES, Julia. Teatros do Real, Teatros do Outro. São Paulo: Universidade de São Paulo; estudante de doutorado; bolsista da FAPESP; Professora orientadora: Silvia Fernandes da Silva Telesi. Jornalista e crítica teatral.

RESUMO:
Este artigo pretende investigar de que maneira a incorporação do discurso e/ou da presença de não-atores em espetáculos contemporâneos contribui para construir novas possibilidades de aproximação, representação e problematização do Outro. O foco aqui recai sobre grupos e indivíduos de algum modo excluídos ou depreciados pelas representações hegemônicas. A pesquisa toma como referência teórica o campo dos chamados “teatros do real” - que investiga o constante tensionamento entre realidade e ficção nas encenações atuais - e tem como recorte o espetáculo “As Rosas no Jardim de Zula”, de Belo Horizonte. A analise será pautada pelo entendimento sobre quais sentidos emergem da fricção entre a voz de não-atores e a voz dos criadores no trabalho em questão.
Palavras-chave: Representação; Teatros do Real; Alteridade.

ABSTRACT:
This article intend to investigate how the incorporation of speech and/or presence of non-actors in contemporary spectacles helps to build new possibilities of approximation, representation and questioning of the Other. The focus here is on groups and individuals somehow excluded or depreciated by hegemonic representations. The research takes as reference the theoretical field of the so-called “theatres of the real” - that investigates the constant tension between reality and fiction in the current performances – and focusing on the spectacle "As Rosas no Jardim de Zula", created in Belo Horizonte. The analysis will be guided by the understanding of which senses emerge by the friction between the speech of non-actors and the speech of the creators in “As Rosas no Jardim de Zula”.
Keywords: Representation; Theatres of the Real; Otherness

LEAL, Mara Lucia. A desmontagem como procedimento artístico-pedagógico. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia. UFU; Professora Adjunta. Atriz, Diretora e Performer.

RESUMO

Com esta comunicação pretende-se apresentar como a desmontagem pode ser uma estratégia artístico-pedagógica muito importante para desvelar vestígios do processo de criação tanto para o espectador como para o próprio criador. Como se trata de um procedimento para recriar o percurso de criação, o artista, ao trilhar esse caminho, acaba desvelando para si mesmo as escolhas que fez para a criação. Artistas latino-americanos que tem realizado desmontagens e pesquisadores como Ileana Diéguez consideram que essas práticas, assim como as demonstrações de trabalho, são estratégias criadas para apresentar processos experimentais de criação que não objetivam totalizar a experiência, nem confirmar uma poética, mas sim problematizá-la.

PALAVRAS-CHAVE: Desmontagem: Pedagogia: Processo.

ABSTRACT

Through sharing this research I intend to present how the “disassembly” (term used now by many artists to refer to a procedure where we share parts of the creative process as if we were dismantling it) may be an artistic-pedagogical strategy very important to reveal traces of the creation process for both the spectator as to the creator himself. As this is a procedure to recreate the journey of creation, the artist, as following this path, ends up unveiling for himself/herself the choices he/she made for the creation. Latin American artists who have performed “disassemblies” and researchers such as Ileana Dieguez consider that these practices as well as work demonstrations are strategies designed to introduce experimental creative procedures which do not aim to create a total sense of the experience, or confirm a poetic but to engender problematics about it.

KEYWORDS: Disassembly: Pedagogy: Process.

LEITE, Daniela Correa. AZEVEDO, Maria Thereza. O Corpo enquanto Território da Criação. Cuiabá: Universidade Federal de Mato Grosso. Bolsista CAPES; Mestrado em Estudos de Cultura Contemporânea (ECCO); Profª. Drª. Maria Thereza Azevedo. Atriz.
RESUMO
Pensar o ator enquanto criador faz parte das discussões iniciais da pesquisa de mestrado intitulada Por um devir Poético: o corpo do ator enquanto território da criação, em processo de realização no Programa de Estudos de Cultura Contemporânea (ECCO - UFMT). Parte-se do princípio que a ação presente no ator visa extrapolar o trabalho do ator representativo tomando o conceito Corpo Sem Órgãos (CSO), presente em Deleuze e Guattari, enquanto norte constituidor do ator-criador. O que se põe em questão é o exercício da construção do corpo em cena que toma como possibilidade o caráter instável e experimental que, juntamente com o CSO, está presente no conceito de subjetividade contemporânea, proposto por Rolnik. Nesse procedimento, a arte do ator reivindica um corpo afetivo que compõem zonas incertas, suscitando intensidades, afrontando as forças que buscam o seu controle ou limitação em cena. Para esse tipo de concepção teórico-metodológico esse corpo é, primeiramente, encontro com outros corpos e, nesse caso, objeto e sujeito de afecção. Neste ponto de confluência entre os conceitos de subjetividade e CSO, propõe-se uma pista para a continuidade da pesquisa sobre o corpo enquanto suporte poético da arte do ator.
Palavras-chave: Subjetividade. Corpo sem órgãos. Ator-criador.

ABSTRACT
Think the actor as creator is part of the initial discussions of the master's research entitled For a becoming Poetic: the actor's body as a territory of the creation, in the process of carrying out the Program for the Study of Contemporary Culture (ECCO - UFMT). Part it is assumed that the present action in the actor seeks to extrapolate the actor's work representative taking the concept Body Without Organs (CSO), present in Deleuze and Guattari, while constitutive north of actor-creator. What stands in question is the exercise of body building on the scene that takes as possible the experimental and unstable character, along with the CSO, is present in the concept of contemporary subjectivity proposed by Rolnik. In this procedure, the art of the actor claims a body comprising affective areas uncertain, raising intensities, confronting the forces that seek their control or limitation on the scene. For this type of theoretical-methodological design that body is first encounter with other bodies, in which case, subject and object of affection. At this point of confluence between the concepts of subjectivity and CSO, we propose a track for continued research on the body support while poetic art of the actor.
Keywords: Subjectivity. Body without organs. Actor-creator.

LEWINSOHN, Ana Caldas. Uma ode à queda. Campinas: UNICAMP; FAPESP; bolsita de doutorado; Professor orientador: Renato Ferracini; atriz e professora.

RESUMO
O medo do desconhecido, de um descontrole em micro-instantes no refazer da cena em um espetáculo, acaba impossibilitanto a plena vivência do espaço efêmero - que sendo assim já nasce em direção à morte, como tudo o que é vivo. Na necessidade às vezes preemente do acerto, do perfeito e acabado, acaba-se por vezes mecanizando aquilo que poderia e deveria ser vivo já na sua gênese. Como, na arte do ator, nas suas extensas e intensas pesquisas sobre si, romper a inércia, o medo da queda, ir em direção à vertigem e não fugir dela? Como criar ambientes favoráveis à esse corpo aberto? Como, diante da inevitável morte perante a qual estamos expostos desde que nascemos, brincar, no território do corpo-em-arte, com as forças que atuam nesse movimento de escuridão e luz? Esse texto propõe problematizar a aceitação do fracasso como potência no território das artes da cena.

Palavras-chave: Preparação do ator. Fracasso. Morte. Vida. Corpo-em-arte.

ABSTRACT
The fear of the unknown, of an uncontrolled in micro-moments in the remake of the scene in a play, affects the full experience of the space of ephemeral - which thus is born toward death, as all that is alive. Sometimes, in need of doing right, of the perfect and finished, ends up being mechanical what could and should be alive in its genesis. In the actor's art, in his extensive and intensive research about himself, how to break the inertia, the fear of falling, how go towards vertigo and not escape? How to create supportive environments for the open body? How, in the face of inevitable death before which we are exposed from birth, play, within the body-in-art, with the forces that operate in this movement of darkness and light? This text aims to discuss the acceptance of failure as a power within the arts of scene.

Keywords: Preparation of the actor. Failure. Death. Life. Body-in-art.

LIMA, WLAD. IMPLICANTES E IMPLICADAS: QUEM SÃO OS PESQUISADORES? Belém do Pará. Professora-pesquisadora da Escola de Teatro e Dança do ICA e do Programa de Pós-graduação em Arte do Instituto de Ciências da Arte – ICA: Universidade Federal do Pará \ UFPA. Estágio de Pós-doutoramento no Programa Doutoral em Estudos Culturais das Universidades de Aveiro e Minho \ Portugal. Bolsista da CAPES. Artista-articuladora da Rede Teatro d@ Floresta. Atriz: diretora: cenógrafa: dramaturga.

teatro; cartografia inventiva; gnose; implicantes; implicadas; estudos culturais.

O artigo apresenta de forma sintética as bioculturografias dos primeiros pesquisadores (os implicantes) e de suas escrituras (as implicadas) do Programa Doutoral em Estudos Culturais das Universidades de Aveiro e Minho em Portugal. A autora dessa cartografia é uma artista-pesquisadora amazônida, mais localmente, da cidade de Belém do Pará, parte oriental da Amazônia Brasileira, que se encontra, atualmente, no agenciamento (no entre) provocado e provocando uma espécie de pesquisa-intervenção na gnose dessa fabulação (a falível relação sujeito\objeto). A metodologia proposta se configurou como uma Cartografia Inventiva baseada, pontualmente, pelas Quatro Variedades de Visão do Cartógrafo de Virgínia Kastrup balizada por conexões intermitentes com as séries conceituais que compõem o rizoma e a fabulação de Gilles Deleuze e Félix Guattari.

teatro, cartografía de la invención; gnosis; implicantes; implicados, los estudios culturales.

El artículo resume los bioculturografias de los primeros investigadores (los implicantes) y sus escrituras (la implícita) del Programa de Doctorado en Estudios Culturales en las Universidades de Aveiro y Minho en Portugal. El autor de este mapeo es un artista-investigador del Amazonas, más local, la ciudad de Belém do Pará, zona oriental de la Amazonia brasileña, que es actualmente el organismo (en el medio) provocado y provocando una especie de investigación de la intervención en la gnosis esta fábula (la relación falible sujeta \ objeto). La metodología propuesta se configura como un invento basado en la cartografía, en ocasiones, por cuatro variedades de Vision Cartógrafo Virginia Kastrup impulsado por las conexiones intermitentes con series conceptuales que constituyen el rizoma y la fábula de Gilles Deleuze y Félix Guattari.

LINKE, Ines. Partilhas em contextos moveis. São João del-Rei: Universidade Federal de São João del-Rei. Universidade Federal de São Joao del-Rei; professora adjunta. Artista plástica e cenógrafa.

Neste texto, buscar-se-á, a partir da analise dos Vídeos Caminhada Alter Bahnhof (2012) de Janet Cardiff e George Bures Miller, do teatro celular Call Cutta in a Box (2008) do grupo Rimini Protokoll e do trabalho Landline (2013) criado por Dustin Harvey e Adrienne Wong do Neworld Theatre, investigar a interferência dos dispositivos moveis nos regimes ético, poético e estético da arte. A partir do diálogo com o pensamento de Jacques Rancière que identifica as artes com maneiras de fazer e formas de visibilidade, propõem-se estudar as origens usos e efeitos desses trabalhos às praticas artísticas. Para o autor, tais práticas produzem (re)arranjos materiais que participam na partilha do sensível e estabelecem articulações entre vida, pensamento e indivíduos. Produzindo um espaço para discussões publicas, as praticas artísticas estabelecem relações entre o antigo e o novo, criando estruturas inteligíveis e propondo outras possibilidades de pensar. Nas ultimas décadas, a Internet e a telefonia móvel se expandiram mundialmente e passaram a ser utilizadas por vários segmentos sociais em diferentes contextos. As redes sociais funcionam muitas vezes como lugar do encontro da sociabilidade e a internet como espaço da informação, dos serviços mais diversos, das compras e vendas on-line, da educação a distancia, da diversão e das investigações artísticas. Nos três trabalhos selecionados, o espetáculo é conduzido pela interação entre pessoas facilitada pelo uso de um dispositivo móvel. Em vez de um bilhete de teatro, um lugar na plateia, você recebe um telefone celular e instruções e/ou telefonema de um estranho. Assim você é guiado a andar pela cidade a partir do olhar do outro. Nos três casos, os telefones móveis levam o palco para as ruas e transformam o espectador em ator que contracena com pessoas fisicamente ausentes. Os trabalhos utilizam as ruas da cidade, a tecnologia do telefone celular e a sugestão poética da presença, tempos e espaços para envolver os membros da audiência em um jogo de encontros improváveis, estranhamente reais e virtuais, acentuando uma nova visibilidade, numa ideia de sociabilidade e partilha do sensível inaugurada pela popularização dos dispositivos eletrônicos. Os trabalhos abordam as transformações de pensamento e relações entre pessoas, tempos e espaços a partir dos walkmans, celulares e Ipods e procuram unificar a cultura com a arte, com a ciência, com a nova tecnologia para então discutir as formas e modos da subjetividade nos contextos móveis, que ultrapassam os limites do palco tradicional, os territórios fixos e as fronteiras nacionais.

Palavras-chave: Arte; tecnologia; subjetividade; partilha do sensível.

LOURENÇO, R., VITIELLO, J.Z. Embriologia e Arte - Dançando a Formação do Corpo. Campinas: Universidade Estadual de Campinas-UNICAMP; LOURENÇO, R. pós-graduação; doutorado em Artes da Cena; UNICAMP. VITIELLO, J.Z.; professor pleno; UNICAMP; bailarina; coreógrafa.

RESUMO

Este artigo propõe a investigação entre duas áreas de conhecimento: Dança e Embriologia Humana. A primeira é desenvolvida através das técnicas de dança e práticas artísticas. Através da Embriologia Humana considera algumas das reflexões sobre a fenomenologia de Johann Wolfgang Goethe (1749-1832), a qual desenha inter-relações a partir da observação da estrutura total do próprio fenômeno, onde o individuo não está separado da pesquisa, mas faz parte integral da experiência. Desenvolve uma metodologia do corpo na dança, onde o conhecimento não deve vir através de fenômenos isolados, mas sim através de suas inter-relações entre sujeito e objeto de pesquisa, onde os sentidos, a intuição e o raciocínio devem ser usados para acompanhar a experiência do fenômeno. Nos relacionamentos entre Dança e Embriologia Humana é possível criar procedimentos artísticos diferenciados, visando tanto a compreensão corporal dos conteúdos da embriologia, quanto para a criação de um solo de dança.

Palavras-chave: Dança, Embriologia, Criação (Literária, artística), Fenomenologia.

ABSTRACT

This article proposes the investigation of two areas of expertise: Dance and Human Embryology. The first is developed through the techniques of dance and artistic practices. Through the Human Embryology considers some of the reflections on the phenomenology of Johann Wolfgang Goethe (1749-1832), which draws inter-relationships from the observation of the total structure of the phenomenon itself, where the individual is not separate from research, but is an integral part of the experience. This research develops a methodology of the body in dance, where knowledge should not come across as isolated phenomena, but rather through their inter-relationships between subject and object of research, where the senses, intuition and reasoning should be used to monitor the experience of the phenomenon. In relationships between dance and Human Embryology is possible to create different artistic procedures, aimed at both understanding in content of embryology and for the creation of a solo dance.

Key words: Dance, Embryology, Creation (Literary, artistic), Phenomenology.

MACHADO JUNIOR, Juscelino Humberto Cunha; ALCANTARA, Cristiane. Linguagens em movimento: a conquista do espaço real por uma aproximação arte e vida. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia-UFU e Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro-UNIRIO. Doutorado Interinstitucional UNIRIO-UFU; Doutorando; Orientadora Dra. Lidia Kosovski. Designer e Professor Assistente.

RESUMO
O objetivo deste artigo é compreender acerca da distensão espacial que alterou as percepções convencionais dos locais de fruição da arte. Busca entender as modificações nos modos convencionais de concepção espacial, ou seja, os deslocamentos do espaço cênico e suas relações com as diversas linguagens artísticas, principalmente a relação entre artes cênicas, arquitetura e artes visuais. Desde 1912, com as propostas de Duchamp, ao transpor objetos de uso cotidiano e elevá-los à conotação de arte, questionando e criticando os sistemas tradicionais, diluíram-se as fronteiras entre arte e vida. A superação da arte como imitação ou representação a favor de uma realidade pela própria realidade, apropriando-se de objetos e experiências diversas, modificou não apenas o estado da arte como também as relações estéticas e espaciais. Esse conceito influenciou outros movimentos em que artistas distanciaram-se de superfícies tradicionais, chamando atenção para o processo de criação e percepção, promovendo um novo tipo de experiência, modificando a relação cena e publico.

Palavras-chave: Espaço cênico. Site specific. Site oriented.

ABSTRACT
The objective of this paper is to understand about the spatial distention changed conventional perceptions of local enjoyment of art. Seeks to understand the changes in conventional modes of spatial design, ie, the displacement of the stage space and its relations with the various artistic languages, especially the relationship between performing arts, architecture and visual arts. Since 1912, with the proposed Duchamp by transposing everyday objects and elevate them to the connotation of art, questioning and criticizing traditional systems, diluted to the boundaries between art and life. The overcoming of art as imitation or representation in favor of a reality for reality itself, appropriating objects and diverse experiences, changed not only the state of the art as well as aesthetic and spatial relationships. This concept influenced other movements in which artists distanced themselves from traditional surfaces, calling attention to the process of creation and perception, promoting a new kind of experience, changing the scene and audience.

Keywords: Space scenic. Site specific. Site oriented.

MELE, Claudia. A pulsão vertical do corpo presente. Rio de Janeiro: Universidade do Estado do Rio de Janeiro (UNIRIO). Pós-Graduação em Artes Cênicas; Mestrado; Tania Alice Feix; FAPERJ. Atriz e professora.

RESUMO
Durante a pesquisa de mestrado, foi observado que os atores e bailarinos entrevistados, ao narrarem suas experiências em estado de presença, descrevem sensações que se irradiam da coluna vertebral, possibilitando a conexão e sintonia entre as partes do corpo e o todo. A física e psicoterapeuta Bárbara Brennan chama de “corrente principal de força vertical” a um fluxo de energia que pulsa, para cima e para baixo, na área da medula espinhal, e que se estende para além do corpo físico, acima da cabeça e abaixo do cóccix. O artigo que será apresentado a Abrace propõe refletir sobre o Sistema de Chakras e os corpos sutis em relação com os estados de presença do ator-performer.
Palavras-chave: ator-performer. estado de presença. chakras. corpos sutis.

ABSTRACT
During the master´s research, it was observed that both actors and dancers interviewed, when narrating their experiences under the state of presence, described sensations that irradiated from the vertebral column, allowing for the connection and syntony between parts of the body and the whole self. The physicist and psychotherapist Barbara Brennan calls “the main vertical power current” to a flow of energy that pulses, up and down, in the area of the spine, and that is extended beyond the physical body, above the head and below the coccyx. The article which is going to be presented to ABRACE proposes to think over the system of chakras and the subtle bodies in relation to the state of presence of the actor-performer.

Keywords: actor-performer, state of presence, chakras, subtle bodies.

MENDES, Eloisa Brantes. O devir público do corpo-performer em Intervenção Urbana. Rio de Janeiro: Instituto de Artes-UERJ; Professora Visitante.Performer e Diretora.

RESUMO
A indefinição de performance coloca em jogo a emergência de acontecimentos imprevisíveis, incompreensíveis e/ou inclassificáveis. A performance em situação de Intervenção Urbana enfatiza o caráter coletivo dos acontecimentos que provoca ao acionar práticas do espaço urbano que transbordam os códigos de comunicação da arte. Em seu devir público o corpo-performer opera signos de realidade que desestabilizam as representações sociais e culturais dos espaços vividos. Em minhas experiências com performances de Intervenção Urbana a necessidade das pessoas em “entender o que está acontecendo” é um reivindicação constante que provoca diversas reações em relação ao espaço público. O desentendimento do espectador-participante-passante atua na experiência estética que descola os sentidos comuns do espaço praticado. Como este contato com o outro em sua diferença se articula com os sensos de urgência (no tempo imediato) e de surgimento (no espaço visível) do corpo-performer como agenciador de realidades possíveis e improváveis? Esta comunicação propõe uma reflexão sobre alteridade e devir público do corpo-performer através da noção de eficácia estética em Jacques Rancière.

MESQUITA SOUZA Mônica Cristina1, VIDEODANÇA – CORPO-ARTE-CINEMA, IMAGEM EM MOVIMENTO Metamorfoses de linguagens do movimento-corporal em corpo-movimento-imagem. Belo Horizonte: Universidade Gama Filho – UGF; Posgraduação em Cinema e Linguagem Audiovisual; orientadora Rafaela Liberali. Atriz e professora de teatro, dança e cinema

RESUMO
A dança é uma das mais antigas manifestações artísticas da humanidade, que tem como principais características o uso do corpo como forma de expressão e sua relação com o movimento em tempo espaço. Já o cinema é uma linguagem artística bem mais recente, é a arte da imagem em movimento, que usa uma câmera e um suporte para registro e gravação de imagens. Tanto o cinema, quanto a dança são linguagens artísticas que tem em comum suas respectivas relações com o movimento, seja do corpo ou da imagem. A dança porém é uma arte efêmera, que usa o corpo como suporte de criação e expressão. Do hibridismo entre o efêmero e o registro de linguagens aparentemente tão diferentes como dança e cinema, temos a vídeodança, que é a união entre estas duas linguagens. O presente artigo pretende através de uma revisão histórica da produção bibliográfica sobre videodança no Brasil, refletir sobre os conceitos e relações inter simbióticas entre as linguagens artísticas da dança e cinema, bem como as questões de autoria na produção da videodança, que permitem uma construção de novos territórios na arte.
Palavras Chaves: Videodança. Hibridismo. Movimento-Corporal. Movimento-Imagem.
ABSTRACT
Dance is one of the oldest art forms of humanity, whose main characteristics are the use of the body as a form of expression and its relation to movement in space time. Already the film is an artistic language much more recent, is the art of the moving image, using a camera and support for logging and recording. Both the film, as the dance are art forms that have in common their respective relationships with the movement, whether of body or image. Dance is an ephemeral art though, which uses the body as a support for creativity and expression. Hybridity between the ephemeral and the seemingly record languages as diverse as dance and film, we videodance, which is the union of these two languages. This article aims through a historical review of the literature on videodance production in Brazil, reflect on the concepts and inter symbiotic relationships between the art forms of dance and film, as well as issues of authorship in the production of video dance, which allow a building new territories in art.

Key Words: Videodance. Hybridity. Body-Movement. Movement-Image

MEYER, Sandra. Pesquisas em dança contemporânea: dispositivos para mundividências. Florianópolis: Universidade do Estado de Santa Catarina; professor associado. Professora, crítica e curadora.

PALAVRAS-CHAVE: Dança contemporânea. Mundividência. Ética. Política cognitiva.

RESUMO: A pesquisa de alguns artistas brasileiros e portugueses da dança experimental contemporânea tem proposto possibilidades de articulação de uma ética e uma poética compartilhada no ato de criação. A dimensão encarnada do ato cognitivo e a experiência do “viver junto” em práticas contemporâneas em dança despojam posições estanques associadas ao trabalho de pesquisa em arte, tais como os binômios sujeito – objeto e teoria – prática. Trata-se de um tempo de aprender a afetar e ser afetado, de sofisticar a escuta, de refinar a percepção, de cuidar da ação e implicar-se com o mundo na sua produção - um “saber com” que pressupõe uma política cognitiva.

KEYWORDS: Contemporary dance. Worldview. Ethics. Cognitive politics.

ABSTRACT: The research of some Brazilian and Portuguese artists of contemporary experimental dance has proposed possibilities of an ethics and poetics shared in the act of creation. The dimension of embodied cognitive act and the experience of "living together" in contemporary dance practices dispossesses stagnant positions associated with the research work in art, such as the binomial: subject - object and theory - practice. It is a time of learning to affect and be affected, of sharpen the listening, of refining the perception, of caring of the action and get involved with the world in its production - a “knowing with" which presupposes a cognitive politics.

MILLÁS, Claudia Regina Garcia. O espaço aéreo como potência para a criação cênica. Campinas: Universidade Estadual de Campinas. Instituto de Artes; Programa de Pós Graduação em Artes da Cena; Mestrado; Ana Cristina Colla. FAPESP.


RESUMO
Apresenta-se neste estudo resultados parciais da pesquisa de mestrado acadêmico em andamento que tem como objetivo investigar e descrever as possibilidades de utilização dos espaços vertical e aéreo na composição cênica a partir de revisão bibliográfica, treinamento específico fundamentado nas técnicas desenvolvidas pelo LUME - Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais vinculado à UNICAMP - e um estudo de caso da Cia Suspensa de Minas Gerais. O trabalho de mestrado investiga diferentes relações corporais, como a inversão do eixo, aumento da ação gravitacional, alteração do foco visual e trabalho com diferentes apoios do corpo no espaço. Com base no desenvolvimento do estudo cênico previsto na pesquisa, a partir da exploração do espaço aéreo com a utilização de uma cadeira suspensa, discute-se: a necessidade de equipamentos e estruturas; os riscos envolvidos na prática; o treinamento corporal específico; o espaço como potência para a criação e como elemento textual da cena; e as alterações físicas no intérprete.
Palavras-chave: Dança. Composição cênica. Corpo suspenso.


ABSTRACT
This study presents partial results of academic master's research in progress that aims to investigate and to describe the possibilities of using vertical and aerial spaces in scenic compositions. For this was made a literature review, specific training from the techniques developed by LUME - Interdisciplinary Center for Theatrical Research of UNICAMP - and a case study from the Companhia Suspensa from Minas Gerais. The master’s research investigates different body relations, like inversion of axis, increase of gravitational action, change of viewpoints, support of the body in the space, and work with specific equipments of scene. Focusing on the development of the scenic study, starting from the exploration of the airspace with a suspended chair, it’s discussed: the necessity of equipment and structures; the specific body training; the space as a potency of transformation; the risks involved in the practice; and physical changes in the interpreter.
Keywords: Dance. Scenic composition. Suspent body.

MONTEIRO, Gabriela Lirio Gurgel. Corpos híbridos na cena intermedial: virtualidade e presença. Título. Rio de Janeiro: Universidade Federal do Rio de Janeiro; professor adjunto.

teatro, tecnologia, corpo

As artes do séc. XXI criam um novo imaginário do corpo, um corpo híbrido pautado por mudanças cognitivas – ligadas à memória, à percepção, ao raciocínio - como decorrência do “ciberartivismo” (DOMINGUES: 2007). Os artistas, sujeitos conectados em redes de informação, redimensionam o espaço-tempo, no qual estão inseridos no cotidiano, ao manipular, através de usos de tecnologias distintas, o sentido da presença. Interessa investigar o processo de criação do ator em um espetáculo intermedial, levando em consideração as relações que se estabelecem entre o corpo presente na cena e o corpo virtual, mediatizado e projetado no espaço cênico. Por outro lado, faz-se necessário igualmente o estudo do processo de recepção dos espectador.

Théâtre, technologie, corps

Le arts de siècle XXI crée un nouvel imaginaire du corps, un corps hybride guidé par les changements cognitifs - liés à la mémoire, à la perception, au raisonnement – en raison de "ciberartivismo" (DOMINGUES: 2007). Les artistes, les sujets liés aux réseaux d'information, redimensionnent l'espace-temps, insérés dans le quotidien, et manipulent, en utilisant de technologies différentes, le sens de la présence. Cette communication veut étudier le processus de création de l'acteur sur un spectacle intermédiale, en tenant compte des relations établies entre le corps présent et le corps virtuelle, médiatisé et projeté dans le espace scènique. D'autre part, il est également nécessaire d'étudier le processus de réception du spectateur.

MOURA, Jan (Moura, Jandeivid). A Micropolítica da Criação e a Cidade como Campo de Experiências. Cuiabá: Universidade Federal de Mato Grosso; Capes; Mestrando; Programa de Pós-Graduação em Estudos de Cultura Contemporânea; Maria Thereza Oliveira;

RESUMO

As artes da cena se configuram como estratégias estéticas que atuam diretamente com o humano, envolvendo a cidade e mesmo sem intenção transformando o momento da fruição em um ato político (GUÉNOUN, 2003). O ato de compor e criar de determinada maneira com os corpos, a escolha do espaço, o estar na rua ou em um espaço fechado, a composição com a cidade, a troca e construção colaborativa ou não, a ato de intervir ou compor com a cidade, pode ser considerada como uma operação política? A escolha por um teatro de grupo, companhia, agrupamentos transitórios, contaminação entre grupos, poder compartilhado, poder hierárquico, etc. determinam formas de relação, de criação e de criar sensibilidades. A cidade, enquanto pólis (ARISTÓTELES, Política I, 1253 a 9-18, apud Ranciére, 1996), se transforma em um campo de experiências, onde composições estéticas se misturam a cotidianos e essas operações estéticas são também políticas (IRAZÁBAL, 2000). Este artigo reflete sobre questões ligadas a as escolhas estéticas de agrupamentos artísticos que potencializam a cidade enquanto espaço para relações possíveis com o público, questionando a dicotomia espectador (ser passivo) e artista (ser ativo), criando ambientes de agenciamento.

Palavras-Chaves: Artes da Cena, Cidade, Intervenção, Política, Relação

RESUMÉ

La scène artistique est configuré en tant que stratégies esthétiques qui travaillent directement avec les moyens humains, impliquant la ville et même involontairement tournant moment de plaisir dans un acte politique (GUÉNOUN, 2003). L'acte de composer et de créer une certaine manière avec les corps, le choix de l'espace, que ce soit dans la rue ou dans un espace clos, la composition avec la ville, l'échange et la construction collaborative ou non, l'acte de composer ou intervenir avec ville, peut être considéré comme une action politique? Le choix d'un groupe de théâtre, regroupements d'entreprises de contamination transitoire entre les groupes, le partage du pouvoir, le pouvoir hiérarchique, etc. déterminer les formes relation, la création et créer sensibilités. La ville comme polis (ARISTÓTELES, Política I, 1253 a 9-18, apud Ranciére, 1996), devient un champ d'expérience où se mélangent compositions esthétiques du quotidien et ces opérations sont également des politiques esthétiques (IRAZÁBAL, 2000). Cet article se penche sur les questions liées aux choix esthétiques des groupes artistiques qui améliorent la ville comme un espace de relations possibles avec le public, remettre en question la dichotomie spectateur (étant passive) et de l'artiste (être actif) la création d'environnements agence collective.

Mots clés: Arts Scène, Ville, Intervention, Politique, Relations

NARDIM, Thaise Luciane. Eventos de arte da performance como poéticas colaborativas/dialógicas: da alteridade à heterotopia. Palmas: Universidade Federal do Tocantins; Professora Assistente. Universidade Estadual de Campinas; Doutorado em Artes da Cena; Verônica Fabrini Machado de Almeida; Performer e agente cultural na área de arte da performance.

RESUMO

O artigo apresenta reflexões iniciais da pesquisa “Poéticas do encontro: performances e pedagogias”, desenvolvida na Universidade Federal do Tocantins. Toma por objeto eventos que reúnem produções de arte da performance e levam-nas a público durante um recorte de tempo determinado, em uma localidade específica, onde os diversos criadores encontram-se fisicamente. Analisa dois eventos desta natureza realizados no Brasil: a Semana Experimental Urbana (Porto Alegre, 2012) e os Festivais de Apartamento (Brasil, 2008-2013). Parte da hipótese de que, para além de produções culturais voltadas à apresentação de performances, tais eventos configuram, em si, poéticas artísticas. Observa uma série de estratégias performativas de gestão do evento, que emergem a fim de por em cooperação criativa os diversos atores. Evidencia então, nos dois casos, a instauração de heterotopias fundadas em paradigmas próprios à arte da performance, comunidades elaboradas a partir das alteridades. Assim, conclui que os eventos podem caracterizar poéticas artísticas colaborativas e/ou dialógicas em que a questão da alteridade é central e aponta para proposições qualitativamente diferenciadas de convívio.

Palavras-chave: Arte da performance. Arte colaborativa. Arte dialógica. Alteridade. Heterotopia.


ABSTRACT


The article presents initial reflections from "Poetics of the meeting: performances and pedagogies”, a research developed at the Federal University of Tocantins. Its object are the events that gather productions of performance art and carry them to the public during a determined time and specific locality, where the various creators find themselves physically. Analyzes two events in this nature performed in Brazil: a Urban Experimental Week (Porto Alegre, 2012) and Apartment Festivals (Brazil, 2008-2013). The hypothesis is: the events are not only cultural productions oriented to the presentation of performances, such events configure, itself, artistic poetics. Observes a series of performative strategies in the event management that emerge in order to put in creative cooperation the actors. Point, in both the cases, the establishment of heterotopias founded in performance art paradigms own, communities elaborated from the alterities. Thus, concludes that events can characterize collaborative and/or dialogical artistic poetics in which the issue of otherness is central and points to qualitatively differentiated propositions of conviviality.

Keywords: Performance art. Collaborative art. Dialogical art. Otherness. Heterotopia.

NUNES MELO, Sergio. A Alma Imoral segundo Clarice Niskier: da dissolução da dictomia entre teatro performativo e teatro dramático. Salvador: UFBA. UFBA; Professor Adjunto 1.

RESUMO
Tendo sido assistido por mais de 150.000 espectadores em seus sete anos de trajetória inconclusa, o espetáculo A Alma Imoral, dirigido e interpretado por Clarice Niskier, desafia a crítica acadêmica contemporânea no que diz respeito à oposição binária (teatro performativo x teatro dramático) proposta por Josette Féral no artigo “Por uma poética da performatividade: o teatro performativo” (2005). O presente artigo discute como, seguindo a tradição judaica tanto da conversa reflexiva em meio ao rito social da convivialidade quanto da quebra de regras de acordo com a necessidade, Niskier propõe um idioma performativo que celebra a ruptura com qualquer ortodoxia cênica, seja ela convencional ou vanguardista. O artigo aborda também como o espetáculo, radicalmente baseado no texto homônimo de Nilton Bonder, promove uma discussão sofisticada que abrange, explicitamente, Filosofia, Ética, Religião, Antropologia e História e, implicitamente, a própria emergência da cena.

Palavras-chave:
Teatro performativo. Teatro dramático. Clarice Niskier. A Alma Imora. Tradição. Traição

ABSTRACT
Having been watched by more than 150,000 theatregoers in its seven years of inconclusive trajectory, the spectacle The Immoral Soul, directed and performed by Clarice Niskier, challenges the contemporary scholarly critique with respect to the binary opposition proposed by Josette Féral in the article “For a poetics of performativity: the performative theatre”(2005). The present article discusses how, following the Jewish tradition of both reflecting amidst the social rite of conviviality and of breaking rules as need arises, Niskier proposes a performative idiom that celebrates the rupture with any orthodoxy, be it either conventional or avant-garde. The article also approaches how the spectacle, radically based on the homonymous text by Nilton Bonder, the spectacle promotes a sophisticated discussion that encompasses – explicitly – Philosophy, Ethics, Religion, Antropoloy and History as well as – implicitly – the very emergence of the staging.

Keywords:
Performative Theatre: Dramatic Theatre. Clarice Niskier. The Immoral Soul. Tradition. Betrayal

NUNES, Alexandre Silva. Imagem, Mito e Imaginário nas Artes da Cena. Goiânia: Universidade Federal de Goiás; Professor adjunto. Encenador e Ator.

RESUMO

Este trabalho investiga aproximações teórico-práticas entre a encenação teatral contemporânea e o campo da imaginação simbólica, entendida esta a partir da linha fenomenológica de estudos do imaginário, do mito e da imagem arquetípica. Para isso, é feito uso de uma metodologia de pesquisa bibliográfica associada a pesquisa de campo, apoiada no processo de montagem de trabalhos que se mostram favoráveis a esta abordagem. Como resultado, a investigação defende que a aproximação entre uma fenomenologia da imagem simbólica e os processos criativos nas artes da cena mostra-se fecunda, podendo responder a muitos dos anseios contemporâneos dos estudos da teatralidade, desde que estes passaram a focar sua singularidade no fenômeno da espetacularidade, independente das demandas de cunho literário.

Palavras-chave: Artes da cena. Imaginário. Imagem. Teatralidade.

ABSTRACT

This work investigates theoretical and practical approaches between a contemporary theatrical performance and field of symbolic imagination, understood from the line of phenomenological studies of imagery, myth and archetypal image. For this, used of a methodology of literature associated with field research, supported in the process of assembling works that show favor to this approach. As a result, the research argues that the approach from a phenomenology of a symbolic image and the creative process in the arts scene proves fruitful and can answer many of the anxieties of contemporary studies of theatricality, since they began to focus on its uniqueness phenomenon the spectacle, regardless of the demands of literary slant.

Keywords: Arts scene. Imaginary. Image. Theatricality.

NUNES, Roberson de Sousa. Presença virtual. Belo Horizonte: Universidade Federal de Minas Gerais; Professor Doutor. Ator.
RESUMO
No trânsito entre os mundos virtual e “real”, um jogo entre presença e ausência está estabelecido. Nestes dois universos inter-relacionais, o fato e o simulacro invadem o terreno um do outro, colocando em cheque questões ligadas à identidade e à alteridade. Diante deste quadro, este texto reflete sobre a criação de personagens ou de situações hipotéticas apresentadas (ou postadas) no universo da internet (em redes sociais). Sob esta perspectiva, torna-se instável a necessidade de um indivíduo estar, de fato, presente em eventos que, a priori, só existiriam a partir de sua presença material, em determinado local. Com isto, pode-se discutir se a fisicalidade, na performance teatral é, ainda, uma forma fundamental de realização cênica; pensando a partir da espetacularização ou da banalização do cotidiano, quando o assunto é presença virtual nos ambientes da rede.
Palavras-chave: Presença. Virtualidade. Performance.
ABSTRACT
In traffic between virtual and "real" worlds, a play between presence and absence is established. In these two inter-relational universes, the fact and the simulacrum invade the land one of each other, putting into question issues of identity and otherness. Given this context, this paper reflects on the character creation or hypothetical situations presented (or posted) in the universe of the internet (social networking). From this perspective, it becomes unstable the needed of presence of the individual, in events that, a priori, would exist only from his/her physical presence at a given location. With this, one can argue whether the physicality, in theatrical performance, is also a key way of scenic realization; thinking from the spectacle or the banality of everyday life, when the subject is presence in virtual network environments.
Keywords: Presence. Virtuality. Performance.

OLINTO, Lidia. Akropolis, O Príncipe Constante e Apocalypis cum Figuris: uma breve comparação a partir do binômio precisão-espontaneidade. Campinas: UNICAMP; doutoranda; Matteo Bonfitto; CAPES. Atriz.

Grotowski. Precisão Cênica. Organicidade.

Dentre os artistas que abordaram de modo mais aprofundado a complementaridade entre precisão e espontaneidade no trabalho do ator, Grotowski foi um dos mais contundentes. Para ele, a relação entre essas instâncias, muitas vezes vistas como opostas, era um relacionamento paradoxal de crucial importância que intitulava “Conjuctio oppositorum”. Entretanto, a intersecção entre essas duas dimensões complementares não pode ser encarada como algo fixo e estável. Dentro da multiplicidade dos fenômenos cênicos, a maneira como esses dois aspectos se configuram e se articulam pode variar radicalmente, inclusive na trajetória de um mesmo artista ou grupo. Partindo dessa ideia, serão analisadas e comparadas três peças dirigidas por Grotowski: Akropolis, O Príncipe Constante e Apocalypis cum Figuris. Através de uma análise genética de fontes primárias e secundárias será possivel demonstrar como esses três espetáculos produzidos pelo mesmo grupo e num mesmo período apresentam diferenças no modo como precisão e espontaneidade se configuram e se articulam no trabalho dos atores.

Grotowski. Scenic Precision. Organicity.

Many artists have pointed out the importance of formal precision or spontaneity in the actor’s work. However, few artists emphasize how these two aspects of acting can be not only articulated but also conceived as complementary. Among those who hold this perspective, Grotowski is the most notable example. However, the intersection between these two complementary dimensions is not something fixed. In multiple kinds of performances, the way those aspects are configured and articulated can vary radically, even in the trajectory of one same artist or group. Based on this ideia, this text will analyse and compare three Grotowski’s productions: Akropolis, The Constant Prince and Apocalypis cum Figuris.

OLIVEIRA, F.L. O Ator-animador no Teatro de Sombras contemporâneo - Algumas reflexões a partir do espetáculo Odisseia. Florianópolis: Universidade do Estado de Santa Catarina; Doutorado; Prof. Dr. Valmor Beltrame.

RESUMO
O artigo analisa a montagem do espetáculo Odisseia, realizada por alunas da Licenciatura e Bacharelado em Teatro, do Centro de Artes, da Universidade do Estado de Santa Catarina – UDESC, no ano de 2011, com orientação do Professor Paulo Cesar Balardim Borges. Reflete sobre o trabalho das atrizes e sobre os recursos técnicos utilizados na prática do Teatro de Sombras. A partir deste enfoque discute a performatividade no Teatro de Sombras e as potencialidades do ator-animador como ator-performer, aquele que também atua como observador, que observa sua própria produção, ocupando um duplo papel de protagonista e receptor do enunciado. Os autores referenciais para o estudo são Fabrício Montecchi, Marize Badiou, Richard Schechner, Josette Féral, Jorge Glusberg, Renato Cohen e Edélcio Mostaço que permitem compreender os conceitos de teatro de sombras contemporâneo, performance, performatividade e ator-performer explanados nas reflexões.

Palavras-Chave: Ator-animador. Ator-performer. Teatro de Sombras.

ABSTRACT
This paper analyses the process of creation of the play “Odisseia” by the students of Theatre at the “Universidade do Estado de Santa Catarina – UDESC” during the year of 2011, under the orientation of Lecturer Paulo Cesar Balardim Borges. It discusses about the work of the actresses and the technical resources used in the Shadow Theatre. From this focus, the paper discusses about performativity in the Shadow Theatre and the potentials of the actor-puppeteer as an actor-performer, the one who also acts as a watcher, that watches its own production, taking the double place of protagonist and receptor. The key authors used are Fabrício Montecchi, Marize Badiou, Richard Schechner, Josette Féral, Jorge Glusberg, Renato Cohen e Edélcio Mostaço. From their studies we can comprehend the concepts of performance, performativity, actor-performer and contemporary shadow theatre that are utilised in this reflection.

Key-words: Actor-puppeteer. Actor-performer. Shadow theatre.

PARRA FURLANETE, Sandra. Possibilidades da noção de cartografia deleuziana como sistematizadora da criação cênica. Londrina: Universidades Estadual de Londrina (UEL); Professora Assistente B. Atriz e performer.

RESUMO

Este artigo apresenta os encaminhamentos dados ao grupo de pesquisa Respiração e Criação Cênica, no qual se tem experimentado formas de se pensar o jogo cênico e a criação da cena entendendo seus elementos como devires, linhas duras, linhas de fuga. Assim, emprestamos da performance art e da cartografia deleuziana maneiras de se estruturar uma dramaturgia em tempo real que surge do próprio embate cênico, e dialoga com o não-tempo e o não-lugar. Os resultados, ainda provisórios, dado que a pesquisa se encerra apenas em julho de 2014, são já bastante ricos para uma discussão de seus encaminhamentos, principalmente no que diz respeito a como os artistas-pesquisadores envolvidos estão repensando a forma de estruturar a cena já no momento da criação.

Palavras-chave: Criação Cênica. Cartografia. Jogo Cênico.


ABSTRACT

This article presents the data referrals to the research group Breathing and Scenic Creation, in which we've been trying ways of thinking about playing and scenic settings, understanding its elements as becomings, hard lines, drain lines. Given that, we borrowed from performance art and deleuzian cartography ways to structure a drama that arises from scenic clash, and dialogues with non-time and non-place. The results, although preliminary, given that the survey closes only in July 2014, are already quite rich for a discussion of their referrals, especially with regard to how artists-researchers involved are rethinking how to structure the scene at the time of it's creation.

Key-words: Scenic creation. Cartography. Playing.

PINHEIRO, Patricia L. B.. Presença e Virtualização do Ator Contemporâneo: Novos Paradigmas de Atuação. Florianópolis : UDESC. Doutorando. CARREIRA, André L. A. N.

RESUMO
Pensar no trabalho de ator na contemporaneidade, abre margem para diversas reflexões acerca da noção de atuação. Na atualidade, a profissão de ator, pode ser direcionada para diferentes mídias como teatro, televisão, cinema, internet, jogos digitais, entre outros. A presente pesquisa apresenta um estudo sobre a presença cênica e a utilização de novas tecnologias que podem ser aliadas ao trabalho de ator, gerando uma nova concepção de atuação. Com ênfase no trabalho direcionado ao cinema e aos jogos digitais (games) por meio de captura de movimentos (motion capture), este estudo busca o entendimento do tipo de processo criativo necessário para esse meio e a compreensão do chamado “ator virtual” ou “ciberator”. Baseando-se no trabalho de coletivos teatrais como Grupo Galpão e Giramundo que utilizam-se desse recurso em projetos atuais, a presente pesquisa visa refletir sobre presença e atuação, dando margem a discussões conceituais, desenvolvidas por Hans Ulrich Gumbrecht, Marshall McLuhan. Constantin Stanislavski entre outros teóricos.

Palavras-chaves: Atuação. Captura de movimentos. Ator virtual. Teatro. Presença.

ABSTRACT
Thinking on acting work in contemporary takes to several reflections on the notion of performance. Currently the acting profession can be directed to different media such as theater, television, cinema, internet, digital games, among others. This research presents a study on the scenic presence and use of new technologies that can be combined with the acting work, creating a new concept of operations. With an emphasis on work of the film and digital games via motion capture, this study aims to understand the type of creative process necessary for this medium and understanding of the "virtual actor" or "cyberactor". Based on the collective work as a theatrical Grupo Galpão and Giramundo up using this feature in current projects, this research aims to reflect on the presence and acting giving rise to conceptual discussions, developed by Hans Ulrich Gumbrecht, Marshall McLuhan. Constantin Stanislavski and other theorists.

Keywords: Acting. Motion capture. Virtual actor. Theater. Presence.

POPPE, Maria Alice Cavalcanti (Maria Alice Cavalcanti Poppe). Imaginando o corpo imaginado – Rio de Janeiro: PPGAV-UFRJ. UFRJ; Mestranda; Orientadora: Angela Leite Lopes. Professora do Departamento de Arte Corporal da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Bailarina e pesquisadora em dança.
Resumo:
A comunicação aborda questões relativas a consciência e escuta corporais, sobretudo à imaginação do movimento no corpo dançante, parte da pesquisa O corpo imaginado – em busca de uma cartografia do espaço interior. A motivação surge de uma inquietação em relação às formas preexistentes e imagens externas que servem de modelo, muitas vezes impostas ao dançarino na sua aprendizagem, na direção de uma imagem interna do movimento. São questionamentos acerca da ocorrência do movimento no corpo, os acionamentos invisíveis que o preparam, na busca pela criação de uma dança de dentro, oculta, percorrendo trajetos imaginários e tendo a escuta como símbolo, dadas as suas características de receptividade e direcionalidade irrestritas. Essa investigação, que estabelece não só um viés teórico mas também prático através de experimentações com suportes da fotografia, do vídeo e da cena, vem sendo realizada no PPGAV/EBA, mais especificamente na linha de pesquisa Poéticas Interdisciplinares. A ideia de uma imagem interna faz nessa pesquisa a dança cruzar com as artes visuais de forma paradoxal, no momento em que, sem a visão como guia, o corpo se abre e vira-se ao avesso, na tentativa de revelar o seu infinito espaço interior.
Palavras-chave: Imaginação do Movimento; Consciência Corporal; Escuta Corporal; Dança Contemporânea; Artes Visuais.
Abstract:
The communication Imagening the Imaginated Body addresses issues related to body awareness, especially to the imagination of movement in the dancing body and is part of the research The imagined body - in search of a mapping of the interior space. The motivation stems from an uneasiness in relation to preexisting forms and external images that serve as models, often imposed to the dancer in their learning process, in the direction of an internal image of the movement. Questions about the occurrence of movement in the body, the invisible drives that prepare it, the quest to create a dance within, hidden, walking paths and having listening as a symbol, given to it’s characteristics of receptivity and unrestricted directionality. This research, establishing not only theoretical but also practical bias through experimentation with photography, video and scene, is being develloped in PPGAV/EBA, more specifically in the Interdisciplinary Poetics research line. The research of an internal image makes the crossing between dance and visual arts paradoxicall, since that, without the vision as a guide, the body opens and turns inside out in an attempt to reveal his infinite internal space.
Keywords: Imagination of Movement, Awareness, Listening, Contemporary Dance, Visual Arts.

POSSANI, M. A. Título. Campinas: Unicamp; Doutorado em Artes da Cena; Orientador Prof. Dr. Renato Ferracini.

RESUMO
Este artigo tem como tema o território limiar entre 'corpo cênico' e 'corpo cotidiano'. Para isso, tem como referência os espetáculos "O Espelho", do grupo paulistano OPovoemPé; e "Gran Circo Máximo", do Grupo Matula Teatro, de Campinas, no qual a autora é também atriz. Ambos estes espetáculos sustentam-se num delicado jogo entre ficção e realidade, e podem oferecer parâmetros para tensionar este campo-película que une/separa essas qualidades de estar (cênica e cotidiana). Este tema está sendo desenvolvido através do projeto de Doutorado "Corpo cênico e corpo cotidiano: fronteiras, dobras e intersecções", dentro do Programa de Pós Graduação em Artes da Cena da Unicamp, com orientação do Prof. Dr. Renato Ferracini.
Palavras-chave: Corpo cênico. Corpo cotidiano. Treinamento de ator.

ABSTRACT
This article focuses on the land boundary between 'scenic body' and 'daily body '. We take as reference the plays "O Espelho", from OPovoemPé, and "Gran Circo Máximo", from Grupo Matula Teatro, in which the author of this paper is also an actress. Both of these plays are underpinned by a delicate game between fiction and reality, and can provide parameters for tighten this field-film that join/separate these qualities to be (scenic and daily). This theme is being developed through the Doctorate project "Scenic body and daily body: boundaries, intersections and folds" within the Graduate Program in Arts Scene Unicamp, with guidance of Prof. Dr. Renato Ferracini.
Key-words: Scenic body. Daily body. Actors training.

QUILICI, Cassiano Sydow. Aquele que age, aquele que está ao lado: a potência da não-ação nas artes performativas. São Paulo: Universidade Estadual de Campinas. Professor livre docente, Universidade Estadual de Campinas.

Teatro Nô, shite-waki, não ação, cena contemporânea

Este trabalho parte da reflexão sobre duas noções presentes no teatro Nô para repensar a potência da não-ação no teatro contemporâneo e na performance. Os termos shite (aquele que age) e waki (aquele que permanece ao lado) designam funções estruturantes da cena Nô. O shite está mais próximo do que o teatro ocidental costuma identificar como “conflito”, presentificando uma entidade (divindade, fantasma, demônio etc) presa a algum tipo de paixão, obsessão ou loucura, que deverá ser revelada e “dançada”. Para que isso aconteça é indispensável a presença do waki. Sua performance é marcada pela ausência de ações e pela peculiar qualidade de atenção e energia, criando o espaço para a manifestação do “fantasma”. A rigorosa articulação entre ação e não-ação no dispositivo performativo do Nô permite-nos problematizar aspectos da formação do performer contemporâneo, resgatando a questão da contemplação numa nova perspectiva. De um ponto de vista mais abrangente, este estudo reafirma a importância do diálogo com certas fontes tradicionais para a proposição de outros caminhos de pesquisa nas artes performativas brasileiras.

Noh theatre, shite-waki, non-action, contemporary scene

This work starts from reflection about two notions of Noh theatre to rethink the power of non-action in contemporary theatre and performance. The terms shite (one who acts) and waki (one who stands aside) designate important functions of Noh scene. The shite is closer than western theater usually calls “conflict”, representing an entity (deity, ghost, devil etc) attached to some kind of passion, obsession or madness, wich will be revealed and “danced”. Therefore, it is essential the presence of waki. His performance is marked by the absence of action and the quality of mindfulness and energy, creating space for the manifestation of “ghost”. The strict relationship between action and non-action in the Noh device allow us to problematize some aspects of the formation of contemporary performer, rescuing the question of contemplation in a new perspective. From a broader point of view, this study reaffirms the importance of dialogue with certain traditional sources to propose other search paths in brazilian performing arts.

RABELO, A.F.A. Corpo Coletivo do Desejo: agenciamento em três movimentos. Campinas: Unicamp/Lume; Doutorado em Artes da Cena com orientação de Renato Ferracini e bolsa FAPESP; ator/performer/encenador.

RESUMO

Este artigo se propõe a discutir a noção de Desejo em Espinosa e Deleuze como força geradora de um espaço coletivo de criação, articulada nos entremeios do empenho desprendido pelos corpos envolvidos. Corpos que se agenciam numa cartografia afetiva processual a partir de suas longitudes e latitudes; e através dos três movimentos – territorialização, desterritorialização e reterritorialização. As reflexões aqui apresentadas surgem como parte do processo de criação do projeto internacional Hotel Medea e fazem parte da pesquisa de doutorado que se articula com outras pesquisas dentro do Projeto Temático financiado pela FAPESP “Memória(s) e Pequenas Percepções”, com coordenação de Renato Ferracini e Suzi Sperber.


Palavras-chave: Desejo, Corpo-em-Arte, Território, Criação Coletiva, Hotel Medea.



RABELO, A.F.A. Collective Body of Desire: assemblage in three movements. Campinas Unicamp / Lume; Doctorate in Arts Scene with guidance from Renato Ferracini and FAPESP scholarship; actor / performer / director.

ABSTRACT

This article aims to discuss the notion of desire in Deleuze and Spinoza as a generative force of a collective space to create, articulate mixed in with the commitment given off by the bodies involved. Bodies that tout an affective mapping procedure from their longitudes and latitudes, and through the three movements - territorialization, deterritorialization and reterritorialization. The reflections presented here arise as part of the creation process of the international project Medea Hotel and are part of a PhD research that articulates with other research within the thematic project funded by FAPESP "Memory (s) and Small Perceptions", with coordinating Renato Ferracini and Suzi Sperber.


Keywords: Desire, Body-in-Art, Territory, Collective Creation, Hotel Medea.

RAUEN, Margarida Gandara – Margie. De enquadramentos e deslocamentos em poéticas de guerillha. Guarapuava: UNICENTRO; Professora Associada; Artista e orientadora em poéticas participativas.


RESUMO

Este trabalho aborda a dinâmica de paidia e o efeito de descontinuidade em eventos não ensaiados e amplamente definidos como ativismo provocado na Internet. Diferente do uso político de formas e procedimentos artisticos como estratégia para persuadir e envolver públicos em espetáculos ensaiados, consideram-se manifestações cujo propósito é utilizar a participação em massa para demonstrar resistência e reivindicar transformações culturais e políticas. Com analogia ao que Jacques Derrida denomina desleitura, são justapostos os casos de performances empoderadoras, tais como Pussy Riot (irradiado da Russia), o movimento Femen (deflagrado na Ucrânia), a Marcha das Vadias (desde a ação de Jaclyn Friedman, vítima de estupro no Canada), aos movimentos deflagrados no Brasil em junho de 2013, os quais desafiam os modelos usuais de liderança e as tentativas de enquadramento.

Palavras-chave: Desconstrução. Cultura. Margem. Participation.


ABSTRACT
This paper addresses the dynamics of paidia and the effect of discontinuity in non-rehearsed events that are broadly defined as Internet-prompted activism. Rather than the political use of artistic forms and procedures as a strategy to persuade and engage audiences in rehearsed shows, I consider manifestations, the objective of which is to use mass participation to demonstrate resistance and to claim cultural and political transformation. Jacques Derrida’s principle of misreading informs a juxtaposition of empowering performances such as the Pussy Riot (irradiated in Russia), the Femen Movement (Ukraine), the SlutWalk (irradiated by the Canadian rape victim Jaclyn Friedman ), and those that started in Brazil as of June, 2013, challenging the usual leadership models and framing attempts.

Keywords: Deconstruction. Culture. Margin. Participation.

RODRIGUES, André (Andre Luiz Rodrigues Ferreira). Instabilidades na experiência cênica clownesca. Rio de Janeiro: PPGAC/UNIRIO; Mestrado; Bolsista Capes; Orientadora: Prof. Dra. Tatiana Motta Lima; Ator e Palhaço.

RESUMO

Esta comunicação investiga as potências que permeiam a atuação do palhaço, capazes de instaurar processos de instabilidade no interior do fenômeno cênico. Por sua inadequação, o clown produz aberturas possíveis à experiência da diferença, violando a ordem estabelecida através de comportamentos desviantes em relação aos padrões normativos. Operando com fluxos e impulsos desejantes, a palhaçaria pode gerar experiências cênicas moventes, desestabilizando, por afetação e contágio, tanto as instâncias do espectador como do artista que atua. Este estudo dialoga com as práticas artísticas do clown norte-americano Jango Edwards, cujas atuações tensionam e problematizam a comicidade clownesca, colocando-a em fricção com violações ligadas ao grotesco, ao riso dúbio, à repugnância, ao espanto, e à comoção, provocando uma cena dotada de incerteza e desorientação à recepção. Este trabalho parte da análise de registros videográficos de apresentações do clown supracitado, bem como do estudo de entrevistas e escritos do próprio artista. Esta comunicação pretende criar possíveis chaves de leitura que permitam levantar questões e complexidades sobre a atuação clownesca e os jogos de força que ela engendra, contribuindo para as discussões e ações produtoras de intensidades a partir da técnica do palhaço.

Palavras-chave: Palhaço. Instabilidade. Grotesco. Fluxos de Afeto.

ABSTRACT

This presentation investigates the powers that permeate the clownish, able to initiate processes of instability within the scenic phenomenon. For its inadequacy, the clown operates possible gaps to experience the difference, violating the established order through deviant behavior in relation to normative standards. Operating with desiring and pulse flows, the clownish can generate moving scenic backgrounds, unsettling, for affectation and contagion, both instances of the spectator as the artistic performance. This study dialogues to the artistic practices of American clown Jango Edwards, whose performances tense and problematize the comic clowning, putting it into friction with violations related to the grotesque, to dubious laughter, to disgust, to the astonishment and commotion, causing a scene of uncertainty and disorientation to the reception. This work starts from the analysis of the clown’s videographic records shows, as well as the study of writings and interviews of the mentioned artist. This presentation is intended to create possible keys that allow reading and raise questions about clowning acting and its intensities, contributing to discussions and actions that can produce potentialities from clown’s technical.

Keywords: Clown. Instability. Grotesque. Affection flows.

ROJO, Sara; Relações possíveis entre o teatro e as teorias de Jacques Ranciére e Didi-Huberman. Belo Horizonte. UFMG; Professora Associada; CNPq; bolsista de produtividade. Diretora teatral.

Teatro, Rancière, Didi-Huberman

"Relações possíveis entre o teatro e as teorias de Jacques Ranciére e Didi-Huberman.
As contribuições de filósofos contemporâneos, como Jacques Rancière e Didi-Huberman, já formam parte das referências teóricas dos estudos críticos sobre teatro. Por um lado, Rancière, partindo das propostas artodiana e brechtiana, elabora o conceito de espectador emancipado e Didi-Huberman, direcionando seu olhar para Brecht, reflete sobre quando as imagens toman posição. Por outro lado, cada vez mais aparecem estudos no campo teatral para os quais as teorias destes filósofos são a base da sustentação crítica dos mais variados argumentos. Neste estudo pretende-se refletir nos pontos centrais desta equação: o conceito de imagem e as relações entre o campo filosófico-político e o teatro na contemporaneidade. "

Theater, Rancière, Didi-Huberman

"Possible relationships between the theater and the theories of Jacques Ranciére and Didi-Huberman.
The contributions of contemporaneous Philosophers, as Jacques Rancière and Didi-Huberman, are already part of the theoretical technical references of the critical studies about theater. On one hand Rancière, starting from Artaud and Brecht ideas, elaborates the concept of emancipated Spectator and Didi-Huberman, directing his view to Brecht, reflects on when the images take position on. On the other hand, increasingly appear theatrical field studies for which their theories are the critical base of different arguments. This study aims to reflect about the central points of this equation: the concept of image and the relationship between the philosophical-political field and the theater in the contemporaneity. "

SÁ, Luiz Henrique da Silva e. Hiperespaço cenográfico: Svoboda e o buraco de minhoca. Rio de Janeiro: Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas – Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro PPGAC-UNIRIO; professor assistente; doutorando; Professora orientadora Drª Lidia Kosovski. Designer e cenógrafo.

RESUMO
O desenvolvimento das teorias científicas, a partir do final do século XIX, promove uma transição paradigmática na compreensão de mundo. Novos modelos físicos, produtos da vida social e da cultura da época, dialeticamente influenciam e são influenciados por outros ramos do conhecimento. Demonstra-se na cenografia teatral voltada para a representação de mundo em espaços conceituais o uso de artifícios para a interpretação do espaço em modelos compatíveis com a compreensão vigente do real. O hiperespaço – espaço multidimensional – decorrente de diversas teorias científicas traz o conceito do buraco de minhoca, uma característica topológica do espaço-tempo que cria atalhos entre diferentes dimensões. Pretende-se apresentar de que maneira o cenógrafo tcheco Josef SVOBODA, a partir de meados dos anos 1950, concebeu, com uso de novas tecnologias de representação espaço-visual, projetos cenográficos engajados com esta nova concepção espacial, que se afina com as concepções quânticas de organização da natureza.
Palavras-chave: Cenografia. Ciência. Buraco de minhoca. Svoboda.

ABSTRACT
From late nineteenth century, development of scientific theories promoted a paradigm shift on understanding the world. New physical models, products of social life and culture of the time, dialectically influenced and were influenced by other branches of knowledge. Theatrical scenography focused in representing the world in conceptual spaces has shown several devices to interpretate space using compatible models with the current understanding of reality. Several scientific theories have brought the concept of hyperspace – multidimensional space – and consequently the concept of wormhole, a topological feature of spacetime that creates shortcuts between different dimensions. It is aimed to present how the Czech stage designer Josef Svoboda conceived, from the mid-1950s, with new visual-spacial technologies of representation, designs engaged with this new understanding of space, touching the quantum concepts of nature organization.
Keywords: Scenography. Science. Wormhole. Svoboda.

SALVADOR, Lenine Guevara Oliveira. Sobre a multiplicidade e a heterogeneidade do papel do artista como modo de especialização profissional. Salvador: UFBA; Doutorado; CAPES. Ciane Fernandes. Performer e pesquisadora.

RESUMO

O artigo é uma proposta crítica à relação entre criação em arte e seu processo de profissionalização no que tange o contexto acadêmico das Artes Cênicas no Brasil. Objetiva-se abrir um debate sobre a diferença entre a multiplicidade do papel do artista na produção cultural e a heterogeneidade de papeis que este pode vir a desenvolver no campo. Considera-se, nessa crítica, aquele artista que atua como um agente enredado em uma trama de pesquisa (artística e acadêmica), de produção (artística ou gestão na Universidade) e de formação (acadêmica ou livre). Nesse sentido, são poucos os profissionais cuja especialização no campo concentra-se apenas em um foco daquelas atividades. Contanto, apesar do contexto ser de múltiplos focos na produção desses artistas, aponta-se uma não assunção do contexto de formação na universidade, quanto à multiplicidade como modo de gerar especialização profissional dentro do campo.

PALAVRAS-CHAVE: Profissionalização. Produção cultural. Heterogeneidade. Multiplicidade.

ABSTRACT

The article is a critical proposal to the relationship between the art creation and its professionalization process, regarding the academic context of the Performing Arts in Brazil. The purpose is open up a debate about the gap between the multiplicity of the role of the artist in the cultural production and the heterogeneity of roles that them could develop in the field. It is considered in this critique, that artist who acts as agent embroiled in a plot of research (artistic and academic), of production (artistic and of public management in the University context), and of formation (academic or free). In this sense, few are the professionals whose specialization in the field concentrates only on one focus of those activities. Thus, although the context being multiple in the production of these artists, It is pointed out a non-assumption of formation context at the University, as to multiplicity like a mode to generate professional specialization in the field.

KEYWORDS: Professionalization. Cultural production. Heterogeneity. Multiplicity.

SALVATTI, Fabio. Azar, Biopolítica e Erro. Florianópolis: Universidade Federal de Santa Catarina. Professor adjunto. Diretor teatral.

biopolítica, performance, ativismo político

Se os jogos nascem como profanação dos ritos religiosos, como afirma Agamben, o espetáculo Hasard, do Erro Grupo, estreado em agosto de 2012, profana a mística do capital especulativo, a onipresença da vigilância e o exercício do biopoder. Estas “novas religiões” de mercado e de estado imprimem uma capitalização da vida cotidiana, pautada pela competição, pela repressão via aparato policial e pelo acaso. Apresentado na rua, Hasard sofreu uma intervenção da polícia militar durante apresentação no Festival de Curitiba de 2013. Dos quatro finais possíveis, escolhidos de acordo com a participação do público, um incluía uma obsessão de apostas pelos atores, indo até o limite de apostarem suas próprias roupas (e desnudando-se no processo). A polícia ameaçou enquadrá-los sob o delito de ato obsceno, por se tratar de nudez em via pública. Mesmo que o corpo nu em arte tenha um histórico vasto de problemas com as forças da ordem, o episódio específico de Hasard ganha relevo quando examinado à luz do conceito de biopolítica de Foucault – Deleuze – Agamben.

biopolitics, performance, political activism

If games are created as a profanation of religious rites, as Agamben argues, the performance Hasard, by Erro Grupo, premiered in August 2012, profanes the mystique of speculative capital, the omnipresence of surveillance and the exercise of biopower. These “new religions” of market and state impose a capitalization of everyday life, marked by competition, repression via police apparatus and chance. Performed in the street, Hasard suffered a police intervention during a presentation at the Festival de Curitiba 2013. Of the four possible endings, chosen according to audience participation, one included an obsessive betting by actors, one was the actors obsessively gambling, going as far as betting their own clothes (and stripping in the process). The police threatened to arrest them under the offense of obscene acts, because it was nudity in public space. Even though the naked body in art has a large history of problems with the forces of order, the specific episode of Hasard is particularly interesting when examined in the light of Foucault's, Deleuze's and Agamben's concept of biopolitics.

SANTANA, Eduardo A. R. A última camada do corpo ou o desencarno do corpo (?): mobilidades da presença a partir Xavier Le Roy e Jorge Alencar. Salvador: Universidade Federal da Bahia. Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas; Doutorado; Bolsista CAPES DS; Orientadora: Profa. Dra. Ciane Fernandes. Coreógrafo, Performer e Professor em Dança.


Se nem sempre o corpo foi a questão da dança, continuará ele o sendo? Há alguns indícios coreográficos em produções contemporâneas que continuam a lidar com e pelo corpo, todavia fazendo sobressaltar aspectos da presentidade do si mesmo na performance coreográfica. Essa qualidade convoca, não apenas dimensões técnicas, mas faz uso de recursos poéticos e elaborações estéticas em direção ao acionamento da consciência de si e da flutuação atencional como dado coreográfico e operação dramatúrgica da dança em questão. Dessa maneira, ainda que através de ossos, articulações, músculos e pele, tão diretamente assumidos e manifestados no século XX, parece que se tornam mais discretos diante da prioritária produção e variação coreográfica e dramatúrgica da presença. Algumas reflexões iniciais são apresentadas considerando meu relato, a partir minha observação participante como público da instalação coreográfica Retrospectiva (versão 2013) de Xavier Le Roy e da encenação coreográfica Tombé (versão 2013) de Jorge Alencar/Dimenti, utilizando, além de notas escritas, ainda entrevistas feitas com participantes dessas obras.

Palavras-chave: Dança Contemporânea; Corpo; Presença

If the body was not always the matter of dance, he will continue being? There is some evidence that contemporary choreographic productions continue to deal with and through the body, but making the jump presentness aspects of selfhood in choreographic performance. This quality calls, not only technical aspects, but makes use of poetic devices and aesthetic elaborations toward the drive of self-consciousness and attentional fluctuations as given choreography and dance dramaturgy operation in question. Thus, even through bones, joints, muscles and skin, so directly assumed and manifested in the twentieth century, it seems that become more discreet on the priority production and variation of the choreographic and dramaturgical presence. Some initial thoughts are presented considering my story, from my participant observation as public from choreographic installation Retrospective (2013 version) Xavier Le Roy and choreographic staging Tombé (2013 version) by Jorge Alencar/Dimenti, using, in addition to written notes, further interviews with participants in these works.

Keywords: Contemporary Dance; Body; Presence

SANTOS, Andrea Paula J. Teatro-laboratório no contexto do século XX. Campinas: UNICAMP; Doutoranda; Or. Prof. Dr. Matteo Bonfitto; atriz e pesquisadora

Laboratório. Ator. Século XX. Cena Contemporânea

"RESUMO
Este artigo parte da hipótese de que o conceito de “laboratório” criou as bases para alguns dos principais pensamentos e práticas nas Artes Cênicas a partir do século XX, como por exemplo, a ideia de cultura de grupo; do trabalho do ator sobre si; do novo papel do corpo; da importância do treinamento e do teatro enquanto ética. Aborda a crise em que esses paradigmas se encontram na cena contemporânea, que não necessariamente os renega, mas realiza uma releitura deles. A fim de traçar um paralelo entre esses dois momentos, este testo parte do trabalho de dois dos maiores nomes relacionados ao conceito de teatro-laboratório, Stanislavski, na primeira metade do século XX, e Grotowski, na segunda metade, utilizados aqui como referência."

Laboratory. Actor. XX Century. Contemporary Scene

"ABSTRACT

This paper aims at discussing the hypothesis that the concept of “laboratory” created the basis for some of the main theatrical thoughts and practices from the XX century on, such as, the group culture, the actor’s care of the self, the new role of the body, the importance of the training and the theater as ethics. It discusses the crisis in which these paradigms are within the contemporary scene, which does not deny, but reread them. In order to establish a parallel between these two moments, this paper focuses on the work of two of the main theatre-laboratory names, Stanislavski, in the first half of the XX century, and Grotowski, in the second half is used as reference."

SEIXAS, Rebeka Caroça. O riso entre lágrima: um estudo da obra dramatúrgica de Nikolai Gógol. Natal : UFRN. Instituto Federal de Educação Ciência e Tecnologia do Rio Grande do Norte: Professora de Teatro. Universidade Federal do Rio Grande do Norte, Doutorado em Literatura Comparada, Alex Beigui de Paiva Cavalcante. Atriz.

O RISO ENTRE LÁGRIMA: UM ESTUDO DA OBRA DRAMATURGICA
DE NIKOLAI GÓGOL


RESUMO

O presente artigo pretende realizar uma análise interpretativa da obra dramatúrgica completa de Gógol, buscando compreender de que maneira a metalinguagem e a teatralidade estão presentes nela. Além disso, busca investigar os referenciais teóricos que tratam dos conceitos de metalinguagem e teatralidade, estabelecendo um diálogo entre esses conceitos e a obra do dramaturgo.

PALAVRAS CHAVES: Nikolai Gógol; dramaturgia; metalinguagem; teatralidade.

LAUGH BETWEEN TEARS: A STUDY OF THE WORK DRAMATURGICAL BY NIKOLAI GÓGOL

ABSTRAT

This article intends to perform an interpretative analysis of Gógol’s complete dramaturgical work, trying to understand how the metalanguage and theatricality are present in it. Moreover, it investigates the theoretical concepts dealing with metalanguage and theatricality, establishing a dialogue between these concepts and the work of the playwright.

KEY –WORDS: Nikolai Gógol; dramaturgy; metalanguage; theatricality.

SILVA, Dora de Andrade. Corpo cotidiano, extra-cotidiano em Arte. Campinas: Unicamp. Doutoranda em Artes da Cena; Unicamp; Bolsa CAPES; Or. Antonieta Marília de Oswald de Andrade. Bailarina, professora e pesquisadora.

RESUMO
O presente artigo pretende explorar algumas das particularidades do processo de treinamento e criação cênica com não-bailarinos/não-atores, buscando compreender as relações existentes entre corpo cotidiano e extracotidiano como ponto de partida para pensar a expressividade cênica destes atuantes. Tal abordagem propõe uma reflexão sobre o corpo em estado de criação e os mecanismos que cercam a construção da presença nestes corpos, entendendo a prática com estes atuantes como possibilidade de desvelamento e reflexão sobre conceitos caros às artes performativas como o ideia de arte/vida e suas fissões.
PALAVRAS-CHAVE: não-bailarinos, não-atores, processo criativo, artes cênicas, arte/vida.

ABSTRACT
The present work intends to discuss some of the particularities of the training process and scenic creation with non-dancers/non-actors in order to understand the relationship between everyday body and extra-everyday as a starting point for thinking about these scenic expressiveness active. This approach proposes a reflection about the body in a state of creation and the mechanisms surrounding the construction of the presence in these bodies, understanding the practice with these acting as the possibility of unveiling and reflection on concepts of the performing arts as the idea of art / life and their fissions.
KEYWORDS: non-dancers, non-actors, creative process, performing arts, art/life.

VILELA, Glênio Araújo. As tensões entre imagem e texto: a dramaturgia performática artaudiana. Belo Horizonte: Universidade Federal de Minas Gerais, mestre em Estudos Literários; Orientadora Prof. Dra. Sara Del Carmen Rojo de La Rosa; Ator, poeta e dramaturgo.

RESUMO

Este artigo tem como propósito fazer uma pequena análise da dramaturgia de Antonin Artaud O jato de sangue (1975), a partir de uma possível leitura dos conceitos de imagem dialética e de anacronismo, propostos por Georges Didi-Huberman. Para tanto, a ideia é destacar os pontos de tensão que constituem parte da construção estética dessa obra teatral, que a nosso ver se configura como escrita performática, justamente pelo fato de a obra ser determinada por frases sem sentidos e sem coesão. Por estabelecer um diálogo profícuo com o receptor, a obra solicita um processo de interpretação que extrapole os limites textuais, ou seja, o texto se transforma numa produção de pulsões imagéticas, além disso, a dramaturgia é determinada, também, pela multiplicidade de direções temporais não explicadas racionalmente e não submetidas a uma hierarquização do tempo. É possível apontar que há, nessa dramaturgia, a justaposição de um jogo de imagens e textos que a revestem por uma desdramaticidade, na medida em que rompem com o modelo clássico do drama do teatro ocidental.

Palavras-chave: Antonin Artaud. Dramaturgia Performática. Imagens

ABSTRACT

This article aims to do a little analysis of the dramaturgy of Antonin Artaud Jet of blood (1975) from a possible reading of the concepts of dialectical image and anachronism, proposed by Georges Didi-Huberman. Therefore, the idea is to highlight the points of tension that are part of the aesthetic construction of this play, which in our view is configured as performative writing, precisely because the work be determined by phrases senseless and without cohesion. For a fruitful dialogue with the receiver, the work process calls for an interpretation that go beyond the limits text, or text becomes a production imagery drives also the drama is also determined by the multiple temporal directions not explained rationally and not subject to a hierarchy of time. It is possible to point out that there is, in this drama, the juxtaposition of a set of images and texts that cover for a non-linear storyline, in that break with the classical drama of western theater.
Keywords: Antonin Artaud. Dramaturgy Performática. Images

VILLELA, Elisa Helena. Diferenciando tempos e espaços entre dança e vídeo. Uberlândia: Universidade Federal de Uberlândia. Diretora de Produção do Curso de Teatro da UFU; doutoranda no programa DINTER UNIRIO- UFU; orientadora Profa. Dra. Lídia Kosovski.

RESUMO
As interações entre linguagem audiovisual, particularmente o cinema e o vídeo, e as artes cênicas têm se tornado cada vez mais estreitas e profícuas, tanto no que diz respeito às novas possibilidades de criação, decorrentes de suas inúmeras formas de articulação, quanto à importante capacidade de ampliação das escalas de exibição, divulgação e compartilhamento da produção artística atual, possibilitadas especialmente pelas novas mídias digitais. A questão que se coloca é: quais são as possibilidades de articular estas duas linguagens sem que isto signifique uma redução do potencial artístico inerente a cada uma delas? .Ou, que tipo de tratamento se deve dar às duas estruturas (coreografia e “videografia”) para que se alcance uma integração satisfatória? A partir dessas questões será apresentada uma reflexão sobre meios e processos a serem utilizados com a intenção de conjugar estas duas linguagens, com ênfase especial em um estudo de diferenciação de dois elementos essenciais dessas formas distintas de expressão artística: o tempo e o espaço, considerados aqui de maior relevância, por serem o cerne, o eixo central de composição das duas linguagens.
Dança - Vídeo - Tempo - Espaço

ABSTRACT
The interactions between audiovisual language, particularly film and video, and performing arts have become increasingly close and productive, both in regard to new creative possibilities, due to its numerous forms of articulation, on the important ability of expansion of display scales, dissemination and sharing of current artistic production, made possible especially by the new digital media. The question that arises is: what are the possibilities of linking these two languages without that representing a reduction of artistic potential inherent in each one? Or, what kind of treatment should be given to both structures (choreography and "videography") for achieving satisfactory integration? From these issues will be presented a reflection on ways and means to be used with the intention of combining these two languages, with special emphasis on a study of differentiation of two essential elements of these distinct forms of artistic expression: time and space, considered most relevant here, because they are the core, the central axis of the composition of the two languages.
Dance – Vídeo - Time – Space

XAVIER, Jussara. Assemblage: corpo e cena em agenciamentos coletivos. Florianópolis: Universidade do Estado de Santa Catarina; professora colaboradora. Diretora, curadora e produtora.

Composição. Dança contemporânea. Agenciamento.

Reflexão sobre questões exploradas na criação do espetáculo Assemblage (2013). Nesta experiência, passado, presente e futuro coexistem para retratar o tempo (e a vida) em sua multiplicidade. Interessa somente o “entre” como espaço para declaração do existente e evocação de memórias. A discussão revê os seguintes princípios compositivos: a repetição como ferramenta para ressignificação de imagens preexistentes; a apropriação como recurso de conhecimento e experimentação; o nomadismo e o rizoma como perspectiva de geração de saberes. Assemblage, do francês assembler, significa reunir. Também designa agenciamento, conceito dos filósofos Gilles Deleuze e Félix Guattari. Trata-se de um dispositivo que opera por princípios de combinação e heterogeneidade, em que qualquer um de seus pontos pode ser conectado a qualquer outro. Desprovido de centro, o agenciamento propaga-se por prolongamentos, variações e linhas. O trabalho criativo está sintetizado em fronteiras: simultaneamente ativo e passivo, dança e teatro, uno e múltiplo, fantástico e ordinário. Zonas sobrepostas povoam o corpo e a cena, evidenciando-os como paisagem própria do mundo contemporâneo.

Composition. Contemporary dance. Assemblage.

Reflection on issues explored in the creation of the performance Assemblage (2013). In this experience, past, present and future coexist to portray the time (and life) in its multiplicity. Interest only "between" statement as a space for the existing and evoked memories. The following discussion reviews the compositional principles: repetition as a tool to reframe existing images; appropriation as a resource of knowledge and experimentation, nomadism and the rhizome as prospect of generating knowledge. Assemblage, of French assembler, means gathering. Also designates a concept by philosophers Gilles Deleuze and Félix Guattari. It is a device that operates by principles of combination and heterogeneity in any of its points can be connected to any other. Devoid of the center, the agency is spread by extensions, variations and lines. The creative work takes place also in a strong transit between theory and practice, dance and theater. Creative work is synthesized in boundaries: both active and passive, dance and theater, one and multiple, fantastic and ordinary. Overlapping zones inhabit body and scene, showing them as a landscape of the contemporary world